Dibujo y Pintura

Calidad que se acredita internacionalmente
ASIGNATURA
ACTIVIDAD ARTÍSTICA
DIBUJO Y PINTURA
(TEXTO UNIVERSITARIO)

Material publicado con fines de estudio.
Segunda edición.
Huancayo, 2012
MISIÓN
Somos una universidad privada,
innovadora y comprometida con el
desarrollo del Perú, que se dedica a
formar personas competentes, íntegras y
emprendedoras, con visión internacional;
para que se conviertan en ciudadanos
responsables e impulsen el desarrollo de
sus comunidades, impartiendo
experiencias de aprendizaje vivificantes e
inspiradoras; y generando una alta
valoración mutua entre todos los grupos
de interés.
VISIÓN
Ser una de las 10 mejores universidades
privadas del Perú al año 2020,
reconocidos por nuestra excelencia
académica y vocación de servicio, líderes
en formación integral, con perspectiva
global; promoviendo la competitividad
del país.

Pag.3
Asignatura: Actividad Artística Dibujo y Pintura
PRESENTACIÓN
La actividad de dibujo y pintura, es una asignatura diseñada para proporcionar
al estudiante, conocimientos básicos y herramientas indispensables para expresarse
y representar gráfica y plásticamente trabajos creativos. La competencia a desarrollar
es: Demuestra su sensibilidad creativa en base a realización de experiencias
visuales del medio circundante a través del lenguaje de la línea y el color
empleando las diferentes técnicas y medios a su alcance manteniendo
responsabilidad, orden y limpieza en todos sus trabajos gráfico plásticas.
En general, los conocimientos propuestos en el texto universitario (material de
estudio), se divide en dos unidades: la primera unidad comprende el arte, evolución
histórica, nacimiento, medios e instrumentos, clasificación de las artes, el dibujo
artístico, teoría del color, color luz, como percibimos los colores, color pigmento,
clasificación de los colores, el circulo cromático y expresión del color. La segunda
unidad comprende la pintura, su historia, los géneros y técnicas pictóricas y el arte
desarrollado en el siglo XX, desde impresionismo hasta nuestros días.
Es recomendable que el estudiante desarrolle una permanente lectura de
estudio junto a la minuciosa investigación de campo, vía internet, la consulta a
expertos. El contenido del material se complementará con la ejecución y aplicación
práctica pictórica.
Agradecemos a quienes con sus aportes y sugerencias han contribuido a
mejorar la presente edición.
El autor

Pag.4
ÍNDICE
Pág.
PRESENTACIÓN
ÍNDICE
PRIMERA UNIDAD
Tema Nº 1: EL ARTE
1.1 Arte
1.2 Evolución histórica
1.3 Cuando nace el arte
1.4 Arte y magia
1.5 Arte y animismo
1.6 Estilo y técnica
1.8 Clasificación de las artes
1.7 Medio e instrumento
Tema Nº 2: EL DIBUJO
2.1 El dibujo
2.2 El dibujo artístico
2.3 Dibujo técnico
Tema Nº 3: TEORIA DEL COLOR
2.1 El color
2.2 El color luz
2.3 Cómo son percibidos los colores de los objetos
2.4 El color pigmento
2.5 Clasificación de los colores
2.6 El círculo cromático
2.8 Expresión del color
Actividades
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6
6
7
7
8
8
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16
16
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18
18
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23
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SEGUNDA UNIDAD
Tema Nº 4: PINTURA
4.1La pintura
4.2Historia de la pintura
4.3
4.4
Géneros pictóricos
Técnicas pictóricas
Tema Nº 5: EL ARTE DE HOY
5.1 El cubismo
5.2 El expresionismo
5.3 La abstracción pura
5.4 El superrealismo o surrealismo
5.5 El pop art
5.6 El op art
5.7 Naif
5.8 Arte conceptual
5.9 El arte brut
5.10 El hiperrealismo
5.11 El graffiti
5.12 Body art
5.13 Performance
5.14 Instalaciones
5.15 Las audiovisuales
5.16 Arte virtual
5.17 Land art
5.18 Eat art
Actividades
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REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
1. Ráez Mendiola Ernesto. Estudio y Apreciación del Arte, Lima: Editorial de la Universidad
Nacional Mayor de San Marcos; 2008
2. De la Casa Leticia, Arte del Siglo XX, Lima: Empresa Editora El Comercio 2009
3. Herman Blume Ray Smith. El Manual del Artista, Madrid: Editorial Dorling Kindersley; 1990
4. Ramírez Pilar. Enciclopedia Ilustrada – Artes y Obras Maestras, Santiago de Chile:
Editorial Larousse S. A.; 1999
5. Navarro Joaquín. El Mundo del Arte, Autores, Movimientos y Estilos, Barcelona: Grupo
Editorial Océano; 2000
6. Biedman Carlos. El lenguaje del Dibujo, Buenos Aires; Editorial Kapelusz; 1990.

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PRIMERA UNIDAD
Tema Nº 1: EL ARTE
1.1 ARTE:
Deriva del vocablo ars que significa habilidad y destreza para hacer algo.
Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que
interpreta lo real o imaginada con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
Incluye todo lo hecho por el hombre, es decir aquello que no es parte de la naturaleza. Facultad que tiene el
hombre para poder expresarse ya sea por medio de las diferentes disciplinas o manifestaciones como son la
pintura, la música, el teatro, el cine, la danza, etc. y así realizar obras.
Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo
invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación
u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y
estética. El artista para crear, requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de la cual responde al
vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y
sonidos.
La definición de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un acuerdo unánime entre historiadores,
filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es
el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla»
(Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es
la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean
Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte»
(Dino Formaggio). El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el Renacimiento, arte sólo se
consideraban las artes liberales; la arquitectura, la escultura y la pintura eran “manualidades”. El arte ha sido
desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano, a través del cual manifiesta sus
ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más
práctica hasta la ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero
o efímero. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de
expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.

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1.2 EVOLUCIÓN HISTÓRICA
En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la civilización occidental y primera
cultura que reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier
terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’: destreza para construir un objeto, para
comandar un ejército, para convencer al público en un debate, o para efectuar mediciones agronómicas. En
definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos específicos que la hacen objeto de aprendizaje y de
evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio, la poesía, que venía de la inspiración, no estaba
catalogada como arte. Así, Aristóteles, por ejemplo, definió el arte como aquella «permanente disposición a
producir cosas de un modo racional», y Quintiliano estableció que era aquello «que está basado en un
método y un orden» (via et ordine). Platón, en el Protágoras, habló del arte, opinando que es la capacidad de
hacer cosas por medio de la inteligencia, a través de un aprendizaje. Para Platón, el arte tiene un sentido
general, es la capacidad creadora del ser humano. Casiodoro destacó en el arte su aspecto productivo,
conforme a reglas, señalando tres objetivos principales del arte: enseñar (doceat), conmover (moveat) y
complacer (delectet)
Cabría decir que las viejas fórmulas que basaban el arte en la creación de belleza o en la imitación de la
naturaleza han quedado obsoletas, y hoy día el arte es una cualidad dinámica, en constante transformación,
inmersa además en los medios de comunicación de masas, en los canales de consumo, con un aspecto
muchas veces efímero, de percepción instantánea, presente con igual validez en la idea y en el objeto, en su
génesis conceptual y en su realización material. Morris Weitz, representante de la estética analítica, opinaba
en El papel de la teoría en la estética (1957) que «es imposible establecer cualquier tipo de criterios del arte
que sean necesarios y suficientes; por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica, y no
simplemente algo que sea difícil de obtener en la práctica». Según Weitz, una cualidad intrínseca de la
creatividad artística es que siempre produce nuevas formas y objetos, por lo que «las condiciones del arte no
pueden establecerse nunca de antemano». Así, «el supuesto básico de que el arte pueda ser tema de
cualquier definición realista o verdadera es falso».
En el fondo, la indefinición del arte estriba en su reducción a determinadas categorías –como imitación, como
recreación, como expresión–; el arte es un concepto global, que incluye todas estas formulaciones y muchas
más, un concepto en evolución y abierto a nuevas interpretaciones, que no se puede fijar de forma
convencional, sino que debe aglutinar todos los intentos de expresarlo y formularlo, siendo una síntesis
amplia y subjetiva de todos ellos.
El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una
experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o
producir un choque.
1.3 CUANDO NACE EL ARTE:
Aunque hasta la fecha no existe una teoría única de cómo y por qué llegamos a ser como somos, se acepta
que el Hamo Sapiens se diferencia de los demás animales por la dentadura, la piel, la mano de dedo
oponible, la posición erecta, la manera única de caminar a pasos largos, el pie arqueado, la posibilidad de
emitir sonidos diferenciados y el cerebro desarrollado.
Durante una larga etapa el proceso de hominización se relacionó con el perfeccionamiento técnico. En un
comienzo se emplearon materiales blandos como huesos y madera hasta llegar a la piedra. Los primeros
hombres fueron magistrales artesanos que llegaron a extraer de la piedra casi todas sus posibilidades.
La aparición del arte coincide con la etapa en la que se han consolidado los procesos básicos de
hominización y ya se puede identificar la presencia del Homo Sapiens, quien ha llegado a su plena evolución;
tal como hoy lo distinguimos. "Es indudable que este proceso se encuentra vinculado al lenguaje o, por lo
menos, al proceso de adaptación del lenguaje a la formulación de lo abstracto. Los productos del trabajo
manual son, junto con el sistema verbal, el más fiel agente de la expresión del pensamiento. Lenguaje y
técnica son fenómenos solidarios en la evolución humana".
Los primeros objetos de arte se han encontrado en Vogelgerd (Alemania) en un nivel que data más de 30 000
años A.C. Esto permite atribuir a la práctica del arte una antigüedad de más de 40 000 años
aproximadamente. Período correspondiente al Paleolítico Superior y cuyo desarrollo posterior llega hasta
30000 años después de su aparición. Sin embargo, el hecho de que se hayan encontrado en Europa las
huellas iniciales no debe interpretarse como que el arte apareció en Europa

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1.4 ARTE Y MAGIA:
Las primeras manifestaciones artísticas fueron: la danza, llamada "la madre de las artes", la pintura parietal
en cavernas y la escultura.
Una de las características del arte paleolítico es su homogeneidad. Así vemos que las representaciones
pictóricas de las cuevas de Altamira (bisontes), en España, o de Lascaux (caballos), en Francia, coinciden
con las ilustraciones de las cuevas de Toquepala o Lauricocha (camélidos), en el Perú. En cada una de ellas
se ilustra respectivamente animales de caza que servían para el sustento.
El arte de cazadores primitivos, pescadores y recolectores responde a sus intenciones e intereses.
Paulatinamente, desde la simple impresión de una mano, se llega a representaciones que son medio de una
técnica mágica. Su función era, por tanto, totalmente pragmática, orientada a inmediatos objetivos
económicos (sustento).
"El pintor y cazador paleolítico pensaba que con la pintura poseía ya la cosa misma, pensaba que con el
retrato del objeto había adquirido poder sobre el objeto. El arte no era, por lo tanto, una función simbólica sino
una acción objetivamente real, una auténtica causación. Cuando el artista paleolítico pintaba un animal sobre
la roca, pintaba un animal verdadero".
La relación de las pinturas paleolíticas con la magia nos ayuda también a explicar con claridad el naturalismo
de este arte.
El animal, que estaba destinado a ser conjurado en la vida real, tenía que aparecer como el doble del animal
representado: pero sólo podía presentarse así si la reproducción era fiel y natural. Era justamente el propósito
mágico de este arte el que le forzaba a ser naturalista".
1.5 ARTE Y ANIMISMO
Pero, cuando el hombre se vuelve agricultor y ganadero, la magia y la hechicería serán reemplazadas por
ritos y cultos. La cultura de Caín y Abel es una cultura sedentaria y dependiente de los fenómenos de la
naturaleza. Esta dependencia de la tierra cancela el espíritu aventurero y libre de los cazadores, pescadores
y recolectores nómades, dando paso a un comportamiento conservador y temeroso. Comienza entonces a
desarrollarse la organización social estratificada y aparece la noción de propiedad.
El pensamiento mágico es sustituido por el animismo, la adoración de los espíritus, la fe en las almas y el
culto a los muertos. No es de extrañar que las primeras manifestaciones arquitectónicas sean túmulos hechos
de grandes piedras. Con la fe y el culto aparecen los ídolos, amuletos, símbolos sagrados, ofrendas votivas,
oblaciones y tumbas especiales. "El animismo divide el mundo en una realidad y una suprarrealidad; en un
mundo fenoménico visible y un mundo espiritual invisible, en un cuerpo mortal y un alma inmortal".
De la misma forma, conforme se van imponiendo las prácticas religiosas y los gobiernos teocráticos, templos
y palacios se agregan a las construcciones funerarias de las poderosas clases sacerdotal y monárquica. El
arte se hace religioso y profano, poniéndose al servicio de los dioses y de los reyes.
(Provincia de Santa Cruz,
República Argentina)
La Cueva de las Manos
El arte es una actividad humana que practican todas las sociedades a
partir del estadio cultural paleolítico superior.

