el-arte-pop-y-la-cultura-de-masas (2).ppt
- 1. EL ARTE POP Y LA CULTURA DE MASAS José Jiménez en: “Teoría del arte”
- 3. Estallido de colores, maderas pintadas, plásticos son los materiales del arte pop que suponen un cambio respecto de los tradicionales Se utilizan las mismas técnicas que el diseño industrial, la publicidad y los medios masivos de comunicación. La imagen es clara, reproduce el lenguaje de los medios masivos. Reacciona contra la gestualidad del expresionismo abstracto y la complejidad formal de las vanguardias.
- 5. Miles Davis y su mayor aliada, la trompeta, durante la grabación de "Kind of Blue"
- 6. Atento a los nuevos tiempos, la mirada pop, después de la Segunda Guerra Mundial ve la tendencia a la nivelación del status material y cultural de la población, exaltación del estilo de vida de las clases medias. Pop: abreviatura de lo popular. El hombre de clase media se sentía distanciado respecto del “Arte” o la “Cultura”. Richard Hamilon: ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?. (1956) Es uno de los primeros emblemas “pop”
- 8. Andy Warhol Marilyn Monroe’s Lips – 1962
- 9. My Marilyn– 1964 Richard Hamilton
- 10. Ray Johnson Elvis Presley Nº 1, 1955
- 11. Tom Wesselmann Great American Nude, Nº54, 1964
- 12. Tom Wesselmann. Bathub 3-1963
- 13. Cloes Oldenburg – Pepsi Cola Sign 1961
- 14. Andy Warhol – Close Cover Before Striking – 1962
- 15. Andy Warhol – Green Coca Cole Bottles- 1962
- 16. Andy Warhol – Two Dollars Bill 1961
- 17. Jasper Johns – Flag above withe collage - 1951
- 19. Arte vs. consumo El arte tendrá que integrarse y competir con la esfera de la comunicación y el consumo, para poder cumplir con su destino público. Este es el aspecto más importante que trae consigo la emergencia del pop: la toma de consciencia de los cambios culturales y sociales y la nueva ubicación del arte. En la música, el rock, surgido en la década del `50 comienza a desarrollarse imponiendo un estilo que es tomado por el jazz, desde sus ritmos que da lugar a la aparición del jazz fusión y al protagonismo de ciertos instrumentos como lo era la guitarra en el rock. A fines de la década del `60, surge el festival de Woodstock
- 21. Este proceso tuvo su continuidad en las democracias de la posguerra, en un contexto de liberalismo político y económico Europa había quedado desvastada y el ciclo económico expansivo que se abría en Estados Unidos permitía un crecimiento de los mercados. El consumo de masas, propiciado por el desarrollo de nuevas técnicas, como los créditos, se convierte en el estandarte ideológico de la época. Todo se vende, todo se consume. En este marco cultural, nace el arte pop y la clave es la plasmación en la esfera artística del ideal de vida americano “americanización del mundo. Frente a los desgarramientos de las sociedades europeas, esa expansión significaba un ideal de nivelación social. Los pobres y los ricos pueden comprar las mismas cosas. Todos pueden beber Coca-Cola.
- 22. El ideal de vida americano, conlleva la universalización del consumo, sostenido por los sistemas de ventas a plazos. Este sistema económico, si bien se ve reforzado en el plano ideológico por esta expansión niveladora del consumo, en cuyo seno está presente la dimensión de igualdad, de nivelación democrática, lo que busca la igualdad es la repetición y la serialidad, que es lo que destruye la singularidad, la particularidad, y en el plano ideológico y cultural segrega una intensa tendencia a la uniformidad, a lo homogéneo.
- 23. Esta universalización del consumo implica desde el punto de vista cultural el incremento de la receptividad pasiva y la falta de creatividad Hay un desplazamiento del centro hegemónico del arte: de París a Nueva York. En el plano estético, el arte pop supone la toma de consciencia y la aceptación de la posición jerárquica de la técnica respecto del arte y su dependencia con ella. Entonces ¿cómo seguir privilegiando la destreza manual del artista? Los efectos de este planteamiento conllevan un fuerte desplazamiento de la mímesis: impugnación de toda idea de validez de un “canon” estético y consecuentemente la apertura de un proceso de investigación formal.
- 24. ¿Qué es el arte pop?. Lichtenstein respondía, “No lo sé, la utilización del arte publicitario en la pintura, supongo.” Esto implica el desplazamiento del arte y la pérdida de su autonomía creativa en el contexto de la cultura de masas, Sin el soporte de los distintos canales de información y comunicación de masas, el arte no habría existido, pero su efecto es devastador: distorsiona, fragmenta, homogeniza. Los artistas pop introdujeron la indistinción de los objetos de la cultura de masas y los productos artísticos. Oldemburg decía: “Nunca he diferenciado entre un museo y una ferretería”. Nivelación estética. El brillo de la diferencia, en donde tiene su eje fundamental el ejercicio crítico del juicio estético, desaparece. Las obras más significativas son las de Andy Warhol.
