Cubismo
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El documento describe la evolución del cubismo desde sus orígenes hasta sus diferentes etapas. Comenzó como cubismo Cezaniano entre 1907-1909, influenciado por Cézanne y caracterizado por formas geométricas. Luego vino el cubismo analítico entre 1909-1912 donde Picasso y Braque se enfocaron en el análisis estructural. Finalmente el cubismo sintético entre 1912-1914 donde incorporaron materiales como collage y más color. El documento también discute el cubismo órfico y las influencias en el desarrollo del cubismo como la f
Cubismo
- 3. Antecedentes • Invención de la fotografía • Descubrimientos arqueológicos en Egipto a comienzos del Siglo XX. • Paul Cézanne • Arte Fauvista Cubismo Clases • Cubismo Cezaniano • Cubismo Analítico • Cubismo Sintético • Cubismo Órfico Características Cubismo Literario Escultura Web grafía consultada
- 4. Invención de la Fotografía La fotografía nace en Francia gracias a las innovaciones tecnológicas de la época pre- industrial, e influenciada por la filosofía positivista, que establecía la necesidad de probar empíricamente cada elemento de la naturaleza. En 1816, Niépce obtiene la primera imagen negativa sobre papel, con una cámara oscura. En 1826, realiza la primera heliografía con betún de Judea. En 1839, la cámara oscura se presenta en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia. Paris a principios de 1800 Fue Joseph-Nicephore Niepce quién consiguió las primeras imágenes negativas en 1816, utilizando papel tratado con cloruro de plata. Jabez Hogg haciendo un retrato en el estudio de Richard Beard, 1843. Richard Beard (1801-1885) fue el titular del proceso de daguerrotipo en Inglaterra y Gales desde 1841 hasta 1853.
- 5. La pintura hasta ese momento se encargaba se plasmar la realidad, pero ahora esa misión la hace la cámara, por lo que la pintura puede empezar a interpretar la realidad a su manera. ¿Cuándo nace el Cubismo? 1907. Luego las fechas encajan, desde 1888 que se va implantando la cámara hasta el inicio del Cubismo se va transformando lentamente la misión de la pintura: antes representar, ahora interpretar. Jean-Auguste-Dominique Ingres. Condesa de Haussonville es un retrato de 1845. Jean-Auguste-Dominique Ingres. La Bañista de 1808. Jean-Auguste-Dominique Ingres La consagración (en francés Le Sacre de Napoleón), realizada entre 1805 y 1808.
- 6. Descubrimientos arqueológicos en Egipto a comienzos del Siglo XX. Realmente, las tallas y las máscaras negro africanas no recibieron la consideración del mundo occidental, desde el punto de vista estético, hasta que a finales del siglo XIX y principios del XX, la vanguardia artística europea del postimpresionismo francés (fauves y cubistas) y los expresionistas alemanes (de los grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter) creyeron ver, en las esculturas procedentes del África negra y de Oceanía, la respuesta a los interrogantes que ellos se planteaban acerca de la validez de las antiguas tradiciones artísticas de Occidente, que consideraban caducas.
- 7. Encontraron, pues, en el denominado “arte de los pueblos primitivos”, africanos y oceánicos, que prescindía totalmente de cánones, que rehuía de la imitación y la descripción, el paradigma de la libertad expresiva del artista. El canon de perfil se fundamenta en el principio de valorar preferentemente el aspecto que más caracteriza a cada parte del cuerpo humano, pues se consideraba que las representaciones escultóricas y gráficas contenían una parte del espíritu del personaje. Eran una especie de "doble" del individuo, sede de su ka, según las creencias egipcias.
- 8. Bodegón con cortina (1895) ilustra la creciente tendencia de Cézanne hacia la compresión lisa de formas y tensión dinámica entre figuras geométricas. Paul Cézanne (1839 - 1906) Fue un pintor francés posimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna y cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística del siglo XIX hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. La pintura de Cézanne se centró casi siempre en los mismos géneros pictóricos: bodegones, paisajes –de la Provenza- y retratos. Hace composiciones muy rigurosas en base a líneas geométricas (verticales, horizontales.) Marca mucho los volúmenes y los planos, no es nada etéreo. Llegó a los límites de la abstracción. Entre su genial producción destacamos las bañistas, los jugadores de carta, la montaña de St.Victoire y sus increíbles bodegones. Los cuadros terminan siendo una creación mental, se alejan paulatinamente del modelo. Cezanne fue uno de los artistas más influyentes del siglo XIX preludiando el advenimiento del Cubismo, movimiento de vanguardia que no se entiende sin él. Su influencia fue profunda en Picasso y en otros artistas de ese movimiento como Braque o Juan Gris. Hay una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros». Henri Matisse, admiraba su dominio del color y Pablo Picasso se basó en su forma de componer los planos para crear el arte cubista. «Todo en la naturaleza está modelado según la esfera, el cilindro y el cono».