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1.6 ESTILO Y TÉCNICA:
El término proviene del nombre del punzón con el que se escribía en tablas enceradas en la antigüedad.
El estilo hace de la obra de arte un testimonio objetivo de la personalidad de su autor y de su grado de
compromiso con su contexto sociocultural y su momento histórico. Los estilos son pautas emocionales
con criterios propios que colaboran en la tarea creadora y, al mismo tiempo, resumen los avances y
revoluciones de la fantasía.
Si bien, como decía Buffon, naturalista francés del siglo XVIII, "El Estilo es el Hombre"; cada individuo
es un ser condicionado históricamente, producto y productor de su cultura, que expresa, a través de su
obra, sus coordenadas de lugar y tiempo. A través del estilo se manifiestan en la obra de arte el medio y
la época del artista. Lo que hace extensible el concepto a diversos lugares y/o épocas. El estilo corresponde
a la dimensión individual del hombre así como a su momento histórico y al lugar del mundo donde
se expresó. El estilo 'revela por quién, cuándo y dónde fue creada la obra de arte. Por lo que se puede
hablar del estilo de un artista, de un lugar y de una época determinados. Así decimos que José Sabogal es un
pintor de la Escuela Indigenista, o que Rafael pertenece al Renacimiento Italiano. Y, en el mismo
Renacimiento Italiano, podemos diferenciar artistas de las Escuelas de Florencia, Venecia o Siena.
Estilo es el uso subjetivo de un lenguaje, más allá de toda norma. Pero esta posibilidad no se actualiza
en tanto el artista no encuentre o perfeccione la técnica que le permita concretar sus proposiciones
estilísticas.
En 1908, en un valle del Danubio,
concretamente en el yacimiento paleolítico
de Willendorf, cerca de Krems en la Baja
Austria, el arqueólogo Josef Szombathy
descubrió una pequeña estatuilla femenina,
de apenas 11 cm. que constituyó el primer
descubrimiento de una pieza escultórica de
época prehistórica. Está realizada en piedra
caliza.
El descubrimiento no fue sólo importante por
ser el primero de una pieza escultórica
paleolítica, ni tampoco por ser la primera de
una amplia serie de estatuillas femeninas
con una simbología similar que se irían
descubriendo más adelante, sino sobre todo
porque abría un campo de investigación
relativo a su interpretación, que como
siempre en estos casos resultó apasionante.
Estilo es la manera propia
o peculiar de expresión del artista.
Toda obra de arte expresa un estilo que corresponde a su autor,
al lugar y a la época de su hechura
Técnica es el procedimiento o conjunto de procedimientos que sirven
para configurar los elementos formales de la obra con
la precisión necesaria y conveniente para no distorsionar las
proposiciones del estilo

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Técnica es el conjunto de reglas prácticas para el ejercicio de un arte o de una ciencia. Y, en cierto modo,
estas reglas son generales a todos los practicantes de un oficio.
La palabra Arte significó originalmente Técnica. Sin su dominio es imposible que un artista pueda plasmar su
obra con la debida libertad y precisión. Desde sus orígenes, la factura de las obras de arte revela una técnica
sorprendentemente depurada y, cuando es necesario, se produce la renovación de estos recursos. Aunque
puede ocurrir que la renovación técnica falle y convierta la obra en un triste fantasma de lo que pudo ser. Es
el caso de "La Última Cena" de Leonardo de Vinci, hoy totalmente deteriorada, por la desacertada ubicación
de la pared del mural que colindaba con la cocina del convento, y porque los recursos pictóricos empleados
se resecaron con el calor y no surtieron los efectos deseados. Tal es el caso también de tantas pinturas
'ennegrecidas', antes que por el tiempo, por la falta de conocimiento para combinar debidamente los
pigmentos cromáticos.
La Composición Artística, la técnica y el estilo son complementarios y están mutuamente condicionados. La
técnica se amolda a las inftexiones del estilo. El artista elige la técnica con la que puede manifestar mejor su
personalidad; pero muchas veces el estilo tiene que supeditarse a las limitaciones de la técnica.
- Estilo es el modo de ver las formas;
- Técnica, la manera de plasmar esta visión;
- El estilo ayuda a concebir;
- La técnica, a ejecutar;
- El estilo es subjetivo;
- La técnica, objetiva antes de su empleo.
El estilo es una mera intención mientras no encuentra la técnica que le da el poder de concretarse.
Únicamente la apropiada realización técnica permite que adquieran significación los elementos formales
seleccionados y reorganizados. Cada época expresa sus nuevas orientaciones ideológicas en el arte, con
el variar del estilo y la renovación de la técnica. La historia del Arte es la relación del proceso cambiante
de los estilos y de los esfuerzos técnicos de los artistas para expresar, mediante sus imágenes estéticas,
el contexto social al que pertenecen.
1.7 MEDIO E INSTRUMENTO
Los procedimientos técnicos ponen en juego dos elementos: El medio y el instrumento o los instrumentos.
Por el medio, el lenguaje artístico se diversifica en diferentes manifestaciones: dibujo, pintura, escultura,
arquitectura, vitral, mosaico, cerámica, textilería, cestería, orfebrería, fotografía, música, poesía, novela,
cuento, danza, pantomima, teatro, títeres, tira cómica, cine.
Durante el proceso de realización, técnica
y estilo se dan como aspectos integrados
Estilo y técnica unifican la obra de arte imprimiéndole personalidad
Medio es el elemento sensorial principal que identifica un género artístico,
es la materia característica de su realización.
Instrumento es el elemento de apoyo que
sirve para configurar el medio de expresión.

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MANIFESTACIÓN MEDIO INSTRUMENTO
Dibujo Línea en el plano Carboncillo, etc.
Pintura Color Pinceles, etc.
Escultura Volumen Cincel, etc.
Arquitectura Línea en el espacio Numerosos
Música Notas musicales Piano
Literatura Palabra Idioma
Danza Movimiento corporal Bailarín
Teatro Relaciones humanas Actor
Cine Imagen en movimiento Cámara
Cinematográfica
Una obra de arte puede ser la resultante de la relación intencionada o inintencionada, consciente o in-
consciente, entre el instrumento y el medio que configura. En el primer caso, la obra es producto del
automatismo; en el segundo, hay un meditado control en su realización. Depende de la voluntad del autor el
elegir cualquiera de estos dos procedimientos de creación, no siendo uno más importante que el otro.
1.8 CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES:
En su significado más amplio, arte es el conjunto de reglas que se siguen para hacer bien algo, o bien es el
talento o aptitud que se tiene para hacer bien las cosas. El arte según el fin que se propone puede ser útil o
noble: se llama arte útil o utilitario al que está encaminado a proporcionar utilidad, comodidad; se llama arte
noble al que prescindiendo de toda utilidad, manifiesta valores estéticos, objetivándoles, es decir, dando a los
mismos forma material sensible. A la primera forma de arte, al utilitario, corresponde el arte industrial que
crea objetos útiles, en los cuales puede expresarse también cierta belleza: cerámica, herrería, orfebrería,
tapicería, ebanistería, repujado, mosaico, etc. Estas artes constituyen lo que se llama artes menores; los que
se ocupan de ellas se llaman artesanos. Dentro de esta forma de arte se suele englobar también cualquier
manifestación de una habilidad realizada en forma más o menos perfecta, así se habla del arte culinario, del
caligráfico, etcétera.
A la segunda forma de arte, el nombre, corresponden las artes que crean solamente valores estéticos
haciendo caso omiso de la utilidad; las bellas artes, que también se han llamado artes mayores: pintura,
escultura, arquitectura, música, literatura, danza, teatro, ópera, son las artes por excelencia, ya que son las
que crean toda la gama de valores estéticos sin más propósito que crearlos. El arte puro se contienen en
estas formas de arte, en las bellas artes; no debe ser industria ni comercio, debe amarse por sí mismo, debe
ser una vocación y no una carrera. Según algunos filósofos, debe ser una actividad desinteresada, por eso
según José D. Calderaro, es una actividad creadora de algo, que tienen una significación especial, que está
como un denominador común en el fondo de todas las bellas artes y constituye una "necesidad innecesaria".
Si el arte puro es aquel que sólo busca la manifestación de la belleza y los más valores estéticos, las obras
de arte creadas bajo este propósito poseen un alto valor estético, su contemplación originará un emoción tal,
que producirá una experiencia estética también pura. Las obras de arte que no tienen como finalidad
solamente la expresión de valores estéticos, sino que buscan además la transmisión de otra clase de ideas
ajenas al arte: morales, religiosas, políticas o comerciales, no son estéticamente puras, no son obras de arte
puro por más que pertenezcan a las bellas artes.
Las bellas artes se han clasificado siguiente diferentes criterios, hay infinidad de clasificaciones. Atendiendo
al sentido con que son percibidas se les divide en artes del oído (música y poesía), artes de la vista
(arquitectura, pintura, escultura y dibujo) y artes mixtas (danza, teatro y ópera). Atendiendo al grado de
imitación que hagan de la naturaleza se ha pensado que son: esencialmente creadoras (arquitectura, música
Lo que importa en ambos casos
es el producto final.

