Expresion esculturica

Escultura Prehistórica y de Egipto
La Venus de Willendorf, fechada hacia el 30.000-25.000
a.C., constituye uno de los primeros ejemplos
escultóricos del mundo. Esculpida en piedra caliza, con
una altura de 11,5 cm, está considerada como un
símbolo de la fertilidad por sus exageradas formas
anatómicas femeninas.
La estatua en piedra caliza policromada de Ajnatón, soberano de
Egipto durante el periodo Amarna (c. 1350-1334 a.C.), y su esposa
Nefertiti, muestra el interés del arte egipcio de este momento por el
presente, más que por la otra vida o el más allá, creando un estilo
escultórico más naturalista, que aunque mantiene la posición
frontal no idealiza sus representaciones.

Escultura Griega
El Apolo Strangford, estatua de mármol de Limnos, Grecia,
fechado hacia el 500 a.C., representa uno de los modelos de
estatua masculina de pie desnuda o kouros, que se pueden
encontrar en la escultura del periodo arcaico. Apolo, dios de
la luz, de la pureza y del Sol fue muy representado en el arte
antiguo griego.
La Victoria de Samotracia (Museo del Louvre, París), conocida
también como la Victoria alada, fue realizada en mármol hacia
el 190 a.C., y es una de las esculturas griegas más famosas del
periodo helenístico. Mide 2,4 m, y se creó originariamente como
parte integrante de un conjunto escultórico que representaba a la
diosa de la victoria sobre la proa de un barco de guerra.

Escultura Románica
El pórtico de la Gloria, obra maestra de la escultura
románica, es el nombre de una de las puertas de la catedral
de Santiago de Compostela (España). Fue realizado en
mármol y granito por el maestro Mateo entre 1168 y 1188.
Los santos del transepto norte de la catedral de Chartres (1132-
1240) son estatuas-columnas que, aunque están todavía realizadas
bajo la influencia del estilo románico, muestran un carácter
tridimensional, mayor que las esculturas de dicho periodo
escultórico

Escultura del Renacimiento
La Pietà de Miguel Ángel (1498-1500), muestra en su
mármol un efecto dinámico de formas fluidas. La
representación realista de músculos, miembros
anatómicos y tejidos, provoca en el público una intensa
reacción emocional.
El David (1501-1504), una de las obras más conocidas de Miguel
Ángel, es una escultura en mármol de 4,34 m de altura. Aunque fue
creada originariamente para la plaza de la Señoría de Florencia,
actualmente se encuentra en la Academia de Bellas Artes de esa
ciudad.

Escultura Precolombina
Las grandes esculturas simbólicas encontradas
entre los restos de la ciudad olmeca de La Venta
fueron labradas en piedra basáltica y acarreadas
desde las lejanas canteras de procedencia
mediante cuerdas, palancas y rodillos de
madera.
Las cabezas colosales, como la que muestra la
fotografía, son características del arte de los olmecas,
que vivieron en México entre los años 1500 y 300 a.C.
Estas esculturas megalíticas están labradas en piedra
basáltica y su altura oscila entre 2,4 y 3,6 metros.

Tula fue la principal ciudad del pueblo tolteca, y sus
restos están situados en lo que en la actualidad es el
estado mexicano de Hidalgo. El mayor de sus templos,
conocido como de la Estrella Matutina, poseía una
estructura piramidal coronada por estos impresionantes
guerreros toltecas (cuyas figuras han sido denominadas
atlantes), que sostenían su techumbre.
Yacimiento arqueológico de Tierradentro
Situado en el departamento de Cauca, se le dió el nombre de
Tierradentro en el siglo XVI, al encontrar serios obstáculos en
su penetración conquistadora por parte de los indígenas
paeces. Lo más destacado de las creencias religiosas de
éstos es el culto a la muerte y su preocupación por el más
allá. De ahí que en sus construcciones y decoraciones se
destaquen los grandes recintos funerarios policromados.
Escultura Precolombina

Escultura Barroca
El Éxtasis de santa Teresa, obra realizada en el siglo XVII
por el escultor italiano Gian Lorenzo Bernini, constituye
uno de los ejemplos más dramáticos de la escultura
barroca.
Estatua ecuestre en bronce de Étienne-Maurice Falconet que
representa al zar de Rusia Pedro I el Grande (1778, San
Petersburgo).

