Danto
- 1. 1 DANTO A., “Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia”. 1. Introducción: moderno, posmoderno y contemporáneo. 2. Tres décadas después del fi n del arte. Tiempos Romanos – 1400 d.C. 1400 – 1960 1980 – Momento poshistórico Imagen antes de la era del arte Imagen en la era del arte Imagen contemporánea – pos histórica NARRATIVA TRADICIONAL No significa que esas imágenes no fueran arte en un sentido amplio, sino que su ser arte no figuraba en su producción, dado que el concepto de arte no había emergido todavía en la conciencia general, por lo que esas imágenes -de hecho iconos- jugaron un papel diferente en la vida de las personas del que las obras de arte vinieron a jugar cuando el concepto de arte emergió y consideraciones estéticas comenzaron a gobernar nuestra relación con ellas. Ni siquiera eran consideradas en el sentido elemental de haber sido producidas por artistas (seres humanos que marcan superficies) sino que eran observadas como si su origen fuera milagroso. Los pintores se dedicaban a la representación del mundo, pintando personas, paisajes y eventos históricos tal como se les presentaban NARRATIVA MODERNA En el Renacimiento el concepto de artista se vuelve central. Emerge el concepto de arte y algo así como consideraciones estéticas comenzaron a gobernar nuestra relación con las obras de arte. Discontinuidad en las prácticas artísticas entre el antes y el después del comienzo de la era del arte. Se desvía el arte de la pintura desde su agenda representacional hacia una nueva agenda en la que los medios de la representación se vuelven el objeto de la representación. El cambio desde el arte “premoderno” al arte de la modernidad, siguiendo a Greenberg, fue el cambio desde rasgos de pintura mimética a no mimética. Eso no significa que la pintura tuviera que volverse no objetiva o abstracta, sino que sus rasgos representacionales fueran secundarios. FIN DE LAS NARRATIVAS MAESTRAS Fin de las narrativas maestras del arte (que definieron la narrativa tradicional y la narrativa moderna). El arte contemporáneo no se permite más a sí mismo ser representado por narrativas maestras. La estructura objetiva del mundo del arte se define históricamente por un pluralismo radical. No hay más «linde de la historia. El nuestro es un momento de profundo pluralismo y total tolerancia, al menos en arte. No hay reglas. La práctica artística contemporánea se trata de una práctica en la que los pintores ya no dudan en disponer sus pinturas mediante el empleo de recursos que pertenecen a medios del todo diferentes - escultura, vídeo , película, instalación, y otros-. Los artistas se apartan de la ortodoxia estética de la modernidad que insistió sobre la pureza del medio que lo definía. El Renacimiento 1970
- 2. 2 o hubieran presentado al ojo. Los rasgos representacionales (miméticos) son fundamentales, centrales. FILOSOFÍA Los antiguos describen el mundo sin que el concepto de yo, central en la filosofía moderna luego de Descartes, definiera la actividad filosófica. Anteriormente los períodos estilísticos se suceden unos a otros, el renacentista, el manierismo, el barroco, el rococó, el neoclasicismo, el romanticismo, constituyen cambios en el modo en que el arte representa el mundo, que se desarrollaron a partir de una reacción contra sus antecesores como en respuesta a todo tipo de fuerzas extra-artísticas en la historia y en la vida. El modernismo como período estilístico, que surge y se desarrolla entre f. XIX (1850/80) y 1960/80 aprox., no sigue al romanticismo en este sentido, sino que está marcado por el ascenso a un nuevo nivel de conciencia, reflejada en la pintura como un tipo de discontinuidad, como si enfatizar la representación mimética se hubiera vuelto menos importante que otro tipo de reflexión sobre los sentidos y los métodos de representación. El modernismo se instala a una distancia respecto de la historia previa del arte. Moderno, no significa sólo lo más reciente, tanto como en filosofía como en arte, significa una noción de estrategia, estilo y acción. (1) Para Greenberg, Manet se convirtió en el Kant de la pintura modernista: “Las pinturas de Manet se volvieron las primeras imágenes modernistas, en virtud de la arte contemporáneo puede ser pensado como impuro o no puro , pero sólo contra la memoria del ideal artístico del modernismo. El arte contemporáneo ni tiene un alegato en contra del arte del pasado, ni tiene sentido que el pasado sea algo de lo cual haya que librarse, aun cuando sea diferente como arte del arte moderno en general. Parte de lo que define al arte contemporáneo es que el arte del pasado está disponible para el uso que los artistas le quieran dar. Lo que no está disponible es el espíritu en el cual fue creado ese arte. El paradigma de lo contemporáneo es el collage. Ernst dijo que el collage es el encuentro de dos realidades distantes en un plano ajeno a ambas. La diferencia es que ya no hay un plano diferente para distinguir realidades artísticas, ni esas realidades son tan ajenas entre sí. Eso se debe a que la percepción básica del espíritu contemporáneo se formó sobre el principio de un museo en donde todo arte tienen su propio lugar, donde no hay criterio a priori acerca de cómo el arte deba verse y donde no hay una narrativa a la que los contenidos del museo deban ajustarse. Consideran los museos como llenos de opciones artísticas vivas, como un depósito de materiales para un collage de objetos ordenados
