Arte optico y cinetico
- 1. OP ART – ARTE CINÉTICO
- 2. ¿QUE ES EL OP-ART? El arte óptico es una tendencia desarrollada a partir del arte cinético que apareció después del surrealismo en el siglo XX. Se define como un movimiento artístico originado en Estados Unidos en el año 1958 * Es una forma de arte cinético que se relaciona con diseños geométricos que crean sensaciones de movimiento o vibración. Produciendo diferentes tipos de ilusión óptica. * Hace que el ojo detecte una sensación de movimiento como: hinchazón, deformación, parpadeo, vibración en la superficie de la obra. * Los patrones, formas y colores utilizados en estas imágenes generalmente tiene cualidades ilusorias. * Las obras de Op-Art se produjeron primero en blanco y negro, luego en colores vibrantes.
- 3. El Op-art explota la relación funcional entre la retina del ojo (el órgano que "ve" los patrones) y el cerebro (el órgano que interpreta los patrones). Ciertos patrones causan confusión entre estos dos órganos, lo que resulta en la percepción de efectos ópticos irracionales. Estos efectos se dividen en dos categorías básicas: primero, el movimiento causado por ciertos patrones geométricos específicos en blanco y negro. Por ejemplo, como los de los trabajos anteriores de Bridget Riley, o las superficies de aluminio de Getulio Alviani, que pueden confundir el ojo incluso hasta el punto de inducir mareos físicos. Segundo, las imágenes posteriores que aparecen después de ver imágenes con ciertos colores o combinaciones de colores. La interacción de diferentes colores en la pintura (contraste simultáneo, contraste sucesivo y contraste inverso) puede causar efectos retinianos adicionales. Por ejemplo, en las pinturas del "Templo" de Richard Anuszkiewicz, la disposición de dos colores altamente contrastantes hace que parezca que la forma arquitectónica invade el espacio del espectador. Como se produce a nivel físico?
- 4. PRECURSORES
- 5. Los orígenes del Op-Art se remontan a las teorías de pintura de antes de la guerra. Entre ellas se encuentran las ideas constructivistas de la escuela de diseño Bauhaus de la década de 1920 en Alemania. Estas enfatizaban la importancia del diseño formal general, en la creación de un efecto visual específico. Cuando la Bauhaus cerró en 1933, muchos de sus profesores (especialmente Josef Albers) se mudaron a América y enseñaron en Chicago y en el Black Mountain College de Carolina del Norte.
- 6. BRIDGET RILEY Bridget Louise Riley. Nace 24 de abril de 1931; Norwood, London, United Kingdom Es una pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos
- 8. GETULIO ALVANI nace en Udine en 1937. Se le considera como uno de los principales representantes del arte abstracto y cinético de Italia. Desde la infancia manifiesta un interés para la concepción gráfica y geométrica. A pesar de su admisión en el Colegio de Arte de Venecia el joven prefiere pasar las tardes en los museos de la ciudad admirando las obras maestras Testura grafica X... Serigrafía
- 9. Superficie a testura vibratile (1972). Getulio Alviani. Cortesía de Galleria Tonelli.
- 10. 1. La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético. 2. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. 3. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. 4. El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra. 5. El Op art se basaba en la percepción del espectador. No existe ningún aspecto emocional en las obras de Op-art. Es pura ciencia (óptica) y con ello consigue efectos estéticos utilizando desde líneas paralelas a contrastes cromáticos. 6. Es casi siempre un tipo de arte abstracto, casi siempre geométrico, y casi nunca se preocupa por comunicar un sentimiento o tocar la fibra emocional del espectador Características
- 11. Patrón de moaré es una interferencia visual; un efecto geométrico de distorsión ocasionado por la interacción de dos patrones de trama, situados uno encima del otro. El resultado es un nuevo patrón con un efecto visual un tanto peculiar. A este efecto visual se lo llamó moiré o muaré.
- 12. La copa de Rubin, una singular ilusión óptica, La vista es uno de los sentidos más sorprendentes por las capacidades que nos da de percibir nuevos elementos en determinadas imágenes. Un ejemplo es la copa de Rubin, en la cual pueden percibirse diferentes objetos, dependiendo del ángulo. Este juego óptico, mediante el cual en la misma imagen es posible identificar tanto una copa como dos rostros enfrentados, se organiza alrededor del principio de que, cuando dos campos presentan un borde en común y uno es visto como figura y el otro como fondo, la percepción inmediata se caracteriza por un efecto que emerge de ese límite en común y que opera de manera más fuerte en un campo que en el otro.
- 13. M.C Escher Sol LeWitt Victor Vasarely https://historia-arte.com/artistas/victor-vasarely
- 14. VÍCTOR VASARELY Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 - París, Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado como el padre del op art. Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, antigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores.
- 15. El mejor trabajo de Victor Vasarely, se expresa en términos geométricos, incluso mecanicistas, pero integrado en un equilibrio y contrapunto que es orgánico e intuitivo. Afirma que su trabajo contiene "una forma de arte abstracto arquitectónico, una especie de folklore universal". Su misión es "una nueva ciudad: geométrica, soleada y llena de colores", resplandeciente con un arte "cinético, multidimensional y comunitario. Abstracto, por supuesto, y más cercano a las ciencias
- 16. Zebra Victor Vasarely Fecha: 1937 Estilo: Op Art Género: pintura de animales Dimensiónes: 52 x 60 cm Vega-Nor Victor Vasarely Fecha: 1969 Estilo: Op Art Género: pintura abstracta Media: acrílico, canvas Dimensiónes: 200 x 200 cm
- 17. Otros artistas asociados con Op-Art incluyen: Yaacov Agam, Josef Albers, Richard Allen, Getulio Alviani, Richard Anuszkiewicz, Carlos Cruz-Diez, Tony DeLap, Gunter Fruhtrunk, Julio Le Parc, John McHale, Youri Messen-Jaschin, Reginald H. Neal, Bridget Riley, Jesús Rafael Soto, Julian Stanczak, Günther Uecker, Ludwig Wilding y Marian Zazeela.
- 18. JULIO LE PARC Palmira, San Martín, Mendoza, Argentina, 23 de septiembre de 1928 es un escultor y pintor argentino. Nacido en la localidad de Palmira (departamento de San Martín, provincia de Mendoza) en 1928. Durante el año 1942 se mudó junto a su familia a la ciudad de Buenos Aires. Le Parc busca involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra; para ello recurre a iluminaciones artificiales, efectos especulares, reflejos y movimientos; por ejemplo con bandas mecánicas que se mueven por dispositivos mecánicos ocultos, el fluir de líquidos fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon, sus esculturas en ciertos casos son genuinas instalaciones que envuelven a los espectadores.
- 19. Composition S -14 - 4 Julio Le Parc Fecha: 1970 Género: pintura Untitled Julio Le Parc Estilo: Op Art Género: pintura abstracta
- 20. ARTE CINÉTICO El arte cinético, conocido también como cinetismo, es una corriente artística surgida a mediados del siglo XX, que integra el movimiento físico- espacial como elemento compositivo. En tanto movimiento artístico, el arte cinético tuvo su origen en París hacia la segunda mitad del siglo XX. El primer hito lo constituye la exposición Le Mouvement, celebrada en 1955, en la galería Denise René. El arte cinético heredó del futurismo la voluntad mecanicista y, del constructivismo, la celebración tecnológica. La fusión de estos dos aspectos permitió hacer del movimiento algo más que un principio: una realidad perceptible y/o real. De allí se desprenden las características de esta corriente. A diferencia del futurismo y el constructivismo, en el cinetismo el movimiento no se imagina, sino que se percibe sensorial y materialmente. Comprende el movimiento de tres maneras: el movimiento físico real de la obra, el movimiento óptico y el movimiento físico del espectador. Es principalmente pictórica y escultórica, basada en el movimiento. Las obras cinéticas están dotadas de movimiento real, juegan con efectos ópticos que lo simulan o incluso provocan que sea el propio espectador el que se mueva para experimentar con sus distintas interpretaciones. Destacamos tres tipos Los estables: Son obras fijas, y es el espectador quien tiene que rodearlas para percibir el movimiento. Los móviles: Las obras producen un movimiento real, y por tanto van cambiando su estructura constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada instante nace una obra distinta. Los penetrables: Las obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el productor de movimiento.
- 21. ALEXANDER CALDER Alexander Calder (Lawton, Pennsylvania, 1898 - Nueva York, 1976) es uno de los escultores más influyentes del siglo XX. Fue un ingeniero y escultor estadounidense que se trasladó al efervescente París de los años 20 y comenzó a crear figuras de animales en madera y alambre. Poco a poco las fue simplificando hasta llegar a la abstracción y descubrió que ganaban en dinamismo si se movían en realidad. Nacieron así sus innovadores móviles o chupin (juguetes móviles colgantes), que acabarían por ser el germen de la escultura cinética.
- 22. Sin Título, 1934. Tubo, varilla, madera, hilo de alambre, cuerda 114,5 x 94 cm Calder Foundation, New York © 2018 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Triple Gong, ca. 1948 Chapa de latón, alambre, pintura 99,1 x 190,5 x 7 cm Calder Foundation, New York; Donación prometida de /promised Gift of Holton Rower © 2018 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / SAVA Buenos Aires.
- 23. Jesús Rafael Soto Ciudad Bolívar, Venezuela, 5 de junio de 1923 - París, Francia, 14 de enero de 2005) fue un artista venezolano, figura importante del arte cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50. Soto fue particularmente famoso por sus "penetrables" esculturas dentro de las cuales, las personas pueden caminar e interactuar.
- 24. Escultura, Esfera theospacio, 1989, Jesús Rafael Soto Pintura, Vibration superieure, 1998 Jesús Rafael Soto Escultura, Progresion Rosa Jesús Rafael Soto
- 25. Victor Vasarely Yaacov Agam David Ascalon Jo Andres Daniel Buren Alexander Calder Carlos Cruz-Díez Mark di Suvero László Moholí-Nagy Arthur Ganson Bruce Gray Theo Jansen Starr Kempf Frederick Kiesler Gyula Kosice Gilles Larrain Julio Le Parc Len Lye Franco Gaston Otero Darío Pérez-Flores Naum Gabo Marcel Duchamp Juvenal Ravelo George Rickey Nicolas Schöffer Jesús Soto Takis Jean Tinguely Gregorio Vardanega Panayiotis Vassilakis Lyman Whitaker