- 9. Paul Cézanne. El monte Sainte-Victoire visto desde el suroeste con árboles y una casa es una de las muchas obras que Paul Cézanne realizó sobre este tema cuando su contacto con el impresionismo le llevó a pintar al aire libre. La definición de la forma mediante espacios y colores planos son característicos de su estilo. Paul Cézanne. Melocotones y peras (1888, Museo Pushkin, Moscú) de Paul Cézanne es una de sus famosas naturalezas muertas. En ellas se aparta de la pintura realista y utiliza la perspectiva plana y las pequeñas zonas de color que luego serían precursoras del cubismo a principios del siglo XX. “El dibujo y el color no son diferentes, a medida que se pinta se va dibujando; cuanto más armonioso es el color, más se precisa el dibujo. Cuando el color es más rico, la forma está en plenitud. Los contrastes y la relación de las formas constituyen el secreto del dibujo y del contorno. La línea y el modelado no existen. El dibujo es producido por el contraste o por la relación de los tonos. El dibujo sin colores es una abstracción. Dibujo y color no son diferentes. En la naturaleza todo tiene color". Paul Cézanne Paul Cézanne. Las grandes bañistas es un cuadro del pintor francés Paul Cézanne. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 130 cm por 195 cm. Cézanne pintó reiteradamente bañistas, lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea.
- 10. Arte Fauvista El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El nombre viene de la palabra francesa fauve: fiera. Se caracterizó por un empleo provocativo del color. Una de sus características sobresalientes es el uso exagerado de los colores y la pincelada furiosa. Su preocupación está en la expresión y no en la composición, empleando colores brillantes y antinaturales. Los pintores fauvistas, buscaban utilizar colores que destacaran por su vibrante tono, además de representar formas que en ocasiones perdían su estilo figurativo y que raramente eran coloreadas con las tonalidades observadas en la naturaleza. La paleta de colores de los foves se destaca por el empleo de un cromatismo antinatural, buscan la fuerza expresiva del color, colocando colores diferentes de los reales, por ejemplo, pintar los árboles de amarillo limón y los rostros en color verde esmeralda. Maurice Vlaminck "El restaurante `la Machine´, en Bougival" (Hacia 1905). Paris. André Derain Mujer con camisa, bailarina, 1906.
- 11. Cubismo Cezaniano(1907-1909) Se denomina cezaniano porque los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y está influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat. Los géneros que predominaron fueron las figuras humanas y los paisajes. Se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras. Se considera que Las señoritas de Aviñón es el primer cuadro cubista. Lo realizó, en 1907, Picasso en su taller de la calle Ravignan, 13 de París. Ya el año anterior Picasso había entrado en contacto con obras primitivas africanas en el verano marchó al pueblecito pirenaico de Gósol, donde pintó una serie de pinturas centradas en el dibujo y el contorno, prácticamente usando sólo el ocre, en espacios vacíos en los que la modelo, Fernande Olivier, aparece en poses discontinuas y con sus rasgos estilizados hasta el punto de parecer una máscara primitiva. A su regreso a París, sus experiencias cristalizaron en las Señoritas de Aviñón, donde se presentan simultáneamente varios puntos de vista, acabando así con la perspectiva ilusionista del Renacimiento. Pablo Picasso Las señoritas de Aviñón
- 12. En el verano, Braque había estado pintando en L'Estaque paisajes «lineales» que se inspiraban en Cézanne, construidos a base de cubos y que son considerados totalmente precubistas. Ese mismo 1907, además, se produjeron dos hechos trascendentales. Por un lado, el Salón de Otoño dedicó una gran exposición retrospectiva a Cézanne, que despertó el entusiasmo de pintores jóvenes fauvistas y otros que luego se incorporarían a la nómina de los cubistas. Por otro, el poeta Apollinaire presenta a Picasso y Braque, iniciándose así una amistad que fructificaría en el desarrollo del cubismo entre los dos. A este primer momento del cubismo se le denomina «cezaniano» por la influencia del viejo maestro en las obras producidas. Los géneros que predominaban fueron las figuras humanas y los paisajes. George Braque L'Estaque Paul Cezanne L'Estaque
