Arte Barroco
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El documento resume las principales características del arte barroco en arquitectura, escultura y pintura en diferentes países de Europa. En arquitectura destaca el uso de cúpulas, columnas salomónicas y fachadas cóncavas que buscan crear dinamismo. En Italia sobresalen Bernini, Borromini y Cortona. En Francia predomina la arquitectura palaciega de Mansart. En España hay influencia herreriana y de los Churriguera. En escultura prima lo ascético y lo emocional. Bernini es el
![arquitectura mantiene una evolución serena desde los planteamientos de la
contrarreforma. En el resto del siglo la exhuberancia se desborda y las formas se
desarticulan. Ya en el XVIII hay un contraste entre unas formas puristas
vitrubianas y otras que atienden al decorativista estilo Rococó.
Bernini (1598-1680). El más grande artista del Barroco italiano. Fue un artista
polifacético que cultivó todas las artes [John Evelyn en 1644 dejará escrito en su
diario: “Bernini ofreció una ópera pública en la que diseñó la escenografía,
esculpió las estatuas, inventó las máquinas, compuso la música, escribió el
libreto y construyó el teatro.”]. Trabajó toda su vida en Roma para las mejores
familias cardenalicias, sobre todo los Borghese. Luis XIV lo invitó a Francia,
regresando pronto a causa de su fracaso en París. Su arquitectura resulta más
clasicista que la de Borromini. Sus decoraciones se basan en la acumulación de
columnas.
- Columnata de la Plaza de San Pedro. Desde la fachada hace salir dos filas de
columnas dobles que se cierran hasta tocar con la elipse que forma la
plaza. Tiene una forma teatral y se le da el sentido de ser los brazos de la
Iglesia, que como madre acoge a sus hijos. Crea un espacio ilusorio al
empujar la fachada hacia el fondo, agrandando las distancias.
- Baldaquino de San Pedro. La basílica se había proyectado en planta central
y al alargar Maderno uno de sus brazos quedó en cruz latina. Para
centrar la atención en el sepulcro del Apóstol, Urbano VIII le encarga a
Bernini un gran Baldaquino en mármol verde y con decoración de
bronce dorado. Cuatro columnas salomónicas de gran altura coronadas
por un chapitel con cúpula sinuosa y abierta y cuatro ángeles en las
esquinas. Sirve de enmarque para la Cátedra de San Pedro,
representación simbólica del Vicariato de Cristo. El movimiento que
alcanza en esta obra no continuará en las siguientes.
Borromini (1599-1667). Es el más claro exponente del lenguaje barroco,
superando a todos en creatividad decorativa. Dispone las plantas más
inverosímiles. Sus portadas son sinuosas y busca constantemente crear efectos
de dinamismo.
- Sant´Ivo alla Sapienza. La fachada solo describe una curva cóncava pero la
planta la elabora superponiendo dos triángulos equiláteros y
disponiendo seis círculos en triángulo. Rompe la racionalidad clásica. Al
exterior desarrolla en espiral el trasdós de la cúpula. Toda la iglesia es
una sucesión de curvas, y contracurvas en planta y alzado.
- San Carlos de las Cuatro Fuentes. El problema que se plantea es el solar,
muy angosto. Achaflana la esquina y alabea la pared para llamar la
atención de los transeúntes. Portada con línea sinuosa.