Escultura Neoclásica
El estilo neoclásico, basado en el arte antiguo de Grecia y Roma, alcanzó su apogeo máximo a finales del siglo XVIII. Antonio Canova,
autor de esta Venus, está considerado como el mejor escultor de este estilo artístico.

Escultura Impresionista
El pensador, del escultor francés Auguste Rodin, debía
constituir en un principio el elemento central del dintel de Las
puertas del infierno para el Museo de Artes Decorativas de
París. Las puertas del infierno no se completaron nunca y las
piezas que se crearon para este proyecto, como El pensador y
El beso, se exhiben actualmente como obras independientes.

La mayor parte de las esculturas
realizadas en el siglo XX difieren
radicalmente en forma y contenido de
las de épocas anteriores. En algunos
casos son producto de investigaciones
en la misma dirección que las de la
pintura y comparten la misma
denominación, como en el caso del
cubismo, el futurismo, el
constructivismo, el dadaísmo y el
surrealismo, por mencionar sólo
algunas. Entre las influencias
dominantes que recibieron los escultores
europeos de comienzos del siglo XX
pueden citarse la del arte primitivo y la
escultura de África y Oceanía, pues
muchas de dichas obras se exponían en
los museos de Ciencias Naturales de
Francia y Alemania.
ESCULTURA MODERNA Y DEL SIGLO XX

Escultura biomórfica - Brancusi
El escultor Constantin Brancusi simplificó
sus temas escultóricos, reduciéndolos a su
forma más pura y básica. Está considerado
como un precursor de la escultura abstracta
moderna debido a que estuvo más
interesado en la forma interior de su obra
que en su apariencia exterior.
Sus obras evidencian su admiración por el
arte antiguo y primitivo. La reducción de las
formas a lo esencial y su habilidad para
extraer la belleza intrínseca de los
materiales ya fuera madera, piedra o metal
que logró Brancusi ejerció una profunda
influencia en los escultores del siglo XX.

El escultor Constantin Brancusi está considerado como un
precursor de la escultura abstracta moderna debido a que estuvo
más interesado en la forma interior de su obra que en su
apariencia exterior.

Escultura Constructivista
El constructivismo, que da prioridad a la
dinámica del espacio escultórico sobre lo
estático de la masa, fue una tendencia nueva
que se desarrolló sobre todo en Rusia. Su
fundador, inspirado en sus comienzos por la
obra de Picasso, fue Vladímir Tatlin; alcanzó
gran renombre con la maqueta en espiral de
madera, hierro y vidrio para su Monumento a la
III Internacional (1919-1920, Museos Estatales
Rusos, San Petersburgo). Hacia esa misma
época los hermanos Naum Gabo y Antoine
Pevsner también se dedicaban a la escultura
constructivista en Rusia, pero el vanguardismo
de su obra no gustaba al régimen comunista y
por ello emigraron y extendieron sus ideas por
la Europa occidental y Estados Unidos.
Naum Gabo creó con métodos de diseño industrial una
abstracta y geométrica Columna (Tate Gallery,
Londres) de cristal, plástico y metal, como obra
representativa de la escultura constructivista. Sirvió de
modelo para una obra mayor que Gabo realizó en
1923.

Escultura Dadá
Durante los años de la I Guerra Mundial el
artista Dadá Marcel Duchamp expresaba su
estilo estético seleccionando objetos
industriales, que luego utilizaba como
esculturas y a los que denominaba ready-
mades. Duchamp consideraba temas
artísticos objetos como secadores de
botellas, palas para quitar la nieve y
urinarios. El hincapié que hacían los
dadaístas en el papel de la casualidad, la
suerte y el inconsciente en la creación del
arte, como en la obra de Duchamp, influyó
en el movimiento surrealista que se
desarrolló con posterioridad.