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y poesía), esencialmente imitadoras (escultura y pintura), y artes que participan del afán creador y del
imitador (danza, teatro y ópera).
Otra clasificación se basa en el material con que se lleva a cabo la expresión: espirituales, que tienen un
material espiritual inmaterial (música y literatura); y materiales, que tienen un material palpable (pintura,
escultura y arquitectura). Se les ha clasificado en artes del sonido (música, artes del lenguaje (literatura) y
artes del dibujo (pintura, escultura y arquitectura). Existe otra división: artes musicales (música, canto y
ópera), artes plásticas (arquitectura, pintura y escultura), literarias (poesía) y complejas (danza, drama,
comedia, cine...). Esta última división está muy difundida.
No se puede pasar por alto la clasificación de Challavé que por una parte considera la usual distinción entre
las bellas artes que aspiran a crear objetos cuya única finalidad es satisfacer la necesidad de belleza que
siente el alma humana y por otra, las artes industriales que producen objetos útiles a los que se les dota así
mismo de cierta armonía para que resulten agradable.
Un poema, dice, es una obra bella porque tiene como única finalidad despertar un sentimiento estético, crear
belleza, la poesía es una de las bellas artes; un tapiz es bello, pero se atiende más a su valor de utilidad que
a su valor estético, la tapicería es entonces un arte industrial.
La mayor parte de las veces es fácil distinguir entre las artes industriales y las bellas artes; sin embargo, en
ocasiones hay duda: la arquitectura es una de las bellas artes, ha sido considerada así desde siempre y sin
embargo produce edificios destinados no solo a la contemplación estética o a la satisfacción de la necesidad
espiritual de belleza, sino que su fin es satisfacer una necesidad material, la de un sitio cómodo para vivir o
trabajar. La joyería es en general un arte industrial; sin embargo, bien puede darse el caso de un artesano
que haya creado una joya sin paralelo, única por su belleza, entonces el joyero se convirtió en arte y la joya
en obra de arte.
Conservando la distinción usual entre bellas artes y artes industriales, el citado autor subdivide las bellas
artes teniendo en cuenta los sentidos a que hablan y la posición de sus obras en los dos planos en que sitúan
todos los datos de nuestra conciencia: espacio y tiempo, o sea la extensión y la duración. De acuerdo con
esto su clasificación comprende artes plásticas, fonéticas, del movimiento y del gesto.
Son artes plásticas las que hablan al espíritu a través de la vista, sus obras están situadas en el espacio,
hechas con elementos simultáneos e inmóviles, sus manifestaciones son materiales y objetivas, su belleza es
exterior, son: arquitectura, que se define como el arte de construir y adornar; pintura, arte de representar
seres y cosas, de materializar imágenes con ayuda de hermosos colores, y escultura, considera como el arte
de modelar y tallar la materia a fin de crear formas bellas.
Las artes fonéticas hablan al espíritu por medio del oído, sus obras se deslizan en el tiempo, su principio es la
sucesión, son artes más espirituales y subjetivas, en ellas la belleza parece interior, son: música, arte que
crea la belleza por medio del sonido, y literatura, que la crea en virtud de la palabra en poesía o en prosa.
Las artes del movimiento son las que se realizan simultáneamente en el tiempo y en el espacio, llegan al
espíritu como las plásticas, pero sus creaciones se desarrollan en el tiempo como las fonéticas; las artes de
los movimientos comprenden la danza y el ballet, que son la creación de belleza precisamente por el
movimiento.
Las artes del gesto aspiran a crear belleza por medio de la expresión y los movimientos, se comprenden
dentro de éstas: el teatro en todas sus variantes (tragedia, drama y comedia) y el cine, que es el arte que
tiende a provocar emociones gracias a una sucesión de imágenes proyectadas en la pantalla.
El maestro Bueno por su parte afirma que el primer paso en la sistematización de cualquier tipo de
conocimientos está dado por la clasificación de los objetos que comprende, ésta es una operación lógica que
dispone y ordena tales objetos en una serie de grupos de acuerdo con un criterio previamente adoptado, de
tal modo que todos los miembros de un mismo conjunto queden identificados por una propiedad común y los
miembros de los diferentes grupos queden separados por una propiedad distinga. Así la clasificación de las
bellas artes tendrá que agrupar a todos los objetos que se consideren como obras de arte, incorporándolos a
varios grupos de acuerdo con el criterio previamente establecido. Este criterio atiende a la categoría estética
en función de la cual se realiza cada obra de arte. La categoría estética, es decir, la nota esencial de cada
una de las bellas artes es el carácter fundamental, propio y distintivo de cada especia artística, es el elemento
que expone de manera más amplia la esencia constitutiva del arte y su naturaleza, como síntesis de diversos
factores. La categoría estética fundamental de la plástica es el espacio, de la música es el tiempo y de las
letras es el símbolo.
Espacio, tiempo y símbolo son las tres categorías que según mencionado autor reportan el mejor criterio para
establecer una clasificación funcional de las artes.

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Tradicionalmente el arte solía dividirse en dos partes:
BELLAS ARTES
- Música
- Pintura
- Escultura
- Arquitectura
- Literatura
ARTES MENORES O
ARTES APLICADAS
- Trabajos artesanales como:
- El grabado,
- La orfebrería o el bordado artístico
Con el tiempo, esta clasificación resulto insuficiente para abarcar todas las nuevas formas
artísticas que comenzaron a surgir.
ARTES MUSICALES :
Música vocal.
Música instrumental.
Música mixta.
ARTES VISUALES : Artes espaciales :
Bidimensionales:
- Dibujo.
- Pintura.
- Grabado.
- Fotografía
Tridimensionales:
- Escultura.
- Arquitectura.
- Cerámica etc.
ARTES ESCÉNICAS
y/o CINEMATOGRÁFICAS:
Artes témporo
espaciales.
Artes audiovisuales:
Bidimensionales:
- Cine
- Televisión
Tridimensionales:
- Teatro
- Opera
- Danza
ARTES LITERARIAS : Géneros :
- Épico
- Lírico.
- Dramático etc.

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Tema Nº 2: EL DIBUJO
2.1 EL DIBUJO
Es el lenguaje del que proyecta gráficamente, mediante una superficie plana de dos dimensiones, un objeto
real, una idea o un diseño de algo que aún no existe que pero por lo general tiene tres dimensiones. Este arte
se hace entender universalmente con líneas y representaciones geométricas que logran dar forma y
movimiento. Su historia se remonta a los principios de la humanidad, cuando aun no existía el lenguaje
tradicional y todo se comunicaba por medio de señas o pictogramas. Con el tiempo, cuando dejo de ser el
elemento básico para el entendimiento entre los hombres y la necesidad de dejar una constancia de su
existencia, el dibujo cobró dimensión artística y a partir de ese momento se toma como disciplina fundamental
de las llamadas bellas artes. De todos modos, este arte se ha desarrollado en función de las condiciones de
existencia de cada época, de cada cultura y de los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y
técnicas utilizadas por los artistas.
Los bocetos, apuntes y estudios que se conocen de Boticelli, Durero, Bounarroti, Da Vinci o Sanzio, quienes
destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo del dibujo. El que más se
destacó como dibujante durante el Renacimiento, por ejemplo, fue Leonardo da Vinci, quien a través del
dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos: Su obra está plagada de rasgos finos pero firmes para dar
expresión humana.
Sin embargo, el dibujo como técnica independiente no tuvo siempre valor en sí misma y en muchas épocas
quedó reducido solo aun medio auxiliar de la pintura, para tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios
de composición, perspectiva, movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.
*Es el arte de representar gráficamente las cosas de la naturaleza o figuras imaginarias por medio del lápiz.
En la actualidad y en términos generales, esta rama del arte es muy abarcadora y muy valorada y se clasifica
en dibujo artístico y dibujo técnico.
2.2 DIBUJO ARTÍSTICO
Es la representación de un objeto e ideas abstractas o filosóficas por medio de líneas que limitan sus formas
y contornos. Es una abstracción del artista que permite fijar la apariencia de la forma, debido a que el ojo
humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es la base de toda creación
plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y
sombras y luces. Se diferencia de la pintura porque en ésta última la estructura de los planos se logra
mediante masas coloreadas.
Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo, pero desde hace miles de años los
instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma con tinta, el carbón y el pastel. Sin embargo, en la
prehistoria, el hombre adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras que hacia con piedra, marfil o
hueso, utilizando objetos puntiagudos y calando. También muchas pinturas de esa era se hacían con los

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dedos embadurnados de cenizas, carbón o tinturas que extraían de los vegetales. Luego se construyeron
pinceles de plumas o de madera astillada.
Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar con una capa de estuco y después dibujaban con color
rojo y trazaban el contorno de la figura con negro. Así lograban que al contacto con los óxidos de la materia
colorante con el soporte se operara una reacción química que fijaba los pigmentos. Los romanos, en cambio,
emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple en los cuadros y la encáustica en retratos. En la Edad
Media, hubo muchos dibujos en mosaicos y en vidrio esmaltado cortados en pequeños trozos, sobre un fondo
dorado. Hasta esta época, las grandes pinturas se ejecutaban al temple, es decir, con pigmentos molidos y
un aglutinante (yema de huevo con agua). Más adelante, durante el Renacimiento, aparecen otros
instrumentos que perduraron hasta el siglo XX, así como las técnicas fueron perfeccionadas hasta lograr la
gran cantidad de elementos con los que cuenta hoy cualquier dibujante artístico para desplegar su arte,
incluyendo los programas informáticos.
División de Dibujo :
- Por su ejecución : - Croquis o Boceto : Dibujo rápido, simple y lineal
- Apunte : Dibujo sencillo con ligera sombra
y poco trazo
- Dibujo acabado.
- Por su modelado : - Bodegón
- Calco
- Paisaje
- Retrato
- etc
Elementos del Dibujo Artístico :
- La línea : Que diseña y determina la figura.
- La sombra : Que llena y da volumen a la
figura.
Materiales usados en el Dibujo : - Lápices ( duros y suaves)
- Grafitos
- Lápices de colores,
- Lapiceros
- Sanguinas
- Tizas pastel
- Óleos pastel etc.
2.3 DIBUJO TÉCNICO
Es el procedimiento utilizado para representar topografía, ingeniería, edificios y piezas de maquinaria a través
de un dibujo normalizado, a escala, y muy usado en la industria, la arquitectura y geología, entre otras
disciplinas. El fin del dibujo técnico es transmitir la forma y dimensiones exactas de un objeto mediante la
utilización de dos o más proyecciones, las cuales son diferentes vistas desde varios puntos que, si bien no
son completas por separado, entre todas representa cada dimensión y detalle del objeto.
La vista de un dibujo técnico es la vista frontal, que representa el lado de mayores dimensiones. Luego se
hace la vista desde arriba o planta. Si estas proyecciones no definen completamente el objeto, se pueden
añadir más, lateral derecha o izquierda, así como vistas auxiliares desde puntos específicos para mostrar
detalles que de otra manera quedarían ocultos y también secciones o cortes del dibujo de su interior.