Otros arquitectos italianos barrocos destacables son Pietro de Cortona y](https://image.slidesharecdn.com/barroco-130307073624-phpapp01/85/Arte-Barroco-7-320.jpg)
Arte Barroco
- 1. ARTE BARROCO INTRODUCCIÓN Expansión y cronología Roma, Monarquía Hispánica, Francia, Holanda, Alemania La Iglesia y el Estado Contrarreforma - Concilio de Trento - Compañía de Jesús Institución monárquica y el lujo - Suntuosidad barroca ARQUITECTURA Características - Soportes - Cúpulas - Fachadas - Planta - Decoración - Propaganda - Urbanismo Italia Características Bernini - Columnata de la Plaza de San Pedro. - Baldaquino de San Pedro. Borromini - Sant´Ivo alla Sapienza. - San Carlos de las Cuatro Fuentes. - Santa Inés. Pietro de Cortona Guarino Guarini. - Cúpula de la iglesia de San Lorenzo Francia
- 2. Características Louis Hardouin Mansart - Palacio de Versalles. - Iglesia de los Inválidos España Características Gómez de Mora - Plaza Mayor de Madrid Familia Churrigera Pedro Rivera - Hospicio de Madrid Casas y Novoa - Fachada del Obradoiro ESCULTURA Características Italia Bernini. - David. - Extasis de Santa Teresa. - Plutón y Perséfone. - Apolo y Dafne. - Tumbas papales (Urbano VIII y Alejandro VII) Francia Características Puget, Girardon y Coysevox. España Características Escuela castellana - Gregorio Fernández Escuela andaluza - Martínez Montañés - Alonso Cano Escuela murciana
- 3. - Francisco Salzillo PINTURA Características Italia Características Caravaggio - Cena de Emaús - Vocación de San Mateo - La conversión de San Pablo. Carracci - Domine, Quo Vadis?. - Villa Farnesio. Guido Reni Venecia: Canaletto y Tiepolo Francia Poussin Claudio de Lorena. Rigaud Flandes español Características Rubens - Susana y los viejos - Las Tres Gracias - Retrato ecuestre del duque de Lerma Van Dyck - Retrato de Carlos I de Inglaterra - Autorretrato con Sir Endimion Porter Holanda Características Frans Hals - Banquete de los oficiales de San Jorge - Regentes del asilo de Santa Isabel de Haarlem. Rembrandt
- 4. - La mujer sorprendida en adulterio - Lección de anatomía del Dr. Tulp - Ronda nocturna. Vermeer - El pintor en su taller - Vista de Delft. España Valencia: - Francisco Ribalta - José Ribera Sevilla - Zurbarán - Alonso Cano - Murillo - Valdés Leal Madrid: - Velázquez - Carreño de Miranda - Claudio Coello BIBLIOGRAFÍA Webs
- 5. INTRODUCCIÓN Expansión y cronología Después del Sacco de Roma (1527) y las querellas de los protestantes, la capital del papado consigue recuperar su protagonismo artístico después del Concilio de Trento. Hay un impulso, que tiene a Roma como centro, la Contrarreforma como objetivo y a los jesuitas como sus principales ejecutores, que busca profundizar en el misticismo religioso católico a través del arte. Este es un Barroco exuberante en relación con el poder del Papa, extendiéndose por toda Italia. Aunque Roma es la primera capital del Barroco, y a lo largo del siglo XVII los artistas continúan acudiendo a Italia para su formación, surgen en Europa otros centros de primera fila. La Monarquía Hispánica será otro punto importante, tanto en sus territorios hispánicos como en los italianos, flamencos y americanos. Configura un barroco con un fuerte carácter contrarreformista, con marcados contrastes regionales y varios centros de difusión (Madrid, Sevilla, Valencia). Francia va a optar por una codificación artística a través de la Academia, con una influencia constante de la monarquía y muy apegada al clasicismo. Holanda cuenta con numerosos pintores de gran valía, destacando en las obras de género y retratos. Alemania tiene un Barroco exuberante y colorista. El Barroco expresa el estado de la sociedad de su tiempo. Es un arte ostentoso, derivado del gran poder de las monarquías y la Iglesia triunfante. La alegría de vivir como algo sano y virtuoso y el afán de sorprender. Hay una especial incidencia en los aspectos teatrales y en buscar que el espectador sea componente activo de la obra. La Iglesia y el Estado La crisis religiosa del XVI da lugar a la reforma y la Contrarreforma, que renuevan la vida cristiana y la espiritualidad. En clara contraposición frente a los reformistas, son proclamados el culto de la Eucaristía, la intercesión de los santos y la obligación de venerar sus imágenes, ocupando un lugar excepcional la Virgen. El Concilio de Trento reanimó el arte religioso manteniendo algunas lecciones formales del arte renacentista. La liturgia tendrá un estilo triunfal que representa una nueva forma de expresar la oración. La Compañía de Jesús será la valedora intelectual de la Contrarreforma. Sus templos se construyen de tal forma que la doctrina puede llegar con claridad a todos los fieles. Las iglesias jesuíticas serán muy variadas.
