Historia perspectiva
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El documento resume la historia del desarrollo de la perspectiva en el arte, desde la antigüedad hasta la actualidad. Explica que los artistas griegos y romanos ya conocían conceptos básicos de perspectiva, pero que no fue hasta el Renacimiento cuando se desarrolló como una ciencia matemática, gracias a figuras como Brunelleschi. Más tarde, artistas como Da Vinci y Durero aplicaron con precisión las reglas de la perspectiva, mientras que Escher revolucionó la percepción del espacio con obras que juegan con la perspect
Historia perspectiva
- 2. PERSPECTIVA Desarrollo Histórico. La necesidad de representar el espacio en toda su profundidad ha sido tema de investigación por parte de los artistas en la antigüedad . En la época clásica griega artistas y arquitectos, conocían la perspectiva, sabían que los objetos distantes hay que dibujarlos más pequeños que los que están más cerca, VITRUVIOS lo confirma en el único tratado latino sobre arquitectura que existe (Año 46 A. C. ) al mencionar que la perspectiva se conocía bien desde tiempos antiguos . Antecedentes
- 3. En Egipto el dibujo ayudó a los artesanos a definir las relaciones entre las distintas partes del cuerpo humano, de un modo que se considera característico del arte Egipcio, se toman las partes del cuerpo desde distintos puntos de vista y después montar las de modo que resalte al máximo el aspecto más reconocido de cada parte. Así la cabeza aparece de perfil, mientras que el torso aparece de frente. En el perfil de la cabeza se ve, sin embargo, un ojo de frente. En varias culturas orientales, el dibujo era el primer paso para luego elaborar la pintura . Antecedentes
- 4. En el arte Islámico nunca se utilizó la perspectiva utilizada en el Renacimiento y las relaciones espaciales se indicaban por otros medios. Las formas más próximas se colocaban en la parte inferior. La más alejadas se dibujaban, arriba. Este sistema se suele complicar, además, por el hecho de que las figuras especialmente importante: Dioses, santos, héroes, reyes o reinas, se dibujaban más grandes que las demás, es decir se aplicaba la perspectiva Jerárquica. Antecedentes
- 5. Antecedentes En la antigüedad y durante la Edad Media no se sabía representar la distancia ni la profundidad. Todo aparece en el mismo plano, los colores no están gradados, los contornos son claros y marcados y no hay fondo, los fondos de las pinturas eran planos y, muchas veces, dorados. Las figuras se colocaban unas al lado de las otras. Solo existía el largo y el ancho de la superficie que se pintaba, por lo que la perspectiva no se usaba, seguramente porque los pintores no se interesaban por ella. Durante el gótico se elabora una jerarquización perspectiva teológica, los personajes son más grandes cuanta mayor significación poseen, caso de Jesucristo, la Virgen o algún santo.
- 6. Antecedentes La pintura y la escultura medievales servían para enseñar a los fieles las historias bíblicas y las vidas de los santos cristianos. Por eso, a los artistas no les interesaban los fondos, y solo se preocupaban de las figuras. Es en el Renacimiento cuando los pintores florentinos comienzan a investigar en serio la perspectiva como una ciencia, con sus leyes y sus principios matemáticos. Genios como Mantegna, Ghiberti, Massaccio y otros establecieron ciertos principios necesariamente observables para reproducir la distancia.
- 7. Fue FILIPPO BRUNELLESCHI (1377- 1446),uno de los grandes arquitectos florentinos del Renacimiento quien descubrió el sistema matemático de calcular la proporción en la que los objetos disminuyen de tamaño al alejarse.
- 8. Las teorías de Brunelleshi influyeron en Paolo Uccelo (1397-1476). En su famosa escena de la Batalla de San Romano, pintada hacia 1450 Ucello aplicó la geometría en su composición. En el primer plano pintó un soldado muerto, el primer cuerpo en escorzo que apareció en un cuadro. Sin embargo la obra de Ucello tiene algo de rígida; no dominaba el empleo de luces y sombras; tan importantes para enfatizar las profundidad y el espacio.
- 9. La característica principal del Renacimiento fue la de haberse apartado del Concepto medieval de Dios (y la iglesia) como centro omnipotente de la vida, adquiriendo más interés el estudio del hombre y el mundo natural. LEONARDO DA VINCI (1452-1519) estudioso de la Botánica de la Anatomía la Ingeniería y la Pintura, representa el espíritu investigador del Renacimiento.