- 3. 3 franqueza con la cual manifestaban las superficies planas donde eran pintadas”. La historia de la modernidad se desplazó desde allí a través de los impresionistas, “quienes abjuraron de la pintura base y las veladuras para dejar al ojo sin dudas de que los colores que usaban eran pintura que provenía de tubos o potes”, hasta Cézanne, “que sacrificó la verosimilitud o la corrección para lograr ajustar sus dibujos y dibujar más explícitamente la forma rectangular del lienzo”. Greenberg construyó paso a paso una narrativa de la modernidad para reemplazar la narrativa de la pintura representativa tradicional definida por Vasari. Todo aquello que Meyer Schapiro trata como “rasgos no miméticos” de los que todavía podrían ser residualmente pinturas miméticas: el plano, la conciencia de la pintura y la pincelada, la forma rectangular, la perspectiva desplazada, el escorzo, el claroscuro, son los puntos progresivos de una secuencia de desarrollo. En mi propia cronología (la de Danto) Van Gogh y Gauguin son los primeros pintores modernistas. Las narrativas maestras excluyen ciertas tradiciones y prácticas artísticas como «fuera del linde de la historia. La narrativa moderna de Greenberg no da lugar a las para sugerir o defender su tesis. Organiza exposiciones de objetos que no tienen una conexión histórica o formal entre sí, más allá de las conexiones que proporciona el propio artista. Contemporáneo, en el sentido más evidente, significa lo que está sucediendo ahora. El arte contemporáneo ha pasado a significar arte producido con una determinada estructura de producción nunca vista antes (en la historia del arte). Ha llegado a designar algo más que el arte del momento presente. Más que un período se refiere a lo que sucede posteriormente al fin de los períodos de una narrativa maestra del arte. Más que a un estilo se refiere a un estilo de utilizar estilos. En un principio, varias propuestas de arte contemporáneo se entendieron como arte moderno que se está haciendo ahora, sin formar un canon cerrado. La distinción entre lo moderno y lo contemporáneo no se esclareció hasta los años setenta y ochenta. Resultando evidente al considerar la necesidad de crear el término posmoderno. Lo que caracteriza a lo contemporáneo es definido por una suerte de unidad estilística que puede ser elevada a criterio y usada como base para desarrollar una capacidad de reconocimiento, no habiendo en
- 4. 4 tendencias no modernistas como la pintura académica francesa (d. de Cezanne) y el surrealismo. El arte más allá de su límite, o no es parte del alcance de la historia, o es una regresión a alguna forma anterior de arte. Para Greenberg, madurez significa pureza en el sentido en que el término se conecta con lo que Kant quiere decir en el título de su “Crítica de la razón pura”: la razón aplicada a sí misma, sin ocuparse de otra cosa. En correspondencia, el arte puro era el arte aplicado al arte mismo. Mientras que el surrealismo era prácticamente la encarnación de la impureza, interesado en los sueños, el inconsciente, el erotismo y lo misteriosos. Así, según el criterio de Greenberg el arte contemporáneo es impuro. El modernismo fue local y materialista, interesado por la forma, la superficie, la pigmentación, y el gusto que definían la pintura en su pureza. La pintura modernista, como Greenberg la definió, podía solamente responder a la pregunta: ¿Qué es esto que tengo y que ninguna otra clase de arte tiene? La escultura se hacía ese mismo tipo de preguntas. Cuando se reveló el perfil de arte moderno, lo hizo porque el arte contemporáneo había mostrado un perfil diferente del moderno. consecuencia la posibilidad de una dirección narrativa. Por eso (más que posmoderno) yo prefiero llamar al contemporáneo, posthistórico. Así, lo contemporáneo es, un período de información desordenada, una condición perfecta de entropía estética, equiparable a un período de una casi perfecta libertad. No existe más el linde de la historia. Todo está permitido. Lo posmoderno (en opinión de Danto) identifica sólo a un sector del arte