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Tema Nº 3: TEORÍA DEL COLOR
2.1 EL COLOR
El color es un medio y material que siempre nos acompaña. Para percibirla necesitamos la presencia de la
luz.
Es un rayo de luz descompuesto.
Impresión que producen en el ojo los rayos de luz reflejados por un cuerpo.
Por otro lado hay que tener en cuenta que el color está íntimamente relacionado con la luz y el modo en que
esta se refleja. Podemos diferenciar por esto, dos tipos de color: el color luz y el color pigmento.
2.2 EL COLOR LUZ
Este pertenece a la disciplina científica dada por Leonardo
de Vinci y 2 siglos después por Isaac Newton. Este
concepto plantea que al descomponer la luz solar a través
de un prisma de cristal se revelan así los 7 colores
espectrales (rojo, anaranjado, amarillo, verde, celeste,
azul, y el violeta); de este fenómeno complejo nos dará la
luz blanca.
Decíamos en un epígrafe anterior que los bastones y
conos del órgano de la vista están organizados en grupos
de tres elementos sensibles, cada uno de ellos destinado a
cada color primario del espectro: azul, verde y rojo, del
mismo modo que una pantalla de televisión en color.
Cuando vemos rojo es porque se ha excitado el elemento
sensible a esta longitud de onda. Cuando vemos amarillo
es porque se excitan a un tiempo verde y el rojo, y cuando
vemos azul celeste (cyan), es que están funcionando
simultáneamente el verde y el azul (azul violeta).
Del mismo modo pueden obtenerse colores terciarios en
los que las tres luces primarias actúan a la vez en distintas proporciones y que hacen posible que, por
ejemplo, en un televisor en color se perciba una enorme cantidad de valores cromáticos distintos. Este
proceso de formación de colores a partir del trío básico azul, verde y rojo), es lo que se conoce como síntesis
aditiva, y en ella cada nuevo color secundario o terciario se obtiene por la adición de las partes
correspondientes de los tres fundamentales, siendo cada una de las sumas de color siempre más luminosas
que sus partes, con lo que se explica el que la mezcla de los tres permita la obtención del blanco, que es por
definición, el color más luminoso. En este caso de lo que estamos hablando es del color luz.
Sintetizando: Bastan tres colores (rojo, verde y azul) para obtener todos los demás mediante
superposiciones. Estos tres colores se denominan primarios, y la obtención del resto de los colores mediante
la superposición de los tres primeros se denomina síntesis aditiva. Con este proceso se obtienen los colores
secundarios: magenta (azul + rojo), cyan (verde + azul) y amarillo (verde + rojo).
Síntesis aditiva / Colores aditivos

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2.3 COMO SON PERCIBIDOS LOS COLORES DE LOS OBJETOS
Un cuerpo opaco, es decir no transparente absorbe gran parte de la luz que lo ilumina y refleja una parte más
o menos pequeña. Cuando este cuerpo absorbe todos los colores contenidos en la luz blanca, el objeto
parece negro.
Cuando refleja todos los colores del espectro, el objeto parece blanco. Los colores absorbidos desaparecen
en el interior del objeto, los reflejados llegan al ojo humano. Los colores que visualizamos son, por tanto,
aquellos que los propios objetos no absorben, sino que los propagan.
Absorción y reflexión
Todos los cuerpos están constituidos por sustancias que absorben y reflejan las ondas electromagnéticas, es
decir, absorben y reflejan colores.
Cuando un cuerpo se ve blanco es porque recibe todos los colores básicos del espectro (rojo, verde y azul)
los devuelve reflejados, generándose así la mezcla de los tres colores, el blanco.
Si el objeto se ve negro es porque absorbe todas las radiaciones electromagnéticas (todos los colores) y no
refleja ninguno.
El rojo de un cuerpo
El tomate nos parece de color rojo, porque el ojo sólo recibe la luz roja reflejada por la hortaliza, absorbe el
verde y el azul y refleja solamente el rojo. Un plátano amarillo absorbe el color azul y refleja los colores rojo y
verde, los cuales sumados permiten visualizar el color amarillo.

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2.4 EL COLOR PIGMENTO
Se refiere a la teoría del color desde el punto de
vista pictórico, sus mezclas pigmentos
(procedencias de los colores).
Por otra parte, cuando manejamos colores de
forma habitual no utilizamos luces, sino tintas,
lápices, rotuladores... en este caso lo que estamos
hablando es del color pigmento. Cuando hablamos
del color pigmento hablamos de síntesis
sustractiva, es decir, de pigmentos que aplicamos
sobre las superficies para sustraer a la luz blanca
parte de su composición espectral.
Todas las cosas (menos los medios
transparentes) poseen unas moléculas llamadas
pigmentos, que tienen la facultad de absorber
determinadas ondas del espectro y reflejar otras.
Sintetizando: Este proceso se denomina síntesis
sustractiva, y es más fácil prever el color
resultante (el azul + el amarillo originan el verde,
el rojo + el amarillo originan el anaranjado).
2.5 CLASIFICACIÓN DE LOS COLORES
• COLORES PRIMARIOS: Son los colores básicos que originan los demás colores. Estos colores no se
obtienen de ninguna combinación.
Estos son:
Amarillo Rojo Azul
• COLORES SECUNDARIOS: Son los colores que se obtienen de la
combinación de dos colores primarios.
Estos son:
Amarillo + Rojo = Anaranjado
Amarillo + Azul = Verde
Azul + Rojo = Violeta
Síntesis substractiva / Colores substractivos

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• COLORES INTERMEDIOS: Se llaman colores intermedios a los colores que resultan de la combinación
de color primario y un color secundario.
Estos son:
Amarillo + Verde = Amarillo verdoso
Amarillo + Anaranjado = Amarillo-anaranjado
Rojo + Anaranjado = Rojo anaranjado
Rojo + Violeta = Rojo violáceo
Azul + Verde = Azul verdoso
Azul + Violeta = Azul-violáceo
• COLORES CUATERNARIOS: Son los colores que resultan de la combinación de dos colores
intermedios siendo el resultado un color gris.

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• COLORES CÁLIDOS: Son aquellos colores que dan sensación de calor, luz, alegría y dinamismo así
también son más luminosos, transparentes, vibrantes y limpios. Ópticamente expresan cercanía o
saliente.
Estos son: Amarillo, rojo, naranjado y todas sus combinaciones.
CARACTERÍSTICAS:
-Positivos.
-Limpios, luminosos, transparentes y vibrantes
-Se asocia a la alegría y dinamismo.
• COLORES FRÍOS: Se llaman colores fríos a aquellos colores que dan sensación de frió, inspiran
tranquilidad, tristeza, re poso y dolor.; Ya que carecen de luminosidad y brillo. Ópticamente expresan
lejanía.
Estos son: Azul, Verde y Violeta y todas sus combinaciones.
CARACTERÍSTICAS:
-Negativos.
-Colores opacos y suaves.
-Se asocia a la tristeza y al dolor.

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• COLORES COMPLEMENTARIOS: Son los colores que se encuentran diametralmente en el lado
opuesto de un determinado color en el circulo cromático.
• COLORES ANÁLOGOS: Son los colores que el circulo cromático se encuentran a los costados de un
determinado color.
• TRIOS ARMÓNICOS: Se establecen dentro del círculo cromático formando triángulos equiláteros.
• TONO: Se denomina tono a la distinta graduación de un color cuyos valores oscilan desde el casi
blanco a la saturación de dicho color, o sea a su estado puro (incluido el negro).
• GAMA: Está formado por la escala o graduación de colores de la misma familia: Así se dice gama de
azulados, gama de rojizos, cuando en su composición entran los colores en distintas variedades.

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• COLORES NEUTROS: Aquí están el blanco y el negro, estos colores resultan de la combinación de
prácticamente todos los colores incluidos por adición el color blanco; suelen emplearse para resaltar
por el contraste las característica de otros tonos, y son sobrios y mesurados (cafés y beige).
2.6 EL CÍRCULO CROMÀTICO
Es un instrumento que nos permite visualizar el comportamiento simple de los colores.

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2.8 EXPRESIÓN DEL COLOR
El color como expresión guarda estrecha relación con la vida del hombre, su naturaleza, su mundo
psicológico y su medio en que se desarrolla, las variaciones del carácter del hombre también están
estrechamente relacionadas con la edad cronológica, variando desde los colores vivos de la juventud hasta
los colores tranquilos de la edad madura.
El color puede revelar muchas cualidades psicológicas del hombre y esta relación de color y hombre nos
permite llegar a la comprensión de nuestro carácter y el desarrollo equilibrado de la sensibilidad.
• ROJO: Color de la alegría, la pasión, agresividad, las personas que gustan de este color son fácilmente
irritables, extrovertidas y realistas. El rojo simboliza fuego, fuerza, movimiento, pasión, poder etc.
• AMARILLO: Color semejante al oro y al sol, color de la acción y la vida; las personas que gustan de este
color tienen el afán de prestigio y figuración, tratan de impresionar a las personas así también son de
trato delicado y modales agradable. Así mismo denota la cobardía, rebeldía, envidia etc.
• VERDE: El verde se asocia con la naturaleza, representa los primeros años de la vida y de la juventud;
Personas apacibles, tranquilas, preocupadas mas por lo espiritual.
• AZUL: Personas moderadas, confían en si mismo, serios. El color azul simboliza el espacio, la verdad y
sabiduría.
• VIOLETA: Color místico, misterio profundo.
• ANARANJADO: Manifiesta comportamiento emocionalmente libre.
• MARRÓN: Representa el egocentrismo, resistencia, minuciosidad, personas que viven preocupadas por
el orden y gustan de las confidencias.
• NEGRO: Las personas que gustan de este color generalmente son introvertidos, entran en conflicto
consigo mismo. El color denota seriedad y elegancia.
• BLANCO: Representa pureza, limpieza y la paz.
• GRIS: Denota tranquilidad, sensibilidad y sobriedad.
Los psicólogos demuestran que todo hombre posee una escala de colores propia y que en ellos puede
expresar su humor, su propio temperamento, su imaginación y sus sentimientos. Está también demostrado
que el hombre a su vez es influido por los colores en todo su estado.
No obstante debemos observar que por muy importantes que sean las relaciones entre sensación y color,
resultan excesivamente personales y subjetivas.
ROJO. Es un color que parece salir al encuentro, adecuado para expresar la alegría entusiasta y
comunicativa. Es el más excitante de los colores, puede significar: PASIÓN, EMOCIÓN, ACCIÓN,
AGRESIVIDAD, PELIGRO.
AZUL. Es un color reservado y que parece que se aleja. Puede expresar: CONFIANZA, RESERVA,
ARMONÍA, AFECTO, AMISTAD, FIDELIDAD, AMOR.
VERDE. Reservado y esplendoroso. Es el resultado del acorde armónico entre el cielo -azul- y el Sol -
amarillo- . Es el color de la ESPERANZA. Y puede expresar: NATURALEZA, JUVENTUD, DESEO,
DESCANSO, EQUILIBRIO.
AMARILLO. Irradia siempre en todas partes y sobre toda las cosas, es el color de la luz y puede significar:
EGOÍSMO, CELOS, ENVIDIA, ODIO, ADOLESCENCIA, RISA, PLACER.
ANARANJADO. Es el color del fuego flameante, ha sido escogido como señal de precaución. Puede
significar: REGOCIJO, FIESTA, PLACER, AURORA, PRESENCIA DE SOL.
ROSA. El dicho popular: "lo ves todo de color de rosa", refleja fielmente su significado: INGENUIDAD,
BONDAD, TERNURA, BUEN SENTIMIENTO, AUSENCIA DE TODO MAL.

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VIOLETA. Es el color que indica ausencia de tensión. Puede significar: CALMA, AUTOCONTROL,
DIGNIDAD, ARISTOCRACIA y también VIOLENCIA, AGRESIÓN PREMEDITADA, ENGAÑO.
BLANCO. Es la luz que se difunde (no color). Expresa la idea de: INOCENCIA, PAZ. INFANCIA, DIVINIDAD,
ESTABILIDAD ABSOLUTA, CALMA, ARMONÍA. Para los Orientales es el color que indica la muerte.
NEGRO. Es lo opuesto a la luz, concentra todo en si mismo, es el colorido de la disolución, de la
SEPARACIÓN, de la TRISTEZA. Puede determinar todo lo que está escondido y velado: MUERTE,
ASESINATO, NOCHE. También tiene sensaciones positivas como: SERIEDAD, NOBLEZA, PESAR.
GRIS. Es el color que iguala todas las cosas y que deja a cada color sus características propias sin influir en
ellas, puede expresar: DESCONSUELO, ABURRIMIENTO, PASADO, VEJEZ, INDETERMINACIÓN,
DESANIMO.