- 10. Los artistas renacentistas se interesaron rápidamente en alcanzar las leyes y principios de la perspectiva con el fin de añadir esa actitud a sus obras.
- 11. ALBERTO DURERO (1471-1528) Empleó meticulosamente la nueva técnica de la perspectiva para añadir detalle y precisión de a sus obras. Su famosa LIEBRE pintada en 1502 es toda una lección de dibujo ilustrativo.
- 12. El Renacimiento que se extendió en Europa durante el Siglo XV desplazó el foco de atención hacia el hombre y apoyado por los adelantos de la filosofía y la ciencia, aportó una nueva disciplina analítica y perspectiva para representar la forma y el espacio, las figuras adquieren mayor volumen y flexibilidad cuyos escenarios mostraban con mayor claridad el espacio tridimensional. Trabajando con modelos humanos y copiando el ambiente en el que vivían , los artistas comenzaron a dibujar lo que veían en lugar de basarse en convencionalismos adquiridos el estudio de la Anatomía y la perspectiva paso a formar parte del trabajo del artista, permitiéndose representar adecuadamente lo que veían.
- 13. El uso del dibujo como medio de investigar la naturaleza, la experimentación con la geometría, la perspectiva, la proporción, la composición y la libre expresión producto del Renacimiento dominó el arte y la formación artística en occidente, hasta la irrupción del Modernismo a finales del siglo XIX, relacionado especialmente con los Impresionistas y Postimpresionistas .
- 14. Los impresionistas, aunque seguían representando el mundo real, aceptaron la cualidad bidimensional del plano, el arte ya no era solamente figurativo sino también abstracto. Con estas nuevas actitudes, los artistas se animaron a estudiar otras tradiciones artísticas no occidentales, cada vez adquieren mayor importancia para los estudiosos del dibujo ya que muchas de estas tradiciones se han incorporado en la obra de muchos artistas de los siglos XIX y XX.
- 15. El término ARTE MODERNO, se aplica a cualquier tipo de arte no tradicional practicado a partir del siglo XIX. Los artistas se dieron cuenta que los convencionalismos europeos no eran sino una pequeñísima parte de lo que podía expresar el artista. Comenzaron entonces a explorar nuevos medios de expresión y desarrollaron nuevas filosofías. Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX el plano pictórico se consideraba como una ventana, a través de la cual se veía el mundo.
- 16. El holandés Maurits Cornelis Escher (1898-1972) fue un dibujante y grabador que revolucionó la perspectiva del plano y es considerado el intérprete de los conceptos matemáticos, por definición abstractos, que dan sustento a la relatividad del espacio-tiempo planteada por Einstein en 1905 y 1915, idea continuada por sus seguidores, ampliándola, profundizándola e incluso modificándola. Se dice que las coincidencias no existen y mucho menos en los ámbitos de la ciencia y el arte que, salvo excepciones, van de la mano. Escher, al igual que Leonardo da Vinci en su época, lograron captar el momento crucial de la civilización en la que se desarrollaron.
- 17. Escher en un periodo que se conoce como “periodo italiano” (1922-1935) experimenta con la perspectiva en paisajes, dibujos de ciudades y edificios. El periodo italiano es principalmente relevante en Escher por su fecundidad, el desarrollo de la perspectiva y los trazos continuados, profundamente motivado por el estudio de la división del plano a partir del arte morisco en los mosaicos de la Alhambra, que lo dejó vivamente impresionado durante su visita a Granada, en 1922.
- 18. Arriba y Abajo (litografía, 1947). En esta obra Escher utiliza haces de líneas curvas para demostrar la relatividad de los puntos de fuga de la perspectiva, otro de sus clásicos. Si se divide la imagen en dos, horizontalmente, se descubre al cabo de un rato que se trata de la misma escena dibujada desde dos puntos de vista, perfectamente normales. Pero al hacer que el suelo de la primera escena sea a la vez el techo de la segunda, la contradicción visual surge como de la nada. El dibujo está tan bien realizado que puede dejar al espectador absorto durante un buen rato buscando dónde está el «error», o preguntándose qué sucedería si alguien más se asomara por alguna de las ventanas… ¿estaría arriba o abajo? Como en tantas otras de sus obras, las transformaciones son tan sutiles y están matemáticamente tan bien realizadas que el cerebro finalmente aceptar la escena simplemente como lo que se ve.