- 6. La organización de la vida girará en torno al año litúrgico. En zonas rurales el carácter endeble de la técnica deja a los hombres desguarnecidos ante las calamidades naturales. Por esto se recurrirá a la intercesión de las fuerzas espirituales: las enseñanzas de la Iglesia y, en ocasiones, la hechicería. La multiplicación de imágenes conseguirá encauzar esa devoción que de otra manera hubiera acabado en la magia. Los modelos españoles se difunden por toda Europa. La institución monárquica y el lujo del que se rodean los príncipes por prestigio va a favorecer la suntuosidad barroca. Entre las grandes monarquías (España, Francia, Inglaterra) se pretende reafirmar el poder acentuando el brillo del escenario donde se ejerce. Para Bossuet el rey representa la autoridad divina y es digno de homenajes que no se rinden a otros hombres. La aristocracia y burguesía serán también la clientela de los artistas. La burguesía buscará adoptar hábitos de la nobleza. ARQUITECTURA Los edificios no quieren aparentar ser estables, sino que se muestran en continuo movimiento. Los soportes son cariátides, atlantes, columnas de orden gigante o salomónicas. El orden gigante sustituye la superposición de órdenes clásicos, la columna salomónica simboliza el movimiento y es totalmente anticlásica. Abundan las cúpulas de grandes dimensiones, que en el interior se decoran con pinturas al fresco. Las fachadas inicialmente siguen el esquema clásico: se acentúa el cuerpo central, rematado por un frontón, potenciando el eje vertical-ascensional por encima del horizontal. Después serán cóncavas desvinculadas del interior. La planta de los templos va a ser muy variada, dominando las formas elípticas y circulares. La decoración es exuberante y vegetal. Il Gesú de Vignola es el prototipo de iglesia jesuítica. Planta basilical, con capillas laterales y el transepto que no se marca al exterior. Cabecera en ábside. Se pretende que todos los fieles se integren en la liturgia y dirigir la atención del espectador a lo realmente importante. Predomina el sentido de propaganda. Hay una gran preocupación por el urbanismo. Las fachadas de los edificios se desvinculan del interior y se hacen según el urbanismo. Las grandes plazas están integradas por edificios que tienen todos la misma fachada, aunque sean construcciones ajenas unas a las otras. Los gobiernos municipales dictan normas sobre urbanismo y cubren los grandes espacios vacíos urbanos con estatuas y fuentes. Italia La arquitectura italiana se caracteriza por el empleo de la columna, tanto para decorar fachadas como para conseguir efectos de perspectiva. Hasta 1630 la
- 7. arquitectura mantiene una evolución serena desde los planteamientos de la contrarreforma. En el resto del siglo la exhuberancia se desborda y las formas se desarticulan. Ya en el XVIII hay un contraste entre unas formas puristas vitrubianas y otras que atienden al decorativista estilo Rococó. Bernini (1598-1680). El más grande artista del Barroco italiano. Fue un artista polifacético que cultivó todas las artes [John Evelyn en 1644 dejará escrito en su diario: “Bernini ofreció una ópera pública en la que diseñó la escenografía, esculpió las estatuas, inventó las máquinas, compuso la música, escribió el libreto y construyó el teatro.”]. Trabajó toda su vida en Roma para las mejores familias cardenalicias, sobre todo los Borghese. Luis XIV lo invitó a Francia, regresando pronto a causa de su fracaso en París. Su arquitectura resulta más clasicista que la de Borromini. Sus decoraciones se basan en la acumulación de columnas. - Columnata de la Plaza de San Pedro. Desde la fachada hace salir dos filas de columnas dobles que se cierran hasta tocar con la elipse que forma la plaza. Tiene una forma teatral y se le da el sentido de ser los brazos de la Iglesia, que como madre acoge a sus hijos. Crea un espacio ilusorio al empujar la fachada hacia el fondo, agrandando las distancias. - Baldaquino de San Pedro. La basílica se había proyectado en planta central y al alargar Maderno uno de sus brazos quedó en cruz latina. Para centrar la atención en el sepulcro del Apóstol, Urbano VIII le encarga a Bernini un gran Baldaquino en mármol verde y con decoración de bronce dorado. Cuatro columnas salomónicas de gran altura coronadas por un chapitel con cúpula sinuosa y abierta y cuatro ángeles en las esquinas. Sirve de enmarque para la Cátedra de San Pedro, representación simbólica del Vicariato de Cristo. El movimiento que alcanza en esta obra no continuará en las siguientes. Borromini (1599-1667). Es el más claro exponente del lenguaje barroco, superando a todos en creatividad decorativa. Dispone las plantas más inverosímiles. Sus portadas son sinuosas y busca constantemente crear efectos de dinamismo. - Sant´Ivo alla Sapienza. La fachada solo describe una curva cóncava pero la planta la elabora superponiendo dos triángulos equiláteros y disponiendo seis círculos en triángulo. Rompe la racionalidad clásica. Al exterior desarrolla en espiral el trasdós de la cúpula. Toda la iglesia es una sucesión de curvas, y contracurvas en planta y alzado. - San Carlos de las Cuatro Fuentes. El problema que se plantea es el solar, muy angosto. Achaflana la esquina y alabea la pared para llamar la atención de los transeúntes. Portada con línea sinuosa. Otros arquitectos italianos barrocos destacables son Pietro de Cortona y