- 13. Cubismo analítico o hermético (1909-1912) El cubismo analítico o cubismo hermético fue la etapa temprana del cubismo practicada tanto por Braque como por Picasso entre 1908 y 1911 aproximadamente, caracterizada por el análisis estructural de las formas. Las obras de Picasso y Braque en este periodo estuvieron marcadas por un estilo austero al que se subordinaba la realidad en favor de la unidad estructural del cuadro, cuyas pinturas eran casi todas monocromas y grises, enfocadas en el punto de vista y no en la cromaticidad. Este enfoque era tal, que en muchos casos las obras se volvían prácticamente abstractas, ya que los planos se hacían irreconocibles e independientes del volumen del objeto pintado. A partir del aspecto de las cosas, según se presenten desde distintos ángulos, se perfilaban los esquemas básicos del cuadro. Esto ocasionó que el nuevo estilo recibiera mucho rechazo de los sectores tradicionalistas de la pintura, al mismo tiempo que el entusiasmo de los artistas de vanguardia y de personalidades de la cultura como Guillaume Apollinaire y Gertrude Stein, quienes escribieron piezas críticas sobre la importancia del cubismo naciente.
- 14. Hacia 1911, sin embargo, el pintor madrileño Juan Gris empezó a interesarse por la luz, incorporándola a sus obras cubistas de manera naturalista. Pero al año siguiente se había sumado a la tendencia hacia el collage de Picasso y Braque, incorporando a sus cuadros materiales diversos como madera y tapicería. George Braque Pablo Ruiz Picasso
- 15. Cubismo sintético (1912-1914) El segundo período del cubismo nace a raíz de la tendencia de Braque a incorporar, a partir de 1912, números y palabras en sus cuadros, así como la utilización de maderas, papeles decolorados y otros materiales. Ese mismo año Picasso realiza su primer collage, y esta incorporación de otros elementos añade color a la tendencia cubista hasta entonces monocroma. Los cuadros cubistas se vuelven entonces más figurativos y por ende más sencillos de interpretar, más dóciles, y en ellos los objetos son reducidos a sus características elementales, en vez de a volúmenes y planos superpuestos. El cubismo sintético añade color a la tendencia cubista hasta entonces monocroma. George Braque Pablo Ruiz Picasso
- 16. Ésta es considerada la etapa más imaginativa del cubismo, especialmente en la obra de Juan Gris, quien se otorgó mayores cuotas de libertad y color. Sin embargo, la Primera Guerra Mundial puso fin al movimiento, ya que muchos pintores fueron llamados al frente, y en la posguerra solamente Juan Gris permaneció fiel al cubismo, aunque en un estilo mucho más simple y austero.
- 17. Cubismo Órfico En 1912, en una conferencia sobre la pintura moderna en el Salón de la Section d´Or, el escritor francés Apollinaire (uno de los referentes ideológicos del movimiento cubista, estando muy presente en el desarrollo de todas sus etapas) habló del término “orfismo” para definir a la nueva tendencia derivada del cubismo. El orfismo es una tendencia del cubismo que busca reflejar en sus obras, imágenes creadas por la mente del artista, sin que tengan que tener un referente en la realidad. Los grandes iconos del movimiento órfico, son los componentes del matrimonio Robert Delaunay y Sonia Terk, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Fernand Léger y Kupka. Sonia TerkRobert Delaunay Francis Picabia
- 18. Los Delaunay van a reinterpretar el cubismo, con elementos como la reintroducción del color en sus obras, con experimentaciones y preocupaciones que no estaban presentes en las obras de Braque y Picasso. La “credibilidad” de las imágenes la crea la ingeniosa imaginación del pintor, capaz de plasmar formas y dibujos no reales, con gran detalle. Así mismo, esta nueva tendencia pictórica proclama la supremacía del color y la luz, aspectos “olvidados” por el cubismo tradicional. Conceden gran importancia a las analogías entre la pura abstracción cromática y la musical, propugnando una abstracción cromática no figurativa en la que se prescinde de la identificación del espacio pictórico. František KupkaFernand LégerMarcel Duchamp Los grandes iconos del movimiento órfico, son los componentes del matrimonio Robert Delaunay y Sonia Terk. Francis Picabia, Marcel Duchamp, Fernand Léger y Kupka.