- 26. El núcleo de la poética de Andy Warhol consistía en detener la vida, cuando esta se ha hecho más vertiginosa que nunca. La imagen detenida, congelada cuando nuestra percepción se había acostumbrado a la vivacidad. Tú y yo somos esa lata, decía Warhol, que tampoco era lata sino imagen. Ese es en definitiva, el horizonte pop. El de la imagen global, el registro en los canales artísticos (obras, galerías, museos, instituciones) de un proceso cada vez más agudo de desmaterialización del arte y de estetización de la vida. La tensión estética y moral del arte de nuestros días se centra en la búsqueda de una dimensión propia de la invención artística.
- 27. La afirmación de la diferencia El carácter lineal y homogéneo de la tradición artística occidental se fue articulando durante siglos sobre el soporte de la linealidad histórica y el protagonismo de los varones. La presencia de la mujer como objeto y no como sujeto, tiene sus raíces antropológicas, en la concepción dual de ella, característica que se manifiesta en el pensamiento mítico de la antigua Grecia y en los textos de la Biblia: Pandora y Eva.
- 30. El rol social tiene su arranque en las luchas sufragistas y los primeros movimientos de emancipación y discurre durante el desarrollo del siglo XX. En sentido estricto, la presencia de la mujer en el arte se remonta a los inicios del siglo XX y al período de entreguerras. Hubo que esperar a los años setenta, en un contexto caracterizado por las luchas feministas, para que se pudiera iniciar una revisión histórica profunda de la presencia de las mujeres en el arte contemporáneo.
- 31. La presencia de la mujer en el arte trae consigo la aparición de una nueva sensibilidad. A partir de este momento, salió a la luz la representación de lo excluido y se fue abriendo paso la afirmación de otras diferencias: la “sexual” y la “étnica”. La gran fuerza del nuevo arte reside en la capacidad de cuestionar los estereotipos dominantes. Esta nueva consciencia y sensibilidad implica la subversión más profunda de la tradición artística de la vanguardia histórica.
- 32. Junto con el arte pop, la nueva afirmación de la mujer en el arte impulsa un giro radical que tiene lugar durante la segunda mitad del siglo veinte y establece el horizonte del nuevo arte: la inserción de la actividad artística en un marco cultural hiperestetizado. Desde los años setenta los temas que han marcado y con mayor énfasis, el arte hecho con mujeres giran en torno al cuerpo, el género, la sexualidad. Y también en torno a las dimensiones económicas y políticas: la igualdad salarial, el cuidado y la salud de los niños, la violación, el acoso sexual, etc. El énfasis en la diferencia conduce a la contraposición como forma de diferenciación.
- 36. La generalización de la percepción y representación de la diferencia implicaría una puesta en cuestión múltiple de los tipos de géneros y comportamientos sexuales, de toda idea de identidad sustancialista. La cuestión masculino/femenino, un registro simbólico – cultural presente en todas las sociedades humanas, entraría así en un proceso de flexibilización y polimorfismo, que caracteriza de modo decisivo el arte y la cultura de nuestro tiempo.
- 38. Nan Goldin “Gotscho kissing Gilles” 1993
- 41. Shirin Neshat “Woman de Alla”
- 48. LA REVOLUCION DEL ARTE ELECTRONICO En un mundo cambiante, el arte se vio obligado a reorganizar su espacio y su lenguaje en un horizonte de pluralidad y concurrencia con otras vías de manifestación estética. También la idea de una historia “uniforme”, ha dado lugar a una aceptación generalizada de las diferencias humanas en todos los planos: individual, sexual étnico.
- 49. El imaginario estético contemporáneo es indisociable de la omnipresencia de las máquinas. Se trata de máquinas mecánicas, pero desde los años ´60, en paralelo a la aparición del arte pop y a la nueva sensibilidad configurada por la aparición de la mujer en el escenario del arte, comienza a despuntar un nuevo horizonte tecnológico producido por lo que podemos llamar la revolución electrónica.
- 50. La tecnología electrónica introduce la posibilidad de acumular y transmitir información y con ello, la figura límite de la máquina pensante, introducida por Turing (1950). Las consecuencias en el mundo del arte han sido y serán profundísimas. Por un lado, se hace visible una nueva unión arte-técnica. Los planos técnico- productivo y el de la imagen, vuelven a encontrarse en el nuevo horizonte de la cultura digital. Las fronteras entre arte y ciencia, se diluyen y las figuras del artista y el ingeniero, se superponen.