- 8. Guarino Guarini. Francia La arquitectura barroca francesa es esencialmente cortesana, destacando los palacios, para la monarquía o la nobleza. Abunda más la obra civil que la de carácter religioso. La segunda característica es la existencia de la Academia que va a “normalizar” todo el arte y es responsable del clasicismo dominante. Las cúpulas adquieren una gran importancia, dando un aspecto de verticalidad a los edificios que recuerdan lo barroco. Los palacios estaban formados por un cuerpo alargado y dos alas hacia el jardín formando escuadra. Las techumbres son elevadas abriendo buhardillas. La jardinería alcanza un desarrollo enorme, dirigiéndose las fachadas hacia el jardín. Louis Hardouin Mansart (1646-1708). Arquitecto de Luis XIV, sobrino del también arquitecto Francois Mansart. Realiza numerosas obras para el rey, pero bajo la estricta vigilancia de Lebrun. Es responsable de una parte del urbanismo de París como el diseño de la Plaza Vendome. - Palacio de Versalles. obra iniciada por Levau, siguiendo criterios italianos y completada por Mansart en un lenguaje más clásico. - Iglesia de los Inválidos. Fuerte sentido ascensional con el doble tambor de la cúpula. España La estructura va a seguir siendo clásica y las curvas en plantas no son tan marcadas como en Italia. Esto se suple con una decoración exuberante que cubre todas las estructuras, que son de materiales pobres como ladrillo y tapial. Al principio del siglo dominan todavía las formas tardomanieristas herrerianas, como se puede observar en la Plaza Mayor de Madrid de Gómez de Mora. A partir del segundo tercio del siglo dominan los Churrigera y Pedro Rivera. Entre las obras más importantes de Rivera está el Hospicio de Madrid, donde se puede observar una estructura cuadrada y una disposición totalmente clásica excepto en la fachada donde concentra toda la decoración y rompe la estructura. En Galicia el siglo XVII es un siglo constructivo, con un barroco muy rico. Hay que destacar la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago, obra de Casas y Novoa, que oculta la fachada románica del templo. ESCULTURA Las formas se vuelven más próximas a la naturaleza, es decir, imperfectas, irregulares y lejos de toda norma. Hay un interés en representar pasiones y sentimientos extremos. Igual que sucede en la Grecia Antigua, el paso de clásico
- 9. a helenístico es dejar el ethos y pasar a pathos. Lo mismo sucede del Renacimiento al Barroco. Cobran interés lo ascético y lo místico, ampliándose enormemente el repertorio de temas religiosos. No hay afán de descripción, sino de despertar los sentimientos del espectador. La figura humana trata de transparentar el alma. Hay movimiento violento, con ropajes agitados y predominio de las líneas abiertas y los escorzos. El naturalismo supone el desarrollo del retrato. Italia En Roma se conservaban numerosas copias de esculturas griegas de tiempos helenísticos que sirven de inspiración al escultor barroco. Hay un cambio en la disposición de la figura. Bernini. Es, sin lugar a dudas, el escultor más importante del barroco italiano. A todo lo dicho anteriormente (apartado de arquitectura) hay que añadir la calidad que le da al trabajo del mármol, dejando traslucir la vida bajo la superficie de la piedra. Bernini dispuso de un importante taller, donde él aportaba las ideas y proyectos. Estudió la colección de esculturas antiguas del Vaticano. Realiza obras religiosas, numerosos retratos y temas mitológicos. Trata de representar un momento concreto. - David. Si observamos el David de Miguel Angel, inspirado en el Apolo Belvedere, el movimiento está detenido, pero el David de Bernini muestra al joven en el mismo acto de arrojar la piedra. Transmite la intensa concentración y el esfuerzo del momento. Aprieta los labios e incluso los dedos de sus pies se contraen sobre el plinto donde se sitúa. - Extasis de Santa Teresa. Pretende que la persona arrodillada delante penetre en la mística experiencia de la santa. En esta obra el efecto escenográfico está plenamente conseguido. La mística española describe como un ángel le clava varias veces en el corazón una flecha con punta flameante, que le produce un intenso dolor a la vez que le deja consumida por el amor de Dios. Representa a la santa levitando y el instante en que el ángel desclava la flecha para volverla a clavar. Otras obras destacadas son Plutón y Perséfone, Apolo y Dafne o las Tumbas papales de Urbano VIII y Alejandro VII. Francia Los escultores franceses nunca se desprenderán del peso clásico que les impone el academicismo. Notaremos la influencia italiana y en especial la de Bernini. La principal actividad surge en torno a Versalles, controlado por la Academia. El gran dictador del arte francés es en esa época Charles Lebrun. Los temas son