- 19. Características del cubismo Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo XX que irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un fuerte distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un precedente vital para el surgimiento de las vanguardias artísticas. Su estilo característico explora una nueva perspectiva geométrica de la realidad, mirando los objetos desde todos los puntos de vista posibles, lo cual fue una ruptura con modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento. Desplazar. Poner ojos en las piernas. Contradecir. Hacer un ojo de cara y otro de perfil. Siempre se hacen los dos ojos iguales. ¿Se ha fijado? La naturaleza hace muchas cosas como yo, ¡las oculta!". Pablo Picasso George Braque Pablo Ruiz Picasso Juan Gris
- 20. El término “cubismo” no obstante no fue propuesto por los propios pintores, sino por el crítico Louis Vauxcelles, el mismo que en su momento puso nombre al fauvismo, quien luego de acudir a una exposición de Georges Braque (francés, 1882-1963) afirmó que sus obras “reducían el paisaje y el cuerpo humano a insípidos cubos”, y procedió entonces a hablar del cubismo. Al respecto afirmaría luego el pintor español Pablo Picasso, considerado máximo exponente del movimiento, que “Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro”.
- 21. El cubismo había sentado las bases de la nueva concepción artística vigente durante buena parte del siglo XX, dejando atrás el impresionismo y sus tradicionales perspectivas, para mostrarle al espectador, todas las posibles vistas de un objeto de manera simultánea. Una vez superadas las primeras etapas del cubismo en las que los autores se ceñían fielmente a sus ideales, empezaron a “abrir” sus obras al público mayoritario, con la inclusión de algunas formas fácilmente identificables por el ojo humano. Así, entre cubos cuyas caras mostraban una perspectiva diferente, aparecían figuras “realistas”. De la misma forma, la casi monocromía de las primeras obras cubistas, dio paso a una gama de colores que, sin ser muy llamativa, sí lograba dar tonos distintos a las formas. Eso sí, en todo momento el color aparecía supeditado a lo verdaderamente importante, la representación de la realidad. Mujer con guitarra Picasso- Braque Hombre con guitarra Picasso- Braque
- 22. A pesar de lo que su nombre pueda sugerir, el cubismo no consiste en pintar a través de cubos. Por el contrario, las pinturas cubistas carecen de profundidad, ofrecen múltiples puntos de vista (en lugar de uno único), y suprimen la mayoría de los detalles de los objetos que representan, a menudo reduciéndolos a un mismo rasgo: los violines, por ejemplo, se reconocen únicamente por sus colas. El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos nacidos en el siglo XX, época en la que nacen las llamadas “Vanguardias Artísticas” o “ismos” que rompen con los lenguajes tradicionales del arte y la sociedad. Las pinturas cubistas suprimen la mayoría de los detalles de los objetos que representan. Juan Gris George BraquePablo Ruiz Picasso
- 23. Al mismo tiempo, el género de pinturas del cubismo no podría ser más convencional: bodegones, paisajes, retratos. Pintan con colores apagados: grises, verdes y marrones, sobre todo en su primera época. La dificultad que suponía interpretar ciertos cuadros cubistas, dada su ruptura con toda forma de naturalidad, ocasionó que fuera necesario acompañar la obra con un texto explicativo o de naturaleza crítica, gesto que luego se haría común en las obras de arte de las vanguardias. Juan Gris George BraquePablo Ruiz Picasso
- 24. El cubismo se desliga por completo de la interpretación o semejanza con la naturaleza y la obra de arte adquiere valor en sí misma como un medio de expresión de ideas. Esta desvinculación con la naturaleza se ve lograda a través de la descomposición de la figura en sus diferentes planos, donde cada uno de estos adquiere valor por separado y no la visión global de volumen. De este modo, un objeto puede ser visto desde sus diferentes puntos de vista simultáneamente en la misma obra, rompiendo con la perspectiva tradicional y la línea de contorno. La dificultad que suponía interpretar ciertos cuadros cubistas, dada su ruptura con toda forma de naturalidad, ocasionó que fuera necesario acompañar la obra con un collage (Papier collé). George Braque Frutero y vaso Georges Braque, inspirado en la técnica de collage de Pablo Picasso, fue su precursor y utilizándolo en su obra Frutero y vaso, en el que el vaso es un trozo de periódico cortado con la forma de un vaso. El cubismo adquiere una influencia colorista del arte fauvista. Pablo Picasso – “Cabeza de mujer”
- 25. Cubismo literario El cubismo literario es una adaptación fruto del ingenio del francés Guillaume Apollinaire (1880-1918), reconocido poeta y ensayista. En esta tendencia procuraba mezclar imágenes y conceptos de manera más o menos azarosa, incursionando así en los caligramas: poemas que formaban sobre la página una imagen determinada, debido a su distribución sobre el papel en blanco. Esta tendencia es llevada al máximo por Apollinaire en sus Caligramas. Poemas de paz y de la guerra (1918), en donde rompía la estructura sintáctica y lógica del poema, prefigurando lo que posteriormente harían los surrealistas.