Ésta es una copia de la célebre Rueda de
bicicleta de Marcel Duchamp. El
original, actualmente desaparecido, fue
realizado en 1913.
En el campo de la escultura fue pionero en dos de las
principales innovaciones del siglo XX: el arte cinético y el
arte ready-made. Este último consistía simplemente en la
combinación o disposición arbitraria de objetos de uso
cotidiano, tales como un urinario o un porta botellas, que
podían convertirse en arte por deseo del artista.

Escultura Figurativa.
A pesar de las tendencias de los nuevos
estilos, numerosos escultores europeos
continuaron trabajando dentro del estilo
figurativo a principios del siglo XX, cada uno
con distintas formas características, aunque
la mayor parte giraba en torno a la figura
humana. Pero el más importante de los
artistas ingleses modernos fue Henry Moore.
En sus inicios su obra estaba influida por la
escultura precolombina. Durante toda su
vida Moore trabajó el tema de la figura
femenina yacente, que siempre representó
con gran frescura y originalidad. Muchas de
sus elegantes obras monumentales están
concebidas para colocarse al aire libre.

Henry Moore realizó en bronce (1963) esta
gran escultura Figura reclinada, nº 2. Se
inspiró en una fotografía de una escultura
precolombina. Las formas de mujer reclinada
constituye uno de sus temas escultóricos más
recurrentes.

Escultura estadounidense de la
primera mitad del siglo XX
La escultura estadounidense de la
primera mitad del siglo XX no puede
clasificarse, como la europea, por
movimientos artísticos; sin embargo,
durante la segunda mitad del siglo si
surgieron muchos movimientos nuevos
relacionados con diferentes medios de
expresión modernos.

Escultura estadounidense de la
primera mitad del siglo XX
La escultura estadounidense empezó
a desarrollar líneas más abstractas de
expresión durante la década de 1930,
cuando los artistas entraron en
contacto con obras europeas
contemporáneas, bien de forma
directa o a través de fotografías.
Alexander Calder, por ejemplo, recibió
una gran influencia del pintor holandés
Piet Mondrian que se reflejaría luego
en sus esculturas y pinturas
Calder alcanzó fama internacional con
su escultura móvil, y sus stábiles o
esculturas inmóviles. Inspirado en las
esculturas hechas con piezas
soldadas de Picasso y Julio González.

Estas son de las muchas esculturas abstractas móviles que Alexander Calder construyó con metal,
varillas metálicas y alambre. Calder describió su obra como "dibujos de cuatro dimensiones", reflejando
de esta manera su interés por las formas cinéticas.

Escultura estadounidense del siglo
XX
La escultura Pop
La chatarra, utilizada por primera vez
por los dadaístas a principios del siglo
XX, se convirtió en la base de las
expresivas esculturas que Richard
Stankiewicz hizo durante la década de
1960. Durante dicha década surgió el
Pop Art en Estados Unidos, impulsado
por artistas como Robert
Rauschenberg, Jasper Johns, George
Segal, Marisol Escobar, Red Grooms,
Claes Oldenburg, Edward Kienholz y
Lucas Samaras.

George Segal escultor estadounidense, famoso por sus obras figurativas, realizadas a tamaño natural en
yeso blanco. Sus moldes en yeso, creados directamente a partir de vaciados de personas, están instalados
en entornos cotidianos, como ascensores, oficinas de venta de billetes, cafés o autobuses, cubiertos con
objetos y accesorios que proceden de depósitos de chatarra.