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ACTIVIDAD
1. Luego de haber leído la primera unidad, responder:
- ¿Qué es el estilo?
- ¿Qué relación existe entre la obra de arte y su creador?
- ¿Qué es la técnica?
- ¿Cómo se relaciona con el estilo?
- ¿Qué relación hay entre arte y técnica?
- ¿Por qué la técnica y el estilo pautan el proceso histórico del arte?
- ¿Cuál es la diferencia entre l dibujo artístico y el dibujo técnico?
- ¿Qué es el color?
- ¿Cuál es la diferencia entre el color luz y color pigmento?
- ¿Cómo se obtienen los colores primarios, secundarios e intermedios?
- ¿Cuáles son los colores cálidos?
- ¿Cuáles son los colores fríos?
- ¿Cuáles son las características de los colores cálidos?
- ¿Cuáles son las características de los colores fríos?
- ¿Qué son los colores complementarios?
- ¿Qué son los colores análogos?
- ¿Cómo se establecen los tríos armónicos?
2. Elabora un organizador con los principales conceptos de esta primera unidad.
3. Investigue y aporte nuevos ejemplos a los ya dados. Si es necesario, elabore un glosario de
términos.

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SEGUNDA UNIDAD
Tema Nº 4: PINTURA
4.5 LA PINTURA
Es la rama de las artes plásticas que se ocupa de combinación y aplicación artística de los colores.
La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas de las Bellas Artes. En la estética o
teoría del arte modernas la pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las
creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte
físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas
digitales.
La pintura es sin duda la manifestación artística que mejor conoce la humanidad y que es más popular y
apreciada a lo largo de la historia. Contribuye a este fenómeno su inclusión mayoritaria en los grandes
museos así como en las casas particulares, donde pueden encontrarse siempre más cuadros que esculturas,
por ejemplo. Sin embargo, todo esto en la pintura es paradoja ya que muchas veces su lenguaje y
apreciación queda para los especialistas y parece ser complejo darle su verdadera valoración a cada obra.
Esto sucede porque el objeto artístico en general, y lo pictórico en particular, se analizan desde el punto de
vista formal o plástico, así como desde el de su contenido y significado. Ambos aspectos precisan de una
información previa basada en la composición, técnicas, estética y comprensión del significado del tema.
El conocimiento de la historia del arte es una condición indispensable para no caer en errores al juzgar la
pintura, ya que hay que situarse en el espacio y el tiempo en que la obra fue realizada para tener una idea
cabal de su dimensión y valor artístico. Por supuesto, esto también dará una idea para la mejor interpretación
del tema que aborda la pintura, así como las técnicas utilizadas y la idea de la estética. En este sentido, el
arte abstracto, al formularse únicamente en términos plásticos, ha ayudado a comprender la forma por
encima de cualquier otra valoración, enseñando que una composición no es buena o mala en función del
tema sino en función de la buena adecuación plástica al contenido de la obra. El arte abstracto es la
depuración de la pintura porque formula ideas a través de formas absolutamente plásticas. En la percepción
visual de una pintura se habla de la vida de las formas, su espíritu o su contenido porque en ellas esta el
significado que hace variar la comprensión del cuadro. El pintor, a través de la composición, introduce al
espectador en el tema de diversas maneras. De esta forma, la pintura se convierte en una realidad nueva,
con su propio lenguaje y su propia vida interna.
Materiales usados en la Pintura: Témperas, acuarelas, óleos, acrílicos, tierras de color etc.
4.2 HISTORIA DE LA PINTURA
La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e incluye todas las
representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coincide con la historia del arte en su
contexto histórico y cultural.
El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se concentra sobre todo, en ciertas regiones pirenaicas
pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino, en muestras inferiores se
han encontrado en Portugal, Norte de África, Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas
conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia, fechada por algunos historiadores de unos
32.000 años, de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense, fueron realizadas con ocre de arcilla,
rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . También cabe destacar las cuevas de Lascaux y
Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a
menudo en aptitud de caza.
Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5.000 años son escenas
de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño
de las figuras como rango social. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios
principales y entre las mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. En la época
paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de
Jesús como el «Buen Pastor», eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador, este

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estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. La pintura románica se desarrolla entre los siglos
XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña, la mayoría de las veces
eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del
Pantocrátor, la Virgen María y la vida de santos. En pintura gótica además de los temas religiosos se
representan temas laicos principalmente en Francia e Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.
En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica, se desarrolló la perspectiva lineal y el
conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura, también en esta época apareció la
técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci, Miguel
Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano. En la obra de La Gioconda descollan las nuevas técnicas empleadas por
Leonardo, el sfumato y el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los
frescos de la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de
Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck. En Alemania sobresalió el pintor y
humanista Durero
El inicio del siglo XX se caracteriza por la
diversidad de corrientes pictóricas: el Fauvismo, que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores
violentos; el Expresionismo, que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad; el
Cubismo con Georges Braque y Picasso, con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos
de vista bidimensionales; y la pintura abstracta, heredera del cubismo. El expresionismo abstracto se
desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950, el Pop art llegó un poco después, con un conocido
exponente en Andy Warhol. El minimalismo se caracteriza por la búsqueda de la máxima expresión con los
mínimos recursos estéticos. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando
en una amplia variedad de estilos y gran estética
Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través
de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de
las obras de arte. Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC)
afirmaron que el arte es siempre una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa
y su buena representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real. Vitrubio en la segunda
parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con comida y de otras salas
con paisajes o escenas mitológicas.
4.3 GÉNEROS PICTÓRICOS
LA GIOCONDA
LA OBRA MÁS FAMOSA DE TODA LA HISTORIA.
Está pintada entre 1503-1506, sobre una delgada tabla
de madera de álamo, extraordinariamente frágil. Se
conserva en el Museo del Louvre en una urna de cristal
a prueba de balas (Hay quien afirma que soportaría el
impacto de un misil). Leonardo preparó minuciosamente
la tabla, con múltiples capas de enlucido. Dibujó el
motivo del cuadro y después aplico el óleo, sabiamente
diluido en aceite esencial. Ello le permitió aplicar
innumerables capas de pintura en forma de veladuras,
con finas pinceladas imperceptibles que magistralmente
aplicadas hacen tan real a este cuadro. La técnica se ha
dado en llamar "Sfumato" .Consiguiendo un difuminado
de los contornos de la figura, jugando con luces y
sombras que dotan al personaje de relieve y de misterio.
La figura de la modelo adquiere una humana vitalidad,
con una inefable expresión en el rostro, que parece
observarnos y meditar. Las manos parecen dotadas de
movimiento.
El paisaje se pierde en la lejanía, diluyéndose en la
nada, como sucede en la observación de la realidad.
Esta técnica permite una ejecución perfecta de las
carnaduras, gracias al tratamiento refinado de la figura,
que está sumida en un claroscuro ambiental.

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En el renacimiento, León Battista Alberti quiso elevar el grado de «artesano de la pintura» al de «artista
liberal» afirmando: «El trabajo más importante del pintor es la istoria», con la palabra historia se refería a la
pintura narrativa, con escenas religiosas o épicas « ... la que retrata los grandes hechos de los grandes
hombres dignos de recordarse difiere de la que describe las costumbres de los ciudadanos particulares, de la
que pinta la vida de los campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios
públicos y residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines...»
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunque no se perdiera la
monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas más comerciales y en otros formatos más
manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros pictóricos y su especialización por parte de los
artistas. En la Italia central se continuó haciendo pintura histórica, los pintores de la parte norte de la
península itálica realizaban retratos y los de los Países Bajos realizaron la pintura de género a pequeña
escala presentando la vida campesina, el paisaje y la naturaleza muerta. En 1667, André Félibien
historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés, en un prólogo de las Conferencias de la Academia
hace una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y
los frutos».
Pintura histórica
La pintura histórica era considerada grande genre e
incluía las pinturas con temas religiosos, mitológicos,
históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una
interpretación de la vida y mostraba un mensaje
intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus
Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of
Arts entre 1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte
es despertar la imaginación... De acuerdo en
correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte
del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética.
(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la
estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza
para su obra ». Aunque Nicolas Poussin fue el primer
pintor que realizó este género en formato más reducido,
esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en
1656 realizó Las Meninas con un tamaño que
demuestra simbólicamente que este retrato de la familia
real entra dentro del género de la pintura histórica,
mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica
de 1937, también emplea una gran dimensión para esta
pintura histórica.
Retrato
Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación
ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a
semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de
glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha
representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió,
entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy,
persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos,
corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata
a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrandt exploró en este
sentido con sus más de sesenta autorretratos. El artista en general
intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones:
«La única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la
expresión del carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o
accidental. En la técnica del óleo fue Jan Van Eyck uno de los
primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un
ejemplo de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el
renacimiento, representaron el estatus y éxito personal del retratado,
sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero. En España
descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los
impresionistas franceses también practicaron este género, Degas,
Monet, Renoir, Vincent Van Gogh, Cézanne etc. En el siglo XX,
Matisse, Picasso, Modigliani, Francis Bacon o Andy Warhol.
La Libertad guiando al pueblo, por Eugéne
Delacroix, 1830, óleo sobre lienzo, 259 × 325
cm. Museo del Louvre, París.
Autorretrato de Van Gogh

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La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los
hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y
contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura
costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron
en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más
destacados se encuentran Pieter Brueghel el Viejo y
Pintura de género
Vermeer.
No se sabe con seguridad si se trata de simple representación
de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces
cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de
los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el
cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención
satírica o moralizante en obras como las de William Hogarth o
Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó
con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco
de Goya reflejó, en varias obras de cartones para tapices, las
fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo escenas de
género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-
Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de
pinturas idealizadas de la vida diaria.
Paisaje
En China y Japón son los países donde, desde el siglo
V, se encuentran pinturas con el tema del paisaje. En
Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como
fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y
farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI,
cuando con la aparición del coleccionismo se empezó
a pedir temas de cuadros campestres y a designar
como especialistas a los pintores del norte de Europa.
Así de una manera específica se impuso el tema del
«paisaje holandés», que se caracteriza por su
horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con
motivos típicos holandeses como los molinos de viento,
ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos
de Giorgione y sus discípulos son con una apariencia
lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de
pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo el
siglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son
vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando
a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con
minuciosidad los canales, monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la
figura humana, generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente.
Naturaleza muerta
Es el género más representativo de la imitación de la
naturaleza de objetos inanimados, en general de la
vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios
de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir,
que es el menos literario de todos los temas. Su
origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la
decoración de grandes salones, como los frescos
romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los
artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en
el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en
el arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La
carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo
Annibale Carracci y Caravaggio representaron
magníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII
evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón,
llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos
musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y
Pintura de género: Boda campesina
(1568) por Pieter Brueghel el Viejo.

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símbolos como libros, cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los
placeres de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con la
llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal
entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante
el cubismo pintaron también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque y
Juan Gris.
Desnudo
El desnudo es un género artístico que
consiste en la representación del
cuerpo humano desnudo. Es
considerado una de las clasificaciones
académicas de las obras de arte.
Aunque se suele asociar al erotismo, el
desnudo puede tener diversas
interpretaciones y significados, desde la
mitología hasta la religión, pasando por
el estudio anatómico, o bien como
representación de la belleza e ideal
estético de perfección, como en la
Antigua Grecia. El estudio y
representación artística del cuerpo
humano ha sido una constante en toda
la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las culturas donde
más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un
ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta
nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y
el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados
en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más
antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o
históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo,
cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus
cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial
4.3 TÉCNICAS PICTÓRICAS
LA ACUARELA
La acuarela, como su nombre lo dice viene de
"Aqua" =agua. Por lo tanto los colores son
disueltos con agua.
Los pigmentos son aglutinados con goma
arábiga que se obtiene de la acacia y tiene un
proceso de endurecimiento, formando las
pastillas de acuarela y que son soluble al agua.
La acuarela se aplica sobre un papel especial,
poroso.
Se trabaja en pequeños formatos y su uso es
muy antiguo. Ya se usaba en Egipto y en los
dibujos orientales.
La acuarela no admite correcciones por lo que
hay que tener muy claro lo que se va a hacer.
La gracia de la acuarela son sus transparencias, así que se debe evitar ensuciar el trabajo. Los fondos se
trabajan con acuarela bastante diluida en agua y se deja inclinada para que el color escurra hacia abajo
formando bellas degradaciones.
Los colores se van aplicando con pinceladas horizontales. Los primeros planos se trabajan una vez seco el
fondo y con pintura menos diluida.

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Acuarela Húmeda:
Se trabaja en húmedo dando distintos
pincelazos de colores, cuidando de no
ensuciar el trabajo, pues se puede
estropear fácilmente. De esta manera se
obtienen bellos trabajos abstractos.
Acuarela seca:
Se trabaja superponiendo capaz de
color, dejando secar cada una antes de
poner otra. Finalmente se dan los
colores más intensos.
Generalmente se usan las dos técnicas,
la húmeda para los fondos y la seca para
los detalles y primeros planos.
La superposición de colores tiene mucha
importancia en la acuarela. El color que pongamos de fondo, tendrá incidencia en todos los colores que
superpongamos.
En las superposiciones, debemos colocar primero un color cálido y sobre él, un frío como por ejemplo: para
hacer un violeta, primero pongo el rojo y luego el azul. Si lo hacemos al revés se ensucian.
No todas las mezclas de colores resultan buenas, para eso debemos practicar antes, con combinaciones de
colores, para saber como aplicarlos.
Debemos tener presente.
• Los colores son influenciados por los colores que lo rodean.
• La luminosidad se consigue con pocas pinceladas de color.
• Alejarse del trabajo de vez en cuando para ver su colorido en general.
Equilibrar los colores cálidos con los fríos, si por ejemplo tenemos una luz cálida, la sombra la ponemos fría y
viceversa.
PINTURA AL ÓLEO
¿Cómo está compuesto el óleo que usamos para pintar?
La pintura al óleo disuelve los pigmentos con
aceite, siendo usado desde el siglo XV y se le
atribuye a Van Eyck, su invención.
Los soportes más usados son las telas y tablas
imprimadas, aunque se puede usar sobre
cualquier superficie imprimada.
Las telas usadas para tal caso son el lino, el yute
y el algodón. Dando estas, diferentes texturas a
la pintura.
La tela es el soporte más liviano para trasladar y
es por eso que es el más usado por los pintores.
Como hemos dicho, todas estas telas necesitan
una preparación, que llamamos imprimación y que ya hemos visto su proceso. Es muy importante, ya que de
eso depende un buen trabajo, una buena luminosidad de la obra y su resistencia al deterioro del tiempo.
Los aglutinantes del óleo:
En la técnica del óleo se usa el aceite y las resinas, como aglutinante. Las resinas ayudan al secado del
aceite y evitan la rugosidad que produce este al secarse y las contracciones de la pintura.

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Los aceites usados más corrientemente son el de linaza, obtenido de las semillas del lino y tiene un alto
poder secante. El aceite de nuez, que se logra al prensar nueces maduras y el aceite de adormidera que
proviene de la planta del mismo nombre. Las dos últimas tienen la cualidad de no amarillear la pintura.
Las esencias como la trementina, se evaporan rápidamente y producen delgadas capaz de pintura. Esta se
obtiene del bálsamo destilado del pino y del alerce y se llama esencia de Venecia.
Las esencias pueden ser duras, como el Copal y el Dammar. Podemos usar una combinación de ambos para
un resultado equilibrado.
Por lo que se recomienda usar buenos óleos y mediuns para hacer un trabajo luminoso y más duradero. De
ellos depende también un acabado más brillante (usando aceites) o más satinados (usando esencias).
No debemos olvidar el cuidado de nuestros pinceles, los cuales debemos remojar en aguarrás, secar y lavar
con un detergente para la loza, que es más desengrasante. Secamos y guardamos en un baso alto para su
secado.
LA TÉCNICA DE LA VELADURA AL ÓLEO
La veladura consiste en pasar una delgada capa de
pintura transparente, sobre otra capa gruesa de
pintura ya seca y el objeto es cambiar el color.
La pintura para dar estas veladuras se prepara con
un color de óleo diluido en bastante medium.
Las veladuras se usan desde hace siglos. Los
renacentistas la utilizaban usando varias capas de
veladura una sobre la otra una vez seca, logrando
colores muy luminosos. Puesta de esta manera la
veladura conseguía mezclar los colores por capas
osea, sobre una veladura amarilla seca,
se ponía una capa de veladura azul, logrando así un
verde.
Rembrant uso esta técnica con gran maestría
sobretodo en los retratos logrando grandes efectos
luminosos, que no se podrían lograr de otra forma.
La mezcla para la veladura se logra diluyendo la pintura en bastante medium, hasta que quede muy
transparente. Requisito es que la pintura de una capa seque bien antes de poner otra y tener bastante
conocimiento sobre la mezcla colores.
LOS ACRÍLICOS
Los acrílicos, son un tipo de pintura que contiene los mismos pigmentos que el óleo pero disueltos en un
aglutinante acrílico, que se compone de ácido acrílico.
Las ventajas del acrílico son que seca rápidamente y su
acabado puede ser mate o brillante según le pongamos más o
menos medium acrílico.
También podemos añadir más capaz de pintura sobre una
superficie ya pintada.
Los empastes son más resistentes que el óleo. Resiste mejor
la oxidación y en general se conserva mejor a través del
tiempo.
El uso del acrílico es el preferido del Arte Contemporáneo. Desde la época de los 50, es usado
principalmente por los artistas americanos expresionistas como Pollock, entre otros.
Puede usarse en cualquier superficie como tela, cartón, madera, papel, incluso metales etc. con una
imprimación acrílica o sin ella.

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Hay varios tipos de Mediums que dan diferentes acabados a la pintura, más brillante, más mate o más
transparente.
Gel: Da un acabado parecido al óleo y da volumen a la pintura.
Pasta densa: Un gel que se le ha añadido pasta de mármol y arena pulverizada, produciendo una textura
regular a la mezcla.
Retardador de secado: Usado para alargar el tiempo de secado de la pintura.
Fluidificador: Sirve para adelgazar la pintura y hacer que corra mejor.
Transparentador: Se utiliza para hacer veladuras.
También se puede usar agua para disolver el acrílico, teniendo cuidado en la cantidad, pues si se le pone
mucha, retarda el secado y pierde las propiedades sellante, que protege de la acción del tiempo, luz y agua
entre otras.
Los pinceles usados con pintura acrílica deben lavarse luego de usados con agua caliente.
PINTURA AL TEMPLE
Es una técnica pictórica, en la cual se usan los pigmentos disueltos (templados) con huevo. Es la técnica más
antigua que se conoce. Se uso en Egipto y Babilonia.
La pintura al temple también llegó a Italia en los siglos XIII y XIV, fué usado por
Giotto y sus contemporáneos.
El temple se usa sobre una delgada capa de yeso que al secarse la incorpora a
ella y se unen perfectamente.
Generalmente se usan sobre paredes de piedra.
Para trabajar sobre una madera habrá que hacer una trabajosa preparación. Se
rellenan los huecos o surcos de la madera con cola mezclada con aserrín.
Se pega una tela a la tabla con cola. Finalmente se da una mano de yeso espeso
para luego dar una delgada capa de gesso, que era muy suave y absorbente sobre
la cual se pintaba y obligaba a trabajar con rapidez y precisión.
Fue dejada a un lado por la pintura al óleo en el siglo XV.
EL FRESCO
Es una pintura realizada sobre una superficie de piedra o ladrillo, cubierta con una delgada capa de yeso,
(arricio) dejándola muy lisa, en la cual se va aplicando cal apagada y polvo de mármol (intonaco) y se pinta
sobre él mientras este húmedo.
La pintura consta de pigmentos disueltos en agua
pura y quedan incorporados a la base cuando se
seca y de ahí su durabilidad. Una vez absorbido los
colores no se pueden corregir. Los colores se
restringen a los de origen mineral.
El Fresco seca en 24 horas por lo cual se debe
trabajar rápido y ser muy preciso ya que al secarse
no admita más pintura, por lo que hay que recurrir al
temple para añadir cualquier detalle o retocar.
Tiene un inconveniente y es que el color cambia de
cuando se pone a cuando seca, por lo que el artista
debe tener en cuenta este importante detalle.

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Podemos ver frescos en la capilla Sixtina
pintados por Miguel Ángel.
Algunos que también usaron esta técnica son
entre otros, Botticelli, Perugino, Ghirlandaio.
Algunos Murales en Chile:
Muerte al invasor (fragmento)
Escuela México de Chillán
David Alfaro Siqueiros
ENCÁUSTICA
Esta palabra deriva del griego
enkáustikos (grabar a fuego). Es una
técnica de pintura que se caracteriza por
el uso de la cera como aglutinante de los
pigmentos. Es una técnica muy antigua,
usada ya por Vitruvio, arquitecto e
ingeniero romano (70 - 25 aC).
Esta mezcla es muy cubriente, cremosa y
densa. La pintura se aplica con pincel o espátula, en caliente, sobre tela,
madera u otra superficie.
La mezcla está compuesta por cera de abeja y la resina, dammar. Con esta
mezcla se pintan los temas y gracias a su densidad se pueden hacer
relieves y texturas. Es de secado muy rápido.
El acabado consiste en aplicar una capa de cera caliente sobre la pintura
realizada, en este caso se está usando como protección. Una vez seca dicha
capa se pule muy bien con trapos de lino, secos. A este proceso se le llama
incautización.
Sus características:
• Se puede mezclar la cera con todos los colores.
• Tiene una alta durabilidad y protege del agua.
• No amarillea con el tiempo.
• Le da transparencia al trabajo.
• Los colores brillan y no pierden el color.
Preparación:
Se derrite primero la cera de abeja y una vez disuelta se echa la resina
dammar, que demora más en derretirse que la anterior. Esto se hace a
fuego lento sobre una hornilla.
Cuando todo esté líquido se mezcla con los colores y se aplica sobre la
superficie a pintar.
PINTURA AL PASTEL
En un principio el pastel estaba estrechamente ligado al dibujo, usándose
como un medio rápido para colorearlo. Pero a lo largo del tiempo fue
conquistando un lugar, como un medio pictórico con personalidad propia, o

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sea una técnica aparte.
El pastel toma su nombre de la pasta que se forma
al mezclar los pigmentos con goma.
Ya en el siglo XVIII, fue ampliamente usado por los
pintores.
Esta técnica resulta atractiva, por la luminosidad e
intensidad de sus colores, gracias a la gran cantidad
de pigmento puro contenido en cada barra de color.
Su uso es fácil, ya que no requiere de paleta,
diluyente o pinceles. También por tratarse de una
técnica seca, no se requiere esperar a que se
seque, por lo que es muy rápida su ejecución.
Esta técnica nos permite también hacer veladuras,
empastes y colores saturados.
Los pasteles están compuestos por pigmento puro ,
yeso y cola. Con esta pasta se forman las barritas,
dejándolas secar.
La calidad de ellas depende de su composición. Los
pasteles más finos no llevan yeso, por lo que al ser pigmento solo son más cubrientes, los colores más puros
y brillantes, permitiendo al pintor lograr obras más luminosas y de bellos colores,
El soporte usado para la pintura al pastel es un papel granuloso, especial para adherir el pigmento y que no
caiga. Los más usado son los papeles Canson e Ingres.
El papel se presenta en un solo color y hay gran variedad de ellos. El color del papel actúa como fondo e
influye en la obra.
Cuando iniciamos una pintura debemos ver que el color del papel sea relacionado al tema. Por ejemplo
usamos un gris-azulado para una marina y los colores cálidos, como los sienna y también los grises pálidos,
para los retratos.
Tema Nº 5: EL ARTE DE HOY
5.1 EL CUBISMO
El cubismo es el movimiento más significativo y
transcendente de la historia de la pintura occidental desde el
Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética
clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de
observar la naturaleza. Su visión del arte es tan
radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del
arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza
cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras
anteriores se mirarán de otra forma.
Picasso está en el origen de la creación del cubismo y es su
representante pictórico más destacado. Pero también es su
inventor teórico, junto con Georges Braque y Juan Gris. Sus
planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un
nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva
relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador
no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que
debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La
pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad
según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en
creador. La nueva estética se desliga completamente de la
interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que
significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como
medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la

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naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de
forma geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir
la recomposición mental de la figura.
El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la
pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con
el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los
tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la
concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de
arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc.
Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple
vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son
producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.
El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición
renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las
características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con
la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la
representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo
significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo
tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los
ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro.
La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y
eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.
Etapas del cubismo
En el cubismo se distinguen, tradicionalmente, tres etapas o estilos: cezaniano, analítico y sintético.
El cubismo cezaniano se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas
puras. Se trata más de un protocubismo que una nueva estética.
El cubismo analítico se caracteriza por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes,
todas ellas geométricas. Su objeto es conocerlas, examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más
puro y el de más difícil comprensión. Es la auténtica la estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje.
El cubismo sintético se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndola a sus
formas geométricas más puras. No es un cubismo simplificador, pero sí de más fácil lectura. Está altamente
estructurado y se potencian las partes más significativas, o que se quiere resaltar.
Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o Sección de Oro), que
pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en los ritmos como en las
proporciones de la descomposición cubista; el orfismo es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños
extraños, está muy cerca de la abstracción pura; y por último está el purismo de la Bauhaus que reaccionó
contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas. Del cubismo surge una nueva
técnica pictórica: el collage, al pegar en los cuadro trozos de realidad que facilitan su lectura, también la
inventa Picasso. Con el collage la palabra impresa entra a formar parte de la obra de arte. Pero el cubismo
es, ante todo, la estética que da el paso definitivo hacia la abstracción pura.
Este movimiento se llamó así, porque los artistas utilizaban sobre todo en sus dibujos las formas geométricas.
¿Qué querían expresar los cubistas con sus dibujos llenos de cuadrados, rectángulos y círculos? Pues
simplemente una nueva dimensión de los objetos. Las dimensiones que conocemos son tres: largo ancho y
alto, pero ellos querían representar una más la cuarta. ¿Pero cómo, si el ojo humano no la veía? Pues,
imaginando lo que se vería por dentro, o lo que se vería detrás de las figuras.
Para esta tarea utilizaban solo los colores grises, blancos y verdes claros.
El cubismo lo que hacia era descomponer las formas conocidas de la naturaleza y volvía a componerlas en
figuras simples, planas y geométricas y de esa manera obtener una creación propia y original.
ARTISTA REPRESENTATIVO:
-Pablo Picasso -La Guernica, Los tres músicos, Las señoritas de Avignon, Joven ante espejo.

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5.2 EL EXPRESIONISMO
Fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios
del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de
campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro,
danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el
terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la
aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos
movimientos artísticos en los primeros exponentes de las
llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con
características propias comunes fue un movimiento
heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte
que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas
y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como
reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el
carácter positivista de este movimiento de finales del siglo
XIX los expresionistas defendían un arte más personal e
intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la
“expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la
“impresión”–.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación
de la realidad para expresar de forma más subjetiva la
naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión
de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la
realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es
extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra
de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya.
Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” –en minúsculas– como término genérico y
“Expresionismo” –en mayúsculas– para el movimiento alemán.
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que
invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra
Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente
de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El
expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el
apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó
reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los
medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior.
Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y
la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al
mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica"
por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de
Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado
pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve
alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su
lado más emotivo e interior.
El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo
modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto
(Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas
europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). En
Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue
Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo. Después de la Primera
Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo
expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen
herederos directos de la primera generación expresionista
El expresionismo movimiento pictórico que nació en Alemania en 1905.
Es arte eminentemente religioso, social y humano, caracterizado por un profundo sentimiento de
consideración hacia los hombres frente a la dura realidad de la vida moderna
Utilizan al hombre como sujeto primordial de su temática presentándolos en circunstancias trágicas, al
hombre enfermo, en angustia, en dolor, en sufrimiento, etc.
Para eso deformaban y retorcían sus figuras con trazos gruesos y pastosos de preferencia negros.
ARTISTA REPRESENTATIVO:
-Eduard Munch - “El Grito”

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5.3 LA ABSTRACCIÓN PURA
La abstracción pura, o no figurativa, es, probablemente, el culmen
ideal del arte. En el fondo, toda representación artística es una
abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo
elemento que vincule la obra con el mundo natural, para quedarse
exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.
La abstracción pura se enfrentó, y se enfrenta, a la incomprensión
de la sociedad muchos más que los más radicales provocadores, y
es que no tenia referentes históricos, era algo totalmente nuevo y
opuesto al concepto de arte surgido en el Renacimiento, e incluso en
la Antigüedad clásica. Se trata de un movimiento que simplifica las
formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más
puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya
referencias con la realidad. La obra de arte debe ser bella por sí
misma, como objeto. El concepto de belleza y de obra de arte ha
cambiado definitivamente.
Wasilly Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto.
Escribe De lo espiritual en el arte, donde expone sus ideas. Es una
auténtica reflexión sobre el arte, lo que es el arte y lo que es la obra de arte, y una declaración de principios.
Su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador, en el que deben actuar solo los
sentimientos, pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que imitarán, frecuentemente,
los demás pintores. Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación, Juicio universal; amarillo,
rojo, azul.
Después de todos los movimientos artísticos que se llevaron a cabo a principios del S. XX apareció el arte
abstracto, que consistía en quitar todos los elementos que se parecieran a la realidad, y representar los
sentimientos del artista, a través de combinaciones de colores, líneas, manchas, etc.
Este arte se fundamenta en el criterio de la supremacía de lo espiritual sobre lo real. Kandinsky, su creador
no concibe que el arte, pueda estar limitado por la forma o visión real de los objetos. Más bien propugna en
sus teorías y en sus obras, la total independencia de la forma artística en relación con la forma real.
ARTISTA REPRESENTATIVO
-Wasilly Kandinsky Improvisaciones.
5.4 EL SUPERREALISMO O SURREALISMO
Se ha descrito el surrealismo, o superrealismo, como
la creación de la irracionalidad, los sueños y los
instintos como motivo de inspiración para el artista.
Podemos encontrar antecedentes inmediatos del
surrealismo en los caprichos de Goya, en la
interpretación de los sueños y el psicoanálisis de
Sigmund Freud, y en el arte de los niños, los locos y
los primitivos aborígenes. Pero también a lo largo del
arte occidental, en las figuras fantásticas medievales,
en el Bosco o en Valdés Leal y, por supuesto, en la
pintura metafísica.
Los surrealistas intentan sobrepasar lo real
impulsando, con automatismo psíquico, lo
imaginativo y lo irracional. Crean un mundo fantástico en el que las leyes de la ciencia y la representación de
la realidad no tienen cabida. Se considera a André Bretón como el creador del movimiento surrealista,
principalmente por sus aportaciones teóricas. Es él quien en 1924 escribe el primer manifiesto surrealista y
organiza a una serie de pintores y escritores como grupo.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, del dictado del pensamiento subconsciente con
exclusión de todo control ejercido por la razón, al margen de cualquier preocupación moral o estética.

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Movimiento artístico literario surgido en Francia en la década de 1920.
Reacciona contra el cubismo y la abstracción.
Se propone la renovación artística y social mediante la interpretación de nuestro mundo subconsciente por
medio de formas reales o de apariencia real.
Los artistas surrealistas lo que hacían era usar su imaginación y fantasía para realizar obras con exacta
precisión, cosas y escenas que no eran reales o imposibles por lógica existir, mundos extraños, aves de
piedra volando, relojes colgados como si fueran de tela etc. Parecido a las películas de ciencia ficción.
ARTISTAS REPRESENTATIVOS
-Salvador Dalí -Giorgio de Chirico
5.5 EL POP ART
Por Art., significa arte popular. La nueva corriente artística
aparece en Estados Unidos en la década de 1960.
El Pop Art. es una manifestación de la cultura popular urbana que
toma sus imágenes de la vida real, lo que hace es pues un collage
de objetos inútiles, cosas y piezas de desecho, de juguetes y
maquinas y con ellas componer una obra.
5.6 EL OP ART
Significa Arte Óptico. Su creación artística abstracta
se basa la distorsión perspectiva de la línea y la
forma, para provocar sensaciones extrañas en la
visión humana, percepciones falsas de la realidad y
efectos ópticos.
Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva
generación de artistas abstractos. No solo se
preocupan por comunicar con sus obras un
sentimiento, sino que exigen del espectador una
actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando
una obra que se mueve, buscando el principio y el
fin. En esta época el centro del arte es,
definitivamente, Nueva York
5.7 NAIF
Tendencia artística en gran parte autodidacta caracterizada por la
adopción de formas e imágenes simplificadas, ingenuas y espontáneas,
que huyen de la perspectiva tradicional (una pintura parecido a la de los
niños). En sentido estricto se refiere a una escuela francesa, cuyo
máximo representante fue Henri Rousseau.

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5.8 ARTE CONCEPTUAL
Surge paralelamente al Pop Art en Estados Unidos
la principal premisa de este movimiento es que la
idea y el concepto en su proceso de realización de
una obra es más importante que la obra en si. Lo
que prima en son los conceptos teóricos
También conocido como idea art, es un movimiento
artístico en el que las ideas dentro de una obra son
un elemento más importante que el objeto o el
sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra
prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos
casos la idea es la obra en sí misma, quedando la
resolución final de la obra como mero soporte.
. Esta
noción de arte conceptual aparece con Duchamp, en
la década de 1960 y perdura hasta nuestros días.
El arte conceptual como movimiento emergió a la
mitad de los años sesenta, en parte como una
reacción en contra del formalismo que había sido
articulado por el influyente crítico Clement
Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de
1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel
Duchamp (principal artista) serviría como precursor,
con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los
artistas conceptuales las primeras ideas de obras
basadas en conceptos y realizadas con objetos de
uso común.
5.9 EL ARTE BRUT
Creada en 1945 en Nueva York por el francés
Jean Dubuffet, este artista creó esta expresión de
“arte bruto”, para referirse a las obras realizadas
por personas que viven al margen de la sociedad,
en hospitales, asilos psiquiátricos o presos y que
siempre han permanecido alejados de la
enseñanza tradicional del arte. En sus propias
obras utilizo diferentes técnicas y/o materiales.
Sus obras son el reflejo de una creatividad pura
sin contaminar por la imitación de modelos ya
establecidos. Dubuffet afirma que todos llevamos
un potencial creativo que las normas sociales
actuales anulan. Esto se observa en las
creaciones de personas que se mantienen al
margen de la sociedad, tales como: internos de
hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios,
inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet
recoge estas obras, fundando en 1948 la
"Compagnie d´Art Brut" junto a André Bretón,
Michel Tapié y otros. La colección formada llega a
las 5000 obras, que se exponen por primera vez
en 1967 en el Musée des Arts Decoratifs de París,
instalándose definitivamente en 1976 en el
Château de Beaulieu de Lausana. La colección
está formada en su mayoría por obras de
enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte
psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del
primitivismo asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la
modernidad.