- 26. Escultura Cubista Hablar de escultura cubista puede resultar una contradicción porque ¿qué es la escultura? Una representación artística en tres dimensiones. Y ¿qué es el cubismo? La representación de las tres dimensiones en una única dimensión: el plano. La escultura cubista plantea la construcción del espacio tridimensional por medio de planos. Se realizan, al igual que en la pintura, objetos planos que se ordenan en un espacio tridimensional que genera el volumen de la obra final. La escultura cubista se desarrolló en paralelo con la pintura cubista de 1909 y evolucionando hasta principios de la década de 1920. La presentación de fragmentos y facetas de objetos que podrían interpretarse visualmente de diferentes maneras tenía el efecto de “revelar la estructura” del objeto. La escultura cubista es esencialmente la representación dinámica de objetos tridimensionales en el lenguaje de la geometría mediante el cambio de puntos de vista de volumen o masa en términos de superficies esféricas, planas e hiperbólicas. Pablo Picasso Guitarra Jacques Lipchitz Marinero con guitarra Alexander Archipenko, Rey Salomón Raymond Duchamp- Villon, "El caballo mayor"
- 27. Raymond Duchamp-Villon Escultor francés, uno de los maestros del movimiento moderno de principios del siglo XX. En 1910 comenzó a desarrollar un estilo cada vez más geométrico y abstracto. Su primera exposición tuvo lugar en 1905 en el Salón de Otoño y la exposición a Legrip Galería en Rouen con su hermano Jacques. Dos años más tarde, se trasladaron a Puteaux en los suburbios de París, donde los tres hermanos Duchamp forman parte de las reuniones periódicas del grupo de artistas y críticos ya conocidos bajo el nombre de grupo de Puteaux. La reputación de Raymond es tal que fue nombrado para el jurado del Salón de Otoño de la sección de escultura de 1907. Se jugará un papel importante en la aparición del cubismo. Su famosa escultura Caballo 1914, medio animal y medio máquina, constituye una abstracción de gran osadía que ejerció gran influencia en escultores posteriores. Era hermano del artista Dadá Marcel Duchamp y del pintor Jacques Villon. Raymond Duchamp-Villon Mujer sentada 1914 El Cubismo, caracterizado por la reflexión profunda de los valores del plano y los volúmenes, da el salto hacia los objetos tridimensionales.
- 28. Chaim Jacob Lipchitz Entró a formar parte del grupo de artistas cubistas en 1911. En esta primera etapa sus composiciones estaban reducidas a los elementos estructurales. Hacia 1925 fueron más dinámicas, experimentando con el arabesco y las transparencias. Llamaba esculturas transparentes a experimentos con formas abstractas. Más tarde desarrolló un estilo más dinámico, que aplicó con elocuente efecto a composiciones animales y figuras de bronce. También recibió el influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas. Sus últimas obras se alejan del cubismo, buscando volúmenes más sólidos y texturas más sensuales. Desde 1930 eligió para sus esculturas temas relacionados con la existencia humana. Uno de sus temas recurrentes fue el triunfo de la luz sobre la oscuridad. Chaim Jacob Lipchitz
- 29. Oleksandr Porfírovich Arjípenko Archipenko fue un escultor al que le gustaba experimentar e innovar. Redujo la figura humana a formas abstractas y creó obras que se cuentan entre las primeras esculturas cubistas, como Medrano (1914, Museo Guggenheim, Nueva York). Desarrolló un estilo que subraya la importancia de las formas cóncavas como límites exteriores de la escultura (el anti volumen) y los espacios vacíos. Utilizó nuevos materiales, como el vidrio o el hierro, que le permitieron conseguir nuevos efectos, y revivió la utilización del color en la escultura.