- 10. fundamentalmente mitológicos y alegóricos, estando en un segundo plano lo religioso. Los retratos, en especial los bustos, también alcanzan un importante desarrollo. Los principales autores son Puget, Girardon y Coysevox. España La escultura es de las tres artes mayores la más cercana a la devoción popular. Es fiel reflejo del misticismo religioso que domina el siglo XVII. Se va a desarrollar una escultura muy distinta a la del resto de Europa, siendo su característica principal el realismo, acentuado por la expresividad de las figuras y la teatralidad. Se llega hasta el patetismo. La escultura exenta se centra en las imágenes de devoción y en lo que llamamos la Imaginería, en referencia a la agrupación de varias figuras escultóricas. Se emplea la madera policromada como material, consiguiendo así un mayor realismo y veracidad. La técnica es la madera tallada, estofada y pintada. Hay que incorporar una serie de elementos como lágrimas de cristal, dientes de marfil, pelo natural, telas. La temática religiosa será la más frecuente. Se representan Vírgenes, Santos, Escenas de Pasión y la muerte de Cristo. Para las procesiones de Semana Santa se realizan grupos escultóricos completos, siempre referidos a momentos de la Pasión. A la vez vamos a ver una disminución de la escultura funeraria. En el retablo predomina el bulto redondo. Imágenes de vestir, donde el cuerpo es escultura, y se viste con ropas auténticas. La Escuela castellana tiene su centro en Valladolid. Destaca por su realismo duro, dramático, trágico. Hay una ausencia de dorados. Las obras más importantes son los pasos procesionales. Gregorio Fernández. Es característico su realismo trágico no vulgar. Sus vestiduras tienen pliegues convencionales, ángulos duros. Hace en cada escultura un verdadero estudio del cuerpo humano. Tiene un excelente tratamiento de las carnaciones y da calidad a la materia. Crea tipos iconográficos como el Cristo yacente y Cristo atado a la columna. Sus retablos son de gran sobriedad. En los pasos procesionales introduce varias figuras y destaca la teatralidad. Cristo yacente, destaca tanto en el Pardo como el de Valladolid. También Cristo crucificado de la luz y Piedad de Valladolid. La Escuela andaluza cuenta con dos ciudades principales, Sevilla y Granada, los centros andaluces más poblados en la época. Lo característico es el realismo sosegado: belleza serena, aspecto triste. Hay una huida de lo trágico. Policromía muy importante y vestiduras muy importantes con bordados luminosos. El tema más recurrente es el de la Virgen María. Martínez Montañés, en Sevilla. Nota predominante en su obra es el clasicismo.
- 11. Es el maestro de la elegancia y serenidad. Los ropajes bien plegados y amplios. Es el creador del tipo iconográfico de la Inmaculada. Cristo de la Clemencia y la Inmaculada Alonso Cano en Granada. Arquitecto, escultor y pintor, es la figura principal del barroco granadino. Va a romper el clasicismo, empleando expresión y dinamismo. Destaca su tendencia a la forma ovalada y fusiforme (forma de huso). La expresividad del color es muy importante porque él mismo aplicaba los colores a sus esculturas. Es un realismo idealizado. Principales obras son la Virgen de la Oliva y la Inmaculada. También hay una escuela murciana, con un protagonista indiscutible, Francisco Salzillo. Es el último representante de la madera policromada. El suyo es un arte popular, pero sin caer en el idealismo. Su actividad más conocida es la de construcción de belenes. Entre sus obras destacamos la Oración en el Huerto y el Prendimiento. PINTURA La característica más importante es el naturalismo, junto con el interés por lo cambiante y efímero. El cuadro barroco prolonga su espacio por los costados, el fondo o hacia el espectador. Las ordenanzas gremiales comienzan a ser superadas y ya hay maestros que trabajan al margen de ellas. A la vez el coleccionismo permite que haya obras sin encargo, que pasan al mercado, sobre todo en Flandes. En el XVII triunfan los cuadros de género, los bodegones, el paisaje, la marina. Como continuación del impulso contrarreformista, el XVII es el gran siglo de las canonizaciones y son muchos los cuadros religiosos donde se introducen efectos teatrales. Los nuevos santos necesitan