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5.10 EL HIPERREALISMO
Movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en la década de los sesenta y conocido también como
Realismo Fotográfico. Los artistas de esta tendencia intentan realizar una versión detallada de las imágenes
con tal precisión.
Para lograr esta extraordinaria precisión los pintores recurren a procedimientos ilusionistas y a la cámara
fotográfica, mientras que los escultores emplean en sus obras poliéster, uñas, cabellos, y ropa en escenas de
singular precisión.
El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del
trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los
artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad
usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al
óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente
reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte
pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se
mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como
un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En
esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte
que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close,
Malcolm Morley o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad,
consiguiendo resultados a veces asombrosos.
5.11 EL GRAFFITI
Movimiento artístico desarrollado en Norte América
que consiste en realizar inscripciones o dibujos
hechos sobre diferentes superficies de dominio
público, como las paredes de un edificio o los
vagones de un ferrocarril. Por lo común se realizan
con aerosoles, brochas y otros instrumentos que
permiten espontaneidad y rapidez.
La temática de los graffiti suelen ser de tres tipos:
política e ideológica, exhibición personal o colectiva
y decorativa, estas obras son anónimas.
En el lenguaje común, el grafiti incluye lo que
también se llama pintadas: el resultado de pintar
letreros en las paredes, frecuentemente de
contenido político o social, con o sin el permiso del
dueño del inmueble, y el letrero o conjunto de
letreros de dicho carácter que se han pintado en un
lugar. También se llama grafito, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas;

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por ejemplo, los grafitos de los disturbios de mayo
de 1968 en París: L'imagination au pouvoir (la
imaginación al poder), o Sous les pavés il y a la
plage (bajo los adoquines está la playa), etc. La
expresión grafiti se usa también para referirse al
movimiento artístico del mismo nombre,
diferenciado de la pintura o como subcategoría de
la misma, con su origen en el siglo XX. Fue un
movimiento iniciado en los años 1960 en Nueva
York, o, según aluden fuentes bibliográficas como
getting from the underground, en Filadelfia.
5.12 BODY ART
Actividad Artística moderna en la que el artista utiliza su cuerpo
o cuerpos como medio de expresión plástica ya sea pintado o
en forma inmóvil.
El body art es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de
gran relevancia en los años 60 en Europa y, en especial, en
Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se
calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo
o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de
acción o ''performance'', con una documentación fotográfica o
videográfica posterior.
5.13 PERFORMANCE
Forma artística contemporánea que combina
elementos del teatro, la música y las artes
visuales. Se diferencia de happening (espectáculo
teatral espontáneo y sin argumento donde
participa el público); en su presentación no se
requiere la participación al público.
Una performance es una muestra escénica,
muchas veces con un importante factor de
improvisación, en que la provocación o el
asombro, así como el sentido de la estética,
juegan un rol principal. Tuvo su auge durante los
años setenta.

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El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art
con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico
fluxus events y al body art. El término performance comenzó a ser utilizado especialmente para definir ciertas
manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta.
La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de
movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo,
realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se
destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.
El arte del performance es aquel en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo,
en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede
tener cualquier duración.
Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el
cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura,
ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
5.14 INSTALACIONES
Arte eminentemente moderno y
contemporáneo. Está dado por un conjunto
de cosas y objetos dispuestos en un
determinado espacio en gran parte tiene
carácter tridimensional. Por medio de ello el
artista buscara dar un mensaje al
espectador.
Una instalación artística es un género de
arte contemporáneo que comenzó a tomar
un fuerte impulso a partir de la década de
1970. Las instalaciones incorporan cualquier
medio para crear una experiencia visceral o
conceptual en un ambiente determinado. Los
artistas de instalaciones por lo general
utilizan directamente el espacio de las
galerías de arte.
Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos
cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa
en el trabajo artístico. La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el
arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que
tiene su principal interés en la forma.
Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación,
tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.
Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son
creadas
5.15 LAS AUDIOVISUALES
Considerada para algunos críticos
como el arte que todavía está en sus
inicios; este género utiliza las
diapositivas, con imágenes en
movimiento, fijas y transparentes que
son proyectadas sobre una pantalla en
determinada sucesión, o
simultáneamente. Algunas imágenes
aparecen en la pantalla como si esta
fuera un gigantesco tablero y en ella
van sucediéndose con un ritmo y
duración específicos.

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5.16 ARTE VIRTUAL
Al navegar por la red,
podemos encontrar gran
diversidad de manifestaciones
artísticas, fotografía, pintura
animación, video, etc. Al
acuñar un nombre para este
fenómeno, los conocedores
han dado con términos como
net art,arte digital (digital art),
media art, web art, arte en
línea, etc.; los cuales aunque
parezcan definir lo mismo
difirieren entre sí al igual que
las manifestaciones de este
fenómeno como tal. Es decir,
no es lo mismo encontrar una
pintura al óleo o una fotografía
escaneadas, que una
animación en flash o una
fotografía digital; las dos
primeras son creadas por fuera
de la red y toman esta sólo
como un medio de promoción
y publicación, y las segundas
difieren con estas en que sí
son creadas al interior de la
red y con medios puramente
digitales.
En el medio hay una discusión referente a la asignación de este término, incluso hay quienes dicen que el
arte como tal siempre implica una red que no es necesariamente internet, ya que los espectadores y el artista
conforman una red siempre, aunque no estén conectados por medio de sus computadores, y así mismo se
niegan a una diferenciación entre el artista convencional y el artista digital, ya que según ellos, no se pueden
definir ni determinar por el medio que utilizan para dar lugar a su expresión, sino por la expresión como tal.
Hay sin embargo quienes alegan que no se le puede dar el nombre de Net Art al arte que no es creda al
interior de un computador, y son enfáticos en la diferenciación entre Net Art y Arte en la Red.
Fuera de esta discusión, hay un aspecto todavía más importante del arte que encontramos en Internet, y es la
síntesis de las imágenes, movimientos y escenas pertenecientes a ésta ya que no es simplemente otra forma
de verla, en realidad consiste físicamente, en algo diferente a la imagen analógica del óleo, de la pintura e
incluso de la fotografía y la televisión, ya que no es más que la representación de un código de ceros y unos:
un código binario; e ideológicamente en toda una revolución de las ideas y las formas de hacer arte, así como
tiempo atrás, el artista aprendía a estirar el
lienzo y a mezclar los colores, ahora se
interesa por programas de diseño,edición
de fotografias, etc. Como afirma Giancarlo
Carbone en su artículo "el arte en la era
digital", existe más distancia entre un
video de televisión y una animación digital,
que entre éste mismo y una pintura
renacentista.
"Como tantas otras, la tecnología es un
arma. La tecnología no es creativa en sí
misma, la creatividad está en la idea. El
artista, al controlar determinada
tecnología, la incorpora a sus
pensamientos, piensa sus ideas y
produce de acuerdo a esa tecnología."
Eugenio Ampudia

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5.17 LAND ART
«arte de la construcción del paisaje» o
«arte terrestre».
El Land Art es una tendencia del arte
contemporáneo, que utiliza el marco y
los materiales de la naturaleza
(madera, tierra, piedras, arena,
rocas,fuego, agua etc.). Esta expresión
inglesa se ha traducido también como
«arte de la construcción del paisaje» o
«arte terrestre». Generalmente, las
obras se encuentran en el exterior,
expuestas a los elementos, y
sometidas a la erosión natural; así
pues, algunas desaparecieron,
quedando de ellas sólo el recuerdo
fotográfico. Las primeras obras se
realizaron en los paisajes desérticos
del Oeste estadounidese a finales de
los años sesenta. Las obras más
imponentes, realizadas con
equipamientos de construcción como
excavadoras, se llaman earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o
desmontes).
Utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.)
El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en
otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más
determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo
comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y
setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas).

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5.18 EAT ART
Para mediados del siglo xx surge la corriente del arte
conceptual y dentro del arte surge el movimiento eat
art
Se trata de utilizar todo tipo de alimentos para crear
obras de arte en diversos formatos Con esta técnica se
hacen instalaciones, esculturas y performances
Los alimentos siempre han estado presentes en la
historia del arte. En un primer momento como modelo -
el frutero elevado a la categoría de arte a manos de
Caravaggio (Milán, 1571 - Porto Ercole, 1610) - y más
adelante se introdujo un componente simbólico - los
oníricos huevos fritos de Dalí (Figueres, 1904-1989)-.
En la segunda mitad del siglo XX, además, se da a la
comida importancia como material, con una corriente
que convierte los comestibles en materia de los objetos
de arte, el Eat Art, un arte sensorial en el que, además
de la vista, intervienen el olfato y el gusto.
El trabajo precursor de esta corriente fue la obra de
Daniel Spoerri (Rumanía, 1930), Palindromic Dinner
(1967) en la que, usando como materia prima los
desechos del vecindario, ponía de manifestó el brusco
cambio que el ritual de la comida había experimentado
con el nacimiento de la sociedad de consumo. Esta
importante carga simbólica sedujo a un grupo de
artistas que, durante décadas, han mantenido la comida como tema de exploración artística.

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ACTIVIDAD
1. Luego de haber leído la segunda unidad, responder:
- ¿Qué es la pintura?
- ¿Qué son los géneros pictóricos?
- ¿Cuáles son las características de la pintura histórica y la pintura de género?
- ¿Qué es la acuarela?
- ¿Qué son los óleos?
- ¿Cuál es la diferencia entre las témperas y los acrílicos?
- ¿Qué es una pintura al temple?
- ¿Qué es una pintura al fresco?
- ¿Qué es una encáustica?
- ¿Qué es la pintura al pastel?
- ¿Qué es el cubismo?
- ¿Cuáles son las etapas del cubismo?
- ¿Cuáles son las características del arte abstracto?
- ¿Cuál es la ideología del superrealismo o sub realismo?
- ¿Cuál es la diferencia entre el op art y el pop art?
- ¿Qué es al arte conceptual?
- ¿Qué es el arte brut?
- ¿Cuál son las diferencias entre el hiperrealismo y el surrealismo?
- ¿Cuál es la temática de los graffitis?
- ¿Qué es body art?
- ¿Qué es las performance artística?
- ¿Qué es el happening?
- ¿Qué son las instalaciones?
- ¿Qué es net art?
- ¿Qué es el arte virtual?
- ¿Qué son las audiovisuales?
- ¿Cómo nace y que características tiene el land art?
- ¿Qué significa eat art?
2. Elabora organizadores con los principales conceptos de esta segunga unidad.
3. Investigue y aporte nuevos ejemplos a los ya dados. Si es necesario, elabore un glosario de
términos.

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REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
1. Ráez Mendiola Ernesto. Estudio y Apreciación del Arte, Lima: Editorial de la
Universidad Nacional Mayor de San Marcos; 2008
2. De la Casa Leticia, Arte del Siglo XX, Lima: Empresa Editora El Comercio
2009
3. Herman Blume Ray Smith. El Manual del Artista, Madrid: Editorial Dorling
Kindersley; 1990
4. Ramírez Pilar. Enciclopedia Ilustrada – Artes y Obras Maestras, Santiago de
Chile: Editorial Larousse S. A.; 1999
5. Navarro Joaquín. El Mundo del Arte, Autores, Movimientos y Estilos,
Barcelona: Grupo Editorial Océano; 2000
6. Biedman Carlos. El lenguaje del Dibujo, Buenos Aires; Editorial Kapelusz;
1990.
7. Braunstein Mercedes. Todo sobre a técnica del color, España: Editorial Norma
Parramón; 2005.

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