Escultura estadounidense del siglo XX
La escultura Minimalista
Entre los escultores estadounidenses que
trabajan con luz artificial se cuentan Chryssa,
que utiliza tubos de neón, y Dan Flavin, que
define los huecos espaciales usando tubos
fluorescentes. Otros artistas estadounidenses,
como Donald Judd y Sol LeWitt, basan sus
obras en la repetición de unidades idénticas,
formas simples y precisas, con una absoluta
simetría.
Judd, artista minimalista, trabaja con formas
sólidas, LeWitt, pionero del arte conceptual,
crea espacios huecos cuadrados definidos por
delgados contornos realizados en aluminio.

La definición de escultura se ha extendido hasta incluir un amplio espectro de manifestaciones
creativas, materiales y técnicas. Los minimalistas Robert Morris, Sol LeWitt, Donald Judd y Dan
Flavin destacan por la sencillez geométrica y la repetición modular a gran escala, y Richard Serra por
sus enormes instalaciones con planchas de metal.

Escultura de final del siglo XX
La escultura Conceptual.
Los avances más interesantes en el campo de la
escultura a finales del siglo XX proceden del uso
de nuevo medios. Los artistas conceptuales y
minimalistas incorporaron materiales industriales
a sus obras y el Land Art amplió aún más sus
horizontes. Las obras del artista estadounidense
de origen búlgaro Christo alteran el paisaje y
cambian nuestra percepción del entorno al
envolver edificios, árboles y otros objetos de
grandes dimensiones. En 1995 recubrió el
Reichstag de Berlín con 100.000 m2 de tela
plateada. Este tipo de intervenciones, como las
de Robert Smithson, aunque son perecederas
suelen estar acompañadas de abundante
documentación gráfica (fotografías, dibujos) y
maquetas.

Christo es famoso por sus esculturas a gran escala, como las instalaciones de sombrillas azules que levantó en
1991 en espacios abiertos de Japón y California (EEUU). Su obra abarca grandes espacios, que obligan al
espectador a contemplar paisajes que conoce de una manera nueva.

Eduardo Ramírez Villamizar
Eduardo Ramírez Villamizar , escultor y
pintor colombiano, considerado como el
iniciador del arte abstracto en Colombia.
Su purismo escultórico le ha situado en la
vanguardia artística latinoamericana.
En torno a 1950 empezó a trabajar con
formas geométricas, cada vez con mayor
abstracción, y a partir de 1960 inició un
purismo que caracterizará su obra
escultórica. Su estilo se caracteriza por los
planos duros, los colores fuertes y el
relieve monocromático, muy en la línea
del arte concreto europeo.
ESCULTURA COLOMBIANA DEL SIGLO XX

Durante la década de 1970, transformó el arte precolombino en
obras geométricas propias del arte abstracto y minimalista. En 1974
volvió a Colombia y desde entonces sigue construyendo esculturas
abstractas que exploran las formas geométricas de la naturaleza y la
arquitectura precolombina

Edgar Negret
Edgar Negret, escultor colombiano, cuya obra busca
reflejar el mundo contemporáneo de la invención
científica en la estética de la máquina y la geometría
abstracta.
En Nueva York estudió en el Sculpture Center,
donde aprendió nuevas técnicas como el
ensamblaje de metales. En esos años realizó una
escultura de tipo figurativo, que más tarde abandonó
tras investigar las posibilidades expresivas de los
volúmenes de inspiración organicista. Ruedas,
tuercas, tornillos o láminas curvadas se conjugan en
suave armonía de formas y colores entre los que
dominan el rojo, azul y negro; tubos y láminas
metálicas afianzan el geometrismo de su obra. De
esta etapa son las series Cliff Dwellings y Aparatos
mágicos.

Edgar Negret
Desde 1963 de nuevo se volvió a interesar
por los procedimientos manuales del
proceso escultórico e, influido por la flora
tropical, realizó esculturas exuberantes
donde introduce láminas de aluminio
onduladas. Algunas obras de esta época
son Navegantes, Acoplamientos y
Metamorfosis.
Su personalidad se renueva en el juego de
figuras geométricas, combinando en los
últimos años el rojo de los metales con un
tono amarillo.

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