la propaganda de las artes figurativas. A pesar de ello el tema mitológico se mantiene como uno de los principales. La luz es la gran conquista de la pintura barroca, formando al condensarse una atmósfera propia para las figuras. El movimiento se consigue con el naturalismo y las composiciones asimétricas, sobre todo en diagonal. Predominan las formas abiertas, escorzos violentos, contrastes de luz y difuminado de las formas. Italia En los últimos años del siglo XVI hay una reacción contra el excesivo amaneramiento de las figuras. Un determinado concepto del bueno gusto ha favorecido una exagerada idealización del mundo real. Contra esto reaccionará la pintura con una vuelta al realismo. Los Carracci lo harán inspirándose en la escultura griega y romana antigua, mientras que Caravaggio reacciona alejándose de la experiencia clásica. El naturalismo les lleva a representar las
- 12. cosas tal como son, aunque sean feas. Caravaggio. Rechazó los ideales clásicos, aunque aprenda el uso de la luz de los venecianos. Introduce en sus cuadros religiosos gente corriente. Da una fuerte luz al primer plano, quedando el asunto entre sombras y empleando esta luz para modelar las figuras. Las presenta como si gesticularan hacia el espectador. Sus pinturas fueron acogidas con discrepancias de opinión. Es pintor de violentos escorzos. Murió joven y sin discípulos, pero influirá mucho sobre sus contemporáneos. - Cena de Emaús. Recoge el momento preciso en que los discípulos reconocen al maestro. La composición tiene una fuerte tensión conseguida por los gestos de brazos y elementos como el cesto de frutas al borde de la mesa. - Vocación de San Mateo. Fluye una tensión psicológica entre Cristo y el recaudador. La atención se centra en la mano de Cristo. La intensa luz diagonal acentúa las expresiones faciales y destaca solo los elementos esenciales. Sugiere el triunfo de la luz sobre las tinieblas espirituales. - La conversión de San Pablo. El santo se desploma delante del espectador en un escorzo oblicuo muy atrevido. Incluye en la composición al santo, el caballo entero y una figura al fondo. La fuerte luz que derriba a Saulo ilumina toda la escena. Carracci. Son tres hermanos, de los que el más importante es Annibale. Abren una vía del barroco distinta a la de Carvaggio, más preocupada de aspectos decorativo que lumínicos. Tendrán también influencia de Caravaggio. - Domine, Quo Vadis?. Echa la Cruz hacia delante de forma brusca, y consigue interesantes contrastes con la luz que viene desde la izquierda. Las figuras están contenidas en el marco gracias a las arquitecturas. - Villa Farnesio. Annibale es autor de los frescos del techo del comedor. Representó una balaustrada sobre la cual se abría el cielo, el tema central será Baco y Ariadna. Guido Reni será el más clásico de los seguidores de Annibale Carracci. En Venecia Canaletto y Tiepolo desarrollan el paisaje barroco. Francia Poussin enlaza el estilo clásico del barroco italiano y el estilo barroco francés. Trabaja en Roma. Al principio todo es movimiento y exuberancia. Al estudiar y admirar la Roma clásica su obra cambia para ser más tranquila, serena y controlada. Estructura el espacio de forma matemática. Toma apuntes de experiencias directas que luego traslada a composiciones inventadas. Pinta paisajes idealizados, atemporales, donde muestra una tierra visionaria. Sus
- 13. paisajes serán seguidos por Claudio de Lorena. Rigaud realiza varios retratos de Luis XIV donde reduce la dimensión humana en favor de la real. Flandes español Se mantendrán los temas religiosos caracterizados por el optimismo e inclinándose por aspectos placenteros. Los temas costumbristas, bodegones y fiestas aldeanas revelan una sociedad enriquecida en el comercio de paños. Rubens. Viaja a Italia donde copia pinturas clásicas de los venecianos y conoce directamente la obra de los Carracci y Caravaggio. Bajo sus pinceles todo se hincha y se retuerce, logra ser el pintor más barroco en cuanto a movimiento, abundancia y desbordamiento de las formas. Los ropajes proporcionan los colores que van a contrastar con el tratamiento de la piel humana. En Amberes crea un gran taller donde trabaja con numerosos discípulos. Su declaración de fe es intensa y enérgica. Casado dos veces, sus pinturas traslucen el optimismo que le aporta su felicidad. En sus cuadros mitológicos siempre incluyó cuerpos femeninos desnudos donde los volúmenes insisten en el movimiento de las figuras. En su retiro campestre pinta paisajes, vigorosos, optimistas y barrocos. Elige un punto de vista alto y poco natural. Consigue unir plenamente los italiano y lo flamenco. - Susana y los viejos (Academia de San Fernando). Mantiene la influencia de Miguel Angel en los viejos y muestra su barroquismo en la composición en diagonal, el espacio