contemporáneo, designa un cierto estilo. En el libro de R. Venturi (1966) hay una fórmula: “Elementos que son híbridos más que puros, comprometidos más que claros, ambiguos más que articulados, perversos así como interesantes”. (Por ej. Obras de Rauschenberg, Schnabel, Salle). En los 60, luego de 1962 como marcando el final del expresionismo abstracto, tendríamos una cantidad de estilos sucediéndose a una velocidad vertiginosa: el campo de color en pintura, abstracción geométrica, neorrealismo francés, pop, op, minimalismo, arte povera, y luego lo que se llamó Nueva Escultura, y luego el arte conceptual. En los 60 hubo un paroxismo de estilos, en el curso de cuya contienda me pareció, primero a través de los nouveaux
- 5. 5 FILOSOFÍA El comienzo de la filosofía moderna se piensa a partir de Descartes, “yo pienso”, donde el problema no es tanto cómo son realmente las cosas, sino de cómo alguien, cuya mente está estructurada de cierta manera, está obligado a pensar que son las cosas. Descartes y la filosofía moderna dibujaron un mapa filosófico del universo cuya matriz era la estructura del pensamiento humano. Trayendo las estructuras del pensamiento a la conciencia, donde podemos analizarlas críticamente. Desde que el mundo es definido por el pensamiento, el mundo y nosotros estamos hechos a imagen uno del otro. Aunque el “giro lingüístico” reemplazó las preguntas acerca de qué somos por cómo hablamos hay una continuidad entre las dos etapas. Con la modernidad, las condiciones de la representación se vuelven centrales, de aquí que el arte, se vuelve su propio tema. Greenberg en su ensayo de 1960 “La pintura modernista” escribió: “La esencia de la modernidad descansa en el uso de los métodos característicos de una disciplina para autocriticarse, no para subvertirla sino para establecerla más firmemente en su área de competencia”. Greenberg toma como realistes y pop, que no había una manera especial de mirar las obras de arte en contraste con lo que he designado “meras cosas reales”, (por ej. Falta de diferencia visible entre la cajas de Brillo Box de Andy Warhol y las de los supermecados). Además, el arte conceptual demostró que no necesariamente debe haber un objeto visual palpable para que algo sea una obra de arte, lo que implica que en la medida en que las apariencias fueran importantes, cualquier cosa podría ser una obra de arte, y que si se fuera a realizar una investigación sobre qué es el arte, sería necesario realizar un giro desde la experiencia sensible hacia el pensamiento. En resumen, un giro hacia la filosofía. (2) En los 70 el paroxismo disminuyó. Los 70 fue una época en la que debe haber parecido que la historia había perdido su rumbo, hubo momentos, como Patern and Decoration (med. 70, i. 80), pero no parecía haber emergido una dirección discernible. La conciencia de lo contemporáneo comienza a emerger a mediados de los 70. La tesis de Belting habla también de la “relativa y reciente pérdida de fe en una gran narrativa que determine el modo en que las cosas deben ser vistas”. Ahora que al menos la visión de una
- 6. 6 modelo de pensamiento modernista al filósofo Immanuel Kant, concibiéndolo “como el primer modernista verdadero porque fue el primero en criticar el significado mismo de la crítica”. Kant no concibió una filosofía que tan sólo agregara algo a nuestro conocimiento, sino una que respondiera a la pregunta cómo es posible el conocimiento. Supongo que la correspondiente concepción de la pintura debería ser no tanto el representar la apariencia de las cosas, sino responder a la pregunta de cómo la pintura fue posible. La pregunta entonces podría ser: ¿Quién fue el primer pintor modernista? (1) MUSEO La primera generación de los grandes museos americanos dio por supuesto que sus contenidos deberían ser tesoros de una gran belleza visual que era metáfora de la verdad espiritual. La segunda generación (Museo de Arte Moderno), asumió que la obra de arte tiene que ser definida en términos formalistas y apreciada bajo la perspectiva de una narrativa (en analogía a la que adelantó Greenberg): una historia línea progresiva con la que el visitante debe trabajar, aprendiendo a apreciar la obra de arte junto al aprendizaje de secuencias históricas. Las pinturas, auto-conciencia ha sido alcanzada, la intención de la historia del arte de llegar a una concepción filosófica de sí misma ha finalizado. Entonces los artistas se libraron de la carga histórica y fueron libre para hacer arte en cualquier sentido que desearan, por cualquier propósito que desearan, o sin ningún propósito. Ésta es la marca del arte contemporáneo en contraste con el modernismo. De todos modos, el arte de los 70 estaba lleno de artistas que no tenían nada que ver con empujar los límites o extender la historia del arte, y sí con poner al arte al servicio de metas personales o políticas. Los artistas tenían toda la herencia de la historia del arte para trabajar, incluyendo la historia de la vanguardia, que puso a disposición todas aquellas posibilidades que había elaborado y que el modernismo hizo lo posible por reprimir. La principal contribución artística de la década fue la emergencia de la imagen apropiada, o sea el “apropiarse” de imágenes con sentido e identidad establecidos y otorgarles significación e identidad frescas. Estas posibilidades artísticas son la realización y la aplicación de la contribución filosófica desde los 60 hasta la autocomprensión del arte:
- 7. 7 ahora sin marcos, tal vez considerados como distracciones o propios de una agenda ilusionista, no fueron más ventanas hacia las escenas imaginadas, sino objetos con derecho propio, aun cuando hubieran sido concebidos como ventanas. Con la llegada de la filosofía al arte lo visual desapareció. Tres ataques a museos establecidos son dignos de mencionarse al respecto. – Cuando Kirk Varnedoe y Adam Copnick admitieron al pop en la sgalerías del Museo de Arte Moderno en 1990. – Cuando Thomas Krens le quitó su adhesión a Kandisky y Chagall para adquirir parte de la colección de Panza (en gran parte conceptual e inexistente como objeto). – Cuando en 1993 Whitney compiló una Bienal consistente en obras que tipificaban el camino real que había seguido el mundo del arte luego del fin del arte. las obras de arte pueden ahora ser imaginadas o producidas como mera cosas reales que no exigen el estatus de arte por aquellas suposiciones en las que no podemos definir las obras de arte en términos de ciertas propiedades visuales que deberían tener. No hay imperativos a priori sobre el aspecto de las obras de arte. Factor que terminó con la agenda modernista. En los 80 ciertos teóricos consideraron el tema de la muerte de la pintura y basaron sus juicios en la afirmación de que la pintura avanzada parecía mostrar todos los signos de un agotamiento interno o un límite. Un complejo de prácticas dieron lugar a otras aun cuando la forma del nuevo complejo permanece oscura. Cerca de los 80, surge el neoexpresionismo dando la sensación de que se había encontrado una nueva dirección. Y luego vuelve la sensación de que no había nada. Más tarde nace la sensación de que la característica de este nuevo período era esa ausencia de dirección. Recientemente, se ha comenzado a sentir que los últimos 25 años, un período de tremenda productividad experimental en las artes visuales sin ninguna dirección narrativa especial, se ha estabilizado como norma.
- 8. 8 FILOSOFÍA (2) En 1969 Joseph Kosuth afirmó que la única tarea para un artista de nuestro tiempo “era investigar la naturaleza del mismo arte”. Siguiendo a Hegel, el arte nos invita a la contemplación reflexiva pero no con el fin de producir nuevamente arte, sino para conocer científicamente lo que es el arte. La pregunta filosófica sobre la naturaleza del arte surgió dentro del arte cuando los artistas insistieron contra los límites después de los límites, y encontraron que los límites cedían. Fue solamente en los años 60, cuando se volvió claro que cualquier cosa podía ser una obra de arte, que se pudo pensar filosóficamente sobre el arte. (Entonces) ¿Qué pasa con el arte después del fin del arte, donde “arte después del fin del arte” significa “luego del ascenso a la propia reflexión filosófica”? Donde una obra de arte puede consistir en cualquier objeto legitimado como arte surge la pregunta: ¿Por qué soy yo una obra de arte? Con esta pregunta terminó la historia del modernismo. MUSEO ¿Qué es lo que un museo posthistórico debe ser o hacer? Hay por lo menos tres modelos,
- 9. 9 dependiendo del tipo de arte que consideremos, y dependiendo de si se trata de belleza, forma o aquello que debo llamar el compromiso que define nuestra relación con él. El arte contemporáneo es pluralista en intenciones y realizaciones como para permitir ser capturado en una única dimensión y, en efecto, un argumento puede ser que en gran parte sea incompatible con los imperativos de un museo, que requeriría una clase diferente de administración y cuyo interés fuese el de comprometer al arte directamente con la vida – de aquellas personas que no han visto razón para utilizar el museo ni como un tesoro de belleza, ni como un santuario de formas espirituales. El museo es una parte de la infraestructura del arte que va a tener que vincularse con el fin del arte, y con el arte de después del fin del arte. El artista, la galería, las prácticas de la historia del arte, y la disciplina de estética filosófica, deben, en su conjunto, dar un camino y tornarse diferentes de lo que han sido desde hace mucho tiempo.