- 51. Las nuevas tecnologías aplicadas al arte, constituyen la aparición de la posibilidad de una importante revolución antropológica. Los soportes tecnológicos más importantes son: el láser y la holografía, el video, las telecomunicaciones y el ordenador. Hoy estamos en los umbrales de la metamorfosis del arte todavía más profunda: 1.- Las nuevas técnicas con las que operan (la luz y la información) dan lugar a nuevas formas de materialidad. 2.- Por la fusión de géneros que conllevan, lenguaje, imagen visual y sonido se integran en un horizonte multimedia en el video, las redes comunicativas, ordenadores, etc.
- 52. 3.- Globalización perceptiva y mental tanto en el artista como en el receptor. El trabajo con el láser o la holografía supone alcanzar la visualidad pura. El soporte de la propuesta artística son los propios haces de luz. Se trata entonces, de un arte de la luz en el sentido más radical. Las raíces del video-arte se remontan a los años sesenta y a las poéticas del arte conceptual. Desde un punto de vista estético, su característica central es la nueva representación del tiempo. A diferencia del cine, es posible representar el tiempo real.
- 53. No es posible desligar el papel del video que desempeña en la imagen audiovisual en la cultura de masas. Las interferencias de los medios de comunicación y la progresiva sustitución de la fotografía por el video doméstico han estrechado el horizonte estético del video como arte. La reproducción masiva de la imagen visual produce por un lado, una ampliación del horizonte de nuestras capas mentales y perceptivas y por otro se corre el riesgo de un progresivo debilitamiento de la memoria, individual y colectiva, con el consecuente empobrecimiento cultural.
- 54. Jiménez considera una auténtica revolución, el desarrollo de la informática, arte del ordenador, net art. El arte digital, constituye un territorio nuevo de experiencia estética. El soporte de las obras es numérico, matemático, lo que supone una matematización de la percepción y la representación, quizás presente hasta ahora de un modo central sólo en las obras musicales. Hay un cambio radical en el status de la imagen: es cambiante, fugaz.
- 55. Las imágenes generadas en la computadora no son inmateriales, son más bien formas nuevas de materialidad. Son entidades numéricas, computacionales, pero materiales. El nuevo status de la imagen digital abre la vía para una convergencia profunda, para una fusión de los distintos soportes sensibles o lenguajes: palabra, forma visual, sonido, etc. De aquí deriva la idea de multidimensionalidad de la imagen.
- 56. Yaacov Agam
- 58. Modificaciones en el status de la imagen y que suponen un cambio revolucionario, de nuestras ideas sobre el objeto artístico. Materialidad no fisicalista. Carácter cambiante y metamórfico. Integracionismo mental – corporal. Multidimensionalidad expresiva entendida como fusión de modalidades y soportes sensibles. La tecnología digital altera en profundidad el status del objeto artístico y las relaciones entre productor y receptor. La participación creativa del público data de los años sesenta y es uno de los aspectos mas recurrentes en el universo artístico. La recepción de los sucesivos públicos va privilegiando distintos sentidos estéticos, lo que permite una cadena abierta, ilimitada, de sentidos y significaciones.
- 59. En el arte digital, la imagen se convierte, así, en un entramado de signos que puede ser explorado y modificado, de modo diferente por los distintos sujetos que acceden a ella. En lugar de la pasividad inducida por las viejas máquinas, el ordenador propicia la acción, la modificación de quien la recibe, la interacción. Este carácter de interacción despoja al proceso creativo de su vieja aureola teológica y el artista deja de ser equiparado a un dios y por ahora es una tendencia que marca el acercamiento de los dos polos de creatividad: el momento de la producción y el momento de la recepción.
- 60. Un factor añadido es el resurgimiento de la desconfianza ante la máquina. Pero el cerebro no es análogo de la computadora, sino más bien el análogo de una operación de tal máquina. Hay una distinción filosófica entre la memoria digital y la memoria humana. El arte digital continúa con la tradición de fijar en la memoria aquello que debe perdurar, estableciendo contrastes entre el simple almacenamiento cuantitativo de la información y las representaciones sensibles, las imágenes que dan sentido y densidad a la experiencia de vida.
- 61. Es importante despojarse del temor a la técnica. En último término, lo que se nos plantea no es tan nuevo desde el punto de vista filosófico, porque el arte ha sido en nuestra tradición realidad virtual: producción de mundos posibles, alternativos al mundo existente, material. Y ha buscado siempre la incidencia de esa realidad alternativa sobre la vida y sensibilidad de los seres humanos.