saturado y los gestos lascivos. - Las Tres Gracias (Prado). Esta versión la conservó Rubens hasta su muerte. Representa tres veces el rostro de su segunda esposa Elena Fourment. - Retrato ecuestre del duque de Lerma (Prado). Encargo realizado por el valido de Felipe III cuando Rubens visita Madrid como embajador de Flandes. Muestra a un personaje desafiante montado a caballo avanzando hacia el espectador. Se conservan los numerosos dibujos preparatorios donde se perciben referencias a Tiziano e incluso al Greco. Van Dyck. El más destacado discípulo de Rubens. Auténtico niño prodigio, su vida es una muestra constante de éxitos. Del taller de Rubens pasa a Italia para después convertirse en el primer pintor de Carlos I de Inglaterra. Las notas más destacadas de su estilo son la perfección del dibujo, la elegancia de los gestos y un canon un tanto alargado, especialmente apreciable en las manos. Son importantes sus retratos, deudores, no solo de su maestro Rubens, si no de Tiziano. De cuerpo entero, busto y dobles enfrentados. - Retrato de Carlos I de Inglaterra (Louvre). Muestra al rey sorprendido en un descanso, con gesto altanero y su caballo dando pruebas de cansancio. Todavía sigue apegado a técnicas rubenianas, en las figuras
- 14. de segundo plano, pero introduce un mayor detalle en el dibujo para el rey. - Autorretrato con Sir Endimion Porter (Prado). Composición muy poco frecuente, donde el pintor aparece junto al cliente. Parece que les unía una sincera amistad y que el vizconde pretendía pasar a la posteridad al aparecer junto al pintor que el considera mejor de su tiempo. Holanda La personalidad de Holanda está muy definida por el mar. El calvinismo despierta una conciencia profunda sobre las responsabilidades del hombre ante su destino. En el campo religioso lo más que encontraremos será la emoción íntima y familiar. Se muestran moradas confortables y muebles delicados, propios de una sociedad burguesa. En los interiores crean una atmósfera tenue que une al hombre con su recinto. En el siglo XVII hay un importante comercio de arte, con marchante expertos y pintores que producen obras no para clientes particulares sino para el mercado. La abundancia de pintores hace que descienda el nivel de vida de estos. Frans Hals. Figura principal de la escuela de Haarlem. Tiene un estilo que se acerca al impresionismo, con una pincelada suelta y un color vivo. Es un auténtico creador del retrato colectivo, dando vida a los personajes y relacionándose unos con otros. Conoció un éxito fulgurante, pero declinó al final de su vida, debiendo vivir entonces de la caridad de su cofradía. - Banquete de los oficiales de San Jorge. Obra de juventud donde se deja influir por la corriente caravagistas de la escuela de Utrecht, con una paleta amplia y mostrando una alegría desbordada. - Regentes del asilo de Santa Isabel de Haarlem. Abandona los excesos, limita su paleta y se somete a una severidad muy propia de la vida puritana calvinista. Mantiene la relación entre las figuras, el retrato claramente individualizado y los gestos en caras y manos. Rembrandt. Apenas salió de Amsterdam y nunca fue a Italia. Rudolf Wittkower hace un paralelismo entre las vidas y obras de Rubens y Rembrandt, contemporáneos y absolutamente opuestos, el éxito social frente a las penurias económicas, la alegría luminosa frente a la sobriedad entre sombras . Su sentimiento religioso nace de una profunda familiaridad con la Biblia. La elección de temas es muy personal. Son pinturas para contemplarse en ámbitos íntimos. En sus últimos años escoge temas de profundo carácter humano. Debido a su obra como grabador, sus composiciones tendrán mucha influencia en la pintura de la segunda mitad del XVII. - La mujer sorprendida en adulterio. Recalca el contraste entre la actuación de Cristo y la de los fariseos. Su luz unifica las superficies, colocando el
- 15. tema más atrás. - Lección de anatomía del Dr. Tulp. Retrato de grupo para el gremio de cirujanos de Ámsterdam. El cadáver sobre la mesa introduce un foco de tensión en la composición dispuesta de forma triangular. La atención de los médicos varía por grupos, unos siguen detalladamente las explicaciones mientras otros se distraen con la presencia del espectador. - Ronda nocturna. En Holanda eran frecuentes las milicias urbanas, así como los retratos de grupos de la sociedad burguesa. Vemos una compañía recibiendo del capitán la orden de marcha. Iluminación teatral. El cuadro fue recortado por sus cuatro lados en 1715 para colocarlo en el Ayuntamiento de Ámsterdam. Vermeer. Destacó por sus pinturas de interiores, iluminadas con una ventana lateral, representando con frecuencia estancias sucesivas representadas con una precisión matemática. El tema más frecuente es una figura femenina leyendo, tocando un instrumento o haciendo una labor cotidiana. La escasez de su obra (se conservan sólo 35 cuadros) hace pensar en que debía ejercer a la vez otra profesión, aunque otros lo achacan a la minuciosidad con que trabajó. - El pintor en su taller. La escena se abre con un grueso cortinaje, se ve primero al pintor de espaldas delante del caballete y al fono, junto a la ventana, una muchacha con un instrumentos y observando una partitura. La obra está llena de símbolos que hacen referencia a las distintas bellas artes. - Vista de Delft. Considerada por su quietud como una naturaleza muerta de la ciudad. Es una vista de su ciudad natal. Destacan todos los matices luminosos que refleja en el amplio cielo y en el agua en absoluta calma. Representa el escenario donde transcurre toda su vida. España Como características generales podemos considerar el predominio de una cierta intimidad, poco teatral, composición sencilla, temática religiosa principalmente junto con retratos, temas mitológicos y bodegones, ausencia de sensualidad y empleo del tenebrismo para expresar valores de piedad. El naturalismo es nota dominante. Las escuelas principales son Madrid, Sevilla y Valencia, con numerosos contactos entre ellas. Uno de los iniciadores del tenebrismo es Francisco Ribalta, que destaca por el tratamiento de los temas místicos. Sienta escuela en Valencia. José Ribera se inicia con Ribalta, pero completa su formación en Italia, de donde no regresará. Instalado en Nápoles aprende de los grandes maestros italianos, si bien su temperamento artístico es plenamente español. Sus modelos son personajes degenerados, ancianos, pobres y enfermos. Exagerado
- 16. naturalismo. Sus temas son principalmente religiosos, gustando mucho los santos penitentes. La escuela sevillana cuenta con muchos pintores de renombre. Vamos a destacar tan sólo tres, Zurbarán, Murillo y Valdés Leal. En Francisco de Zurbarán triunfan el claroscuro y el naturalismo. Muestra un gran interés en mostrar la calidad de las cosas, como podemos observar en sus numerosos bodegones, compuestos de vegetales y piezas de vajilla. Su pintura busca el sosiego y huye del movimiento. Son importantes los temas religiosos y los retratos que hace de frailes. Se convierte en el pintor especializado en decoración de conventos. Formado en Sevilla, Alonso Cano, viajará por diversas vicisitudes por toda España. Tendrá un estilo próximo al de su contemporáneo Velázquez, destacando una técnica admirable. Bartolomé Esteban Murillo es el pintor más importante de la segunda mitad del XVII. Su temática es esencialmente religiosa, interpretada con un color deslumbrante y en un ambiente cotidiano, amable y tierno. En este sentido observamos la Sagrada Familia del pajarillo. Protagonistas de sus cuadros son la mujer y los niños. Valdés Leal es un pintor obstinado con el movimiento, el naturalismo y macabro hasta lo repugnante. Destaca la decoración del Hospital de la Caridad, donde refleja lo pasajero que son las glorias terrenas. Diego Velázquez es el gran pintor español del Barroco. Formado en Sevilla, pasa muy joven a Madrid al servicio de Felipe IV. Realiza dos viajes a Italia. Los temas principales de sus cuadros son retratos y mitológicos. Es responsable de la decoración del Salón de Reinos en el Buen Retiro, donde elabora un programa iconográfico de exaltación de la monarquía que implica a los mejores pintores de su tiempo. Su estilo evoluciona desde un tenebrismo inicial, para ir abriendo su paleta y soltando la pincelada. En tiempos de Carlos II destacan Juan Carreño de Miranda y Claudio Coello. En Carreño, retratista de corte, se nota la influencia de Van Dyck. Coello en su Sagrada Forma realiza un gran montaje escenográfico. BIBLIOGRAFÍA ARGAN, Renacimiento y barroco, dos tomos, Madrid, Akal, 1987. BERCHEZ y GÓMEZ FERRER, Arte del Barroco, Madrid, Historia 16, 1996. FERNÁNDEZ, Los Grandes Pintores Barrocos, colección Historia Visual del Arte, Barcelona, Vicens-Vives, 1989. MAINSTONE, El siglo XVII, en Introducción a la Historia del Arte de la Universidad de Cambridge, Barcelona, Gustavo Gili, 1985. MARTÍN GONZÁLEZ, Historia del Arte, dos tomos, Madrid, Gredos, 1986. WITTKOWER, R., Gian Lorenzo Bernini, Madrid, Alianza Forma nº 102, 1990. (1ª edición inglesa, 1955).
- 17. PÉREZ SÁNCHEZ, A.E., Pintura Barroca en España, 1600-1750, Madrid, Cátedra, 2000. PORTELA SANDOVAL, Grandes Maestros de la Pintura Barroca Española, colección Historia Visual del Arte, Barcelona, Vicens-Vives, 1989. Webs http://www.wga.hu/ (Página en inglés con numerosas galerías que recogen imágenes de los pintores y escultores desde el gótico al impresionismo) http://www.artehistoria.jcyl.es/ (Página con abundantes contenidos de historia y arte. Contiene vídeos) http://www.museodelprado.es/ (Página oficial del Museo